EL "PENACHO DE MOCTEZUMA" REAPARECE EN VIENA
RESTAURADO POR MÉXICO Y AUSTRIA


Un hombre da los últimos detalles al mostrador donde se expone una réplica del mítico penacho de Moctezuma, en el Museo del Templo Mayor en Ciudad de México. EFE/Archivo

Viena, 14 - Restaurado y estudiado a fondo por expertos mexicanos y austríacos, el legendario "Penacho de Moctezuma" reapareció hoy en público por primera vez desde 2004 con un nuevo nombre y una amplia investigación sobre su misteriosa historia.
La delicada cuestión de la propiedad del penacho ha pasado a un segundo plano para permitir una cooperación cultural y científica entre México y Austria, cuyos primeros resultados fueron presentados hoy en rueda de prensa en el citado museo.
"Para nosotros, lo primero es la conservación de la pieza. Estaba en muy mal estado, ahora está bien", explicó hoy a Efe en Viena Alfonso de María y Campos, director general del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México.
"En segundo lugar, nos preocupaba la falta de investigación", añade el experto, uno de los coordinadores del proyecto, quien recordó que hacía más de cien años que no se efectuaba un amplio estudio científico sobre la supuesta corona del emperador azteca.
Persisten las dudas sobre su verdadero origen y por ello ha sido rebautizado: "El Penacho del México Antiguo" es ahora su nombre oficial, así como el título del libro donde se publican los resultados de las investigaciones.
Si perteneció o no a Moctezuma II Xocoyotzin, el último emperador azteca, si éste lo regaló al conquistador español Hernando Cortez, si era usado por sacerdotes en rituales religiosos..., aún quedan incógnitas por esclarecer en el futuro.
Pero las nuevas tecnologías han permitido un análisis detallado de la sofisticada fabricación de la pieza, mientras que su belleza y magnificencia se han recuperado, gracias a las modernas técnicas de restauración.
Plumas verdes de Quetzal, rojas del pájaro espátula, de color café del vaquero, otras turquesas y azules claras de aves no identificadas, están sofisticadamente montadas en un cuerpo principal, en forma de abanico, y otro central, trapezoidal ascendente, con dimensiones máximas de 178 por 130 centímetros.
"Las plumas eran de un gran valor, más que el oro. Eran otro ámbito de poder, de riqueza", destaca de María y Campos.
"Obviamente, Moctezuma no usaba penacho, pero eso no quiere decir que no fuera de él esta pieza", explica.
Recuerda que "en toda la historia de México, los grandes señores se vistieron con plumas" y que los objetos con plumas eran guardados como tesoros.
Y dice no tener dudas de que el penacho "sí es parte del tesoro de Moctezuma", convertido hoy en "un símbolo muy mexicano de poder".
Aunque México quiere que la corona de plumas vuelva a sus tierras originales, de momento lo que pide oficialmente es solo una concesión en préstamo por largo tiempo.
"Tenemos ahora el diagnóstico completo de la pieza", subrayó por su parte Lilia Rivero Weber, Coordinadora Nacional de Conservación de México, tras calificar de "histórico" el estudio completo del penacho y de su compleja técnica de manufactura.
Después de que Austria, temerosa de los daños que pueda sufrir en un transporte aéreo, rechazara una propuesta de llevarlo en avión a México, "estamos trabajando en una propuesta para un transporte probablemente vía marítima", explicó Rivero.
"Penacho: Suntuosidad & Pasión", es el título de la exposición en torno a esta corona, que en 1596 aparece inventariada en un legado del Archiduque Ferdinand II.
Para nosotros "hoy es un gran día de alegría", resaltó Sabine Haag, directora de los Museos de Historia del Arte, de Etnología y del Teatro de Viena, y recordó que el penacho ha estado medio siglo bajo la protección de esa colección de la dinastía de los Habsburgo.
Ello probablemente lo ha salvado de la destrucción o pérdida, como han sufrido otras preciosas piezas que los conquistadores de América llevaron a Europa, y hoy es el objeto más famoso del Museo de Etnología de la capital austríaca.
A partir de mañana, se puede admirar allí, en exposición permanente, junto a otras piezas provenientes de Mesoamérica, de los siglos XV y XVI.

Wanda Rudich.

Fuente: EFE

 

EL MUSEO METROPOLITANO REMEMORA
EL AMOR DE GEORGE BELLOWS POR NUEVA YORK


Reproducción fotográfica cedida de la obra "Rain on the River" del pintor George Bellows, que hace parte de las cien obras que se exponen en el Museo Metropolitano de Arte (Met), en Nueva York. EFE

Nueva York, 13 - El pintor George Bellows, que a través de su obra se convirtió en un exhaustivo cronista de la sociedad neoyorquina, retratando cómo moría el siglo XIX y nacía la Modernidad, protagoniza una retrospectiva en la ciudad que constituyó la gran pasión de su vida.
"Bellows amaba Nueva York y ese amor lo expresó en todo lo que hizo. Esa pasión está presente en sus pinturas, en sus dibujos, en sus litografías", de las que 100 se exponen desde el jueves próximo al 18 de febrero de 2013 en el Museo Metropolitano de Arte (Met), según explicó hoy a Efe la comisaria de la exhibición, Barbara Weinberg, durante la presentación de la muestra.
Considerado como uno de los precursores del modernismo en EEUU, Bellows fue el primer gran pintor en retratar la sociedad industrial de masas de este país.
Desde los combates de boxeo que le hicieron célebre, hasta los retratos de su familia, pasando por paisajes urbanos y marítimos o por escenas de la Primera Guerra Mundial, la mirada de Bellows (1882-1925) se posó en toda la realidad que le circundaba, "haciéndola suya y característica", según Weinberg.
Este caudal de imágenes variopintas se ha reunido en la que es la retrospectiva más completa del artista desde 1966, y a través de la cual puede efectuarse un recorrido por su trabajo, que se mantuvo en constante evolución desde que Bellows llegó a Nueva York en 1904, "como tantos otros neoyorquinos, que proceden de otro sitio", bromeó Weinberg.
Nacido en Ohio, a cuya universidad asistió, el pintor se trasladó a la Gran Manzana antes de graduarse, con el propósito de estudiar arte con Robert Henri, uno de los profesores estadounidenses más influyentes de la época, a raíz de lo cual se convertiría en un miembro destacado de la escuela artística de Ashcan, un grupo inspirado por las enseñanzas de este maestro.
La "escuela de Ashcan" centró su actividad en tomar constancia de las realidades de la vida cotidiana, y Bellows se manifestó como el "más audaz y versátil" de sus condiscípulos, tanto en "los temas, como la paleta de color y las técnicas", según Weinberg.
El artista se volcó en retratar los pasatiempos contemporáneos de la sociedad del naciente siglo XX, como los combates de boxeo, partidos de polo y tenis, así como excursiones campestres, pero también las multitudes abigarradas de la gran ciudad y los paisajes marítimos o industriales de sus alrededores.

Reproducción fotográfica cedida de la obra "Tennis at Newport", del pintor George Bellows, que hace parte de las cien obras que se exponen en el Museo Metropolitano de Arte (Met), en Nueva York. EFE

"Bellows puso en su trabajo todo el entusiasmo de la ciudad, la energía de la nueva Nueva York", apuntó Weinberg, quien añadió que el pintor se trató de una "figura puente" que salvó la distancia que mediaba entre las dos culturas artísticas de la tradición y la modernidad.
"Tal vez eso es lo que hace tan atractiva su obra: podía exhibirse sin desentonar en una gran variedad de sitios, atraer tanto a los que buscaban la tradición como a los que perseguían la innovación y la modernidad, tanto en Europa como en Estados Unidos, y él lo sabía", añadió Weinberg.
Para lograrlo, Bellows estuvo permanentemente abierto a toda clase influencias, y se nutrió de fuentes tan variadas como Manet, Caravaggio o Velázquez, artistas cuyas obras contempló en el Met y otros museos, ya que jamás viajó fuera de Estados Unidos.
Sin embargo, esto no le impidió reflejar las atrocidades de la Primera Guerra Mundial en Europa valiéndose de las técnicas y la imaginería empleadas por Goya en sus "Desastres de la Guerra".
"La respuesta de Bellows al conflicto bélico tiene una calidad goyesca, pero no sólo en la brutalidad de las escenas, sino en la energía que emana de sus litografías y ceras", especificó Weinberg.
A pesar de todas estas influencias, la comisaria subrayó que Bellows hizo de ellas algo "nuevo y muy especial, reformándolo o combinándolo de otra manera", y exploró todos los campos, de lo que es prueba elocuente el que, frente a la crudeza de las imágenes de la guerra, recreara también plácidas escenas domésticas, muchas protagonizadas por su esposa y musa Emma.
Estos contrastes los explicó el propio autor al aconsejar "haz todo lo que pueda hacerse".
El artista murió prematuramente de una apendicitis, a los 43 años, y sus últimos trabajos apuntan, según el escritor Sherwood Anderson, a que Bellows murió "demasiado joven, cuando iba tras algo, algo tras lo que siempre fue".

Fuente: EFE

EL GUGGENHEIM SE DESPIDE DE BERLÍN
CON UNA MUESTRA DE CÉZANNE, CHAGALL Y MIRÓ


Una mujer observa la pintura "Proyecto del Pavimento de cerámica del Pla de l´Os" del artista catalán Joan Miró.

Berlín, 14 - El museo Guggenheim de Berlín, uno de los cinco de esa fundación estadounidense en todo el mundo, se despide de la capital alemana con una exposición de los "clásicos modernos" del XX, encabezados por Paul Cézanne, Marc Chagall y Joan Miró.
"Visions of Modernity" ("Visiones de la modernidad") es el título de la muestra, presentada hoy a los medios de comunicación y abierta al público desde mañana, jueves, hasta el 17 de febrero.
Será la última exhibición con el sello Guggenheim en Berlín, después de quince años de presencia en la capital alemana en colaboración con el Deutsche Bank, cuya sede de la céntrica Avenida Unter den Linden -Bajo los Tilos- ha alojado hasta ahora el museo.
La exposición se prolongará hasta mediados de febrero, a modo de transición hacia la nueva etapa de ese espacio, que se convertirá en sala de arte contemporáneo dirigida ahora en solitario por el Deutsche Bank, el líder de la banca privada alemana.
En Guggenheim berlinés abrió sus puertas en 1997, como un ejemplo único de cooperación entre un banco y la fundación estadounidense de esa familia de mecenas.
Desde entonces ha acogido unas sesenta muestras temporales, algunas de ellas procedentes de los fondos neoyorquinos y otras como producciones propias, con un cómputo de casi dos millones de visitantes.
Ambas partes anunciaron meses atrás el fin de la colaboración, de común acuerdo, para final del presente año, en el que vence el acuerdo entre la fundación y la entidad financiera.
La Fundación Guggenheim fue fundada por el coleccionista y mecenas estadounidense Solomon R. Guggenheim y además del de Nueva York, cuenta con museos en Venecia, Bilbao y en un futuro también en Abu Dabi.
El pasado mayo, se hundió definitivamente el proyecto de construir otro centro en Helsinki, al rechazar su consistorio la propuesta de su alcaldía de levantar en la capital finlandesa tal museo.

Fuente: EFE

MUJERES TACITURNAS, REFLEXIVAS Y HASTA AMENAZANTES EN LA OBRA DE DELIA CANCELA


La moda y el arte, una misma cosa. Cancela en su muestra. Trabajó con Saint Laurent y Kenzo./FERNANDO DE LA ORDEN
Por Lulia Villaro

Delia Cancela dibuja mujeres. Las primeras que encontramos al entrar en Galería Van Riel están solas: comparten con nosotros un momento de su intimidad, de introspección doméstica. Puertas adentro de casa, están detenidas, miran sin observar: su entorno de objetos familiares nos permite entenderlas como nuestras contemporáneas. Más adelante hay una segunda serie de dibujos. Damas antiguas, acaso abuelas de las de los primeros cuadros, estas mujeres son noche, bosque; sus cabelleras se confunden con el follaje de los árboles que las circundan; parecen vivir el amor y el desamor de una forma diferente: las primeras reflexionan; las segundas se desangran. Las mujeres de Cancela atraviesan todo el espectro de emociones: las hay tranquilas, taciturnas, nostálgicas e incluso amenazantes. En el medio de esta exploración emocional, la artista –que además de ser un referente del pop argentino y de la psicodelia del Instituto Di Tella en los ‘60, tiene tanto en el campo de la plástica como en el de la moda una trayectoria internacional– se permitió enamorarse: estas obras son también confesión de su amor por el color, por la pintura y por un artista tan íntimo y psicodélico como ella, a su manera: Pierre Bonnard (1867-1947). Esto es la muestra “Te odio, te amo-Te amo, te odio (y cómo llego a amarte a pesar de todo)”, que está presentando la artista –Las obras son por momentos apacibles pero también inquietantes… ¿Por qué esta tensión?
–Cuando dijiste apacible me acordé inmediatamente –riéndome porque yo no dejo de tener humor a pesar de todo, ahí está la risa, la vuelta de tuerca– de una película francesa que se llama La vie est un long fleuve tranquille (La vida es un largo río tranquilo). Justamente la película no es un fleuve tranquile y la vida es eso, lo que me lleva a esto es la vida… Yo amo la calma pero no soy una persona calma, amo la armonía pero no soy una persona armónica… Todos vivimos un poco así y eso es lo que me lleva. En esta muestra hay dos series. Trabajé todos estos años sobre la mujer y la condición femenina; en la primera serie tomé las mujeres en el siglo XIX , son como ilustraciones de mujeres que están o sufrientes o majestuosas pero nunca están como tienen que estar. Trabajé hasta el año pasado así y estaba muy embalada. Y en el medio me pasó algo: entré en una historia como de amor hacia el dibujo, la pintura, el arte y hacia (Pierre) Bonnard. Este amor a Bonnard empezó como este amor que tengo hacia la pintura. Entré en su mundo y me di cuenta de que era mi mundo también. El mundo de Bonnard es como un mundo de tiempo detenido. Su pintura está detenida. Yo también soy así. En los dibujos de la segunda serie están integrados todos los Bonnard en los que yo me inspiré, pero en I-pads, en computadoras, porque eso es el mundo de ahora… él los hubiese puesto también… –¿Qué le devuelve su experiencia en el diseño de modas y el contacto con la tela a la hora de concebir estas imágenes?
–Uno no tiene por qué encerrarse en una categoría y a mí la moda me emociona. Cuando trabajé haciendo ropa lo hice como artista. Lo que hago es trabajar con la imagen, no con la ropa. La creación de una colección es trabajar con la imagen total. Lo mismo que hacés con la pintura. Yo trabajo sobre telas, dibujo sobre telas en vez de papel. Lo que sí, en estos últimos trabajos no me interesó nada qué llevaban puestos mis modelos. Mis modelos fueron la gente que me rodeaba: así como Bonnard trabajaba con su mujer, yo trabajé con mis asistentes, con mis gatos y mis objetos. Quise ver cómo podía trasmitir en el dibujo mi amor hacia el color y la pintura. Creo que lo logré bastante bien, estoy contenta.
–Usted ha sido parte, en los años ‘60, de las experiencias del Instituto Di Tella, ¿qué persiste en sus obras y en sus búsquedas actuales de esos años?
–Hay un manifiesto que se llama “Nosotros amamos” que escribimos para uno de los premios Di Tella, ahí hablamos de lo que nosotros amábamos en ese momento y ahí está todo: hablamos del pelo, del color, de las camisas con flores, con rayas, de la moda, de Alicia en el país de las maravillas, y al final dice: “amamos los boy boys, los girl boys, las girl girls…” y es todo un juego de palabras donde decimos de alguna manera que estamos abiertos. Eso es lo que yo guardo. Para mí han sido muy importantes los años londinenses. Muy importantes. Los años de acá fueron el kindergarden , como un comienzo, yo era muy joven, muy tímida. Hay obras muy interesantes de acá, la instalación que hicimos con Pablo (Mesejean) Love and Life a mí me parece fantástica, estas cosas (señala una obra ubicada a sus espaldas, en la cual el dibujo cobra cuerpo y se continúa en la pared como un objeto) vienen de las pinturas que hacíamos, que salían del cuadro… Las cosas siguen, yo no creo que uno cambie, se va transformando pero no deviene otra persona. Todo lo que entra en “la computadora” está ahí, podés limpiarla, hacer todo lo que quieras, pero queda, ¿no? Te marca... Walter Benjamín decía “vivir es dejar rastros”. Y dejás y también te quedan…

Fuente: clarin.com

SOTHEBY'S VENDIÓ MÁS QUE NUNCA



Ya no es tan novedoso que una casa de remates supere el récord previo de artistas como Picasso, Warhol o Van Gogh. Sin embargo, esta vez el número es exorbitante: el martes, en Nueva York, Sotheby’s logró la mayor subasta de su historia, al vender obras por un total de 375.149.000 dólares, por un lote por el que estimaban obtener entre 277 y 374 millones de dólares, y con el que la casa supera los 1.000 millones en ventas durante 2012.
La punta de lanza fue el cuadro Rojo y azul , del artista abstracto Mark Rothko, vendido por 75,1 millones de dólares, que aún así no batió el récord del pintor letón, de 86,9 millones de dólares.
Jackson Pollock también protagonizó la jornada: su obra Número 4, 1951 se remató por 40,4 millones, superando el récord del artista, de 23 millones. Y, para completar, se vendieron pinturas de Andy Warhol y Francis Bacon. Ante el fin de año, el balance parece holgadamente positivo.

Fuente texto: clarin.com

YALE DEVUELVE A PERÚ
EL ÚLTIMO LOTE DE PIEZAS DE MACHU PICCHU


Este objeto pertenece a la primera entrega de la universidad estadounidense al país de origen del yacimiento, en un proceso que acabó el lunes con el último lote de piezas dado.

Por Ernesto Benavides

La universidad estadounidense de Yale devolvió este lunes a Perú el último lote de piezas de la ciudadela incaica de Machu Picchu, que mantenía desde hace más de un siglo, informó el ministerio de Cultura peruano.
El cargamento, que llegó a la ciudad surandina de Cusco, está compuesto por 35.000 fragmentos de cerámicas y piedras no 'museables' que se depositarán en la Casa Concha, un museo especialmente acondicionado que alberga otros dos lotes de piezas enviados por Yale el año pasado.
Blanca Alva Guerrero, directora de Fiscalización y Control del Ministerio de Cultura, subrayó en Cusco que con este envío se cumple el acuerdo de traslado establecido entre el gobierno peruano y la universidad estadounidense, señaló la agencia oficial Andina.
Dos representantes de Yale llegaron también a Cusco, quienes harán la entrega oficial de las piezas.
El primer lote conformado por piezas 'museables' llegó a finales de marzo de 2011 y el segundo lote se concretó en diciembre del mismo año, informó la funcionaria del ministerio de Cultura.
Las piezas forman parte de un total de unos 40.000 objetos que extrajo el explorador estadounidense Hiram Bingham de Machu Picchu y entregó a Yale hace un siglo en calidad de préstamo.
La ciudadela de Machu Picchu, que se ubica en la ceja de selva de Cusco, fue dada a conocer a la comunidad internacional por Bingham en julio de 1911. La edificación incaica ya había sido descubierta por el hacendado peruano Agustín Lizárraga nueve años antes, en julio de 1902, según historiadores.


Fuente: AFP

UNA COLECCIÓN DE WARHOLSUBASTADA EN NUEVA YORK
OBTIENE 17 MILLONES DE DÓLARES



La subasta de 354 obras del famoso artista pop Andy Warhol en Nueva York logró recaudar 17,07 millones de dólares, anunció la casa de remates Christie's.

Por Emmanuel Dunand

La subasta de 354 obras del famoso artista pop Andy Warhol en Nueva York logró recaudar 17,07 millones de dólares, anunció la casa de remates Christie's.
La venta de fotos y grabados el lunes por la noche fue realizada por la Fundación Andy Warhol, que prevé varias nuevas ventas en los próximos meses, algunas de ellas sólo por internet, a comienzos del próximo mes de febrero.
Algunas de las obras vendidas no habían sido mostradas nunca antes al público.
El lunes en Manhattan se subastaron en total 354 trabajos del artista, comenzando por 'Endangered species: San Francisco silverspot', que fue vendida por 1,26 millones de dólares cuando se encontraba en un precio estimado de entre 1 y 1,5 millones en la preventa.
'Endagered apecies: Bighorn Ram', cuyo precio de salida se había estimado en entre 700.000 y un millón de dólares, fue vendida por 842.500 dólares. La obra 'Jackie', en cambio, dobló las previsiones al ser subastada por 626.500 dólares, precisó Christie's

La Andy Warhol Foundation for the Visual Arts anunció en septiembre que iba a poner a la venta su colección a lo largo de varios años para impulsar su capacidad de becas y designó la casa de remates Christie's como su socio a largo plazo. Algunos de los trabajos del artista serán donados a museos.
"El lanzamiento de las ventas de la Fundación Warhol fue acogida con entusiasmo globalmente por parte de coleccionistas establecidos y de nuevos coleccionistas en China, Rusia, la Unión Europea, Oriente Medio y las Américas", se congratuló tras la venta Amy Cappellazzo, responsable de arte contemporáneo en Christie's.
La Fundación Warhol, creada en 1987 tras la muerte del artista (1928-1987) y según lo establecido en su testamento, tiene como misión hacer "avanzar las artes visuales". La venta de la obras responde a la necesidad de llevar a cabo su misión. "La comunidad artística lo necesita más que nunca", explicó.


Fuente: AFP