EL METROPOLITAN REPASA EN NUEVA YORK
DOS SIGLOS DE ARTE BIZANTINO E ISLÁMICO







Fotografía cedida que muestra una alfombrita redonda con la imagen de un emperador bizantino, probablemente Heraclio, que forma parte de tres centenares de piezas que conforman la exposición titulada "Bizancio y el Islam, una era en transición", inaugurada por el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York (NY, EE.UU.). EFE

Fotografía cedida que muestra a un Santo en pose de oración tallado en marfil, procedente de Egipto o del algún país del este del Mediterráneo, del séptimo u octavo siglo, y que forma parte de tres centenares de piezas que conforman la exposición titulada "Bizancio y el Islam, una era en transición" inaugurada por el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York (NY, EE.UU.). EFE

Nueva York, 14 mar (EFE).- El Museo de Arte Metropolitano de Nueva York (Met) inauguró hoy una gran exposición dedicada al arte bizantino e islámico que repasa dos siglos de historia en el Mediterráneo oriental, donde una vez convivieron ortodoxos, cristianos, judíos y musulmanes como "vecinos" y "socios".
Bajo el título "Bizancio y el Islam, una era en transición", el Met reúne a partir de hoy y hasta el próximo 8 de julio más de tres centenares de piezas que revelan las innovaciones y adaptaciones artísticas y culturales obtenidas como resultado de los primeros siglos de contacto entre ambos mundos.
"Centrada en un periodo histórico complejo poco conocido o mal entendido, la exposición nos permite adentrarnos en dos siglos de desarrollo de la cristiandad, el judaísmo, el mundo ortodoxo y el Islam, que tuvieron un profundo impacto en tradiciones que hoy siguen existiendo", afirmó el director del museo, Thomas Campbell.
Campbell destacó que la nueva exposición, para la que se han reunido objetos procedentes de museos de más de una decena de países, pone en evidencia que en ese periodo de la historia hubo una "gran interacción" entre las comunidades cristianas, judías y musulmanas "ya sea como vecinos o como socios comerciales".
La muestra gira en torno a tres ejes temáticos, el carácter secular y religioso de las provincias del sur del imperio bizantino en la primera mitad del siglo VII, la continuidad del comercio en la región en medio de los cambios políticos que transformaron la zona, y el posterior arte islámico emergente.
Así, una de las organizadoras, Helen Evans, destacó que el tema central es el diálogo establecido en los siglos VII y IX entre estilos y culturas del imperio bizantino más consolidado y el emergente mundo islámico, que queda patente en piezas conectadas por asuntos tan diversos como autoridad, religión o comercio.
La muestra abre el recorrido con piezas creadas en la región bajo el imperio bizantino en el siglo VII, que con el paso de las décadas fue evolucionando bajo la nueva dominación política y religiosa del mundo islámico en el Mediterráneo oriental, que dieron como resultado nuevas tradiciones.
Procedentes de diferentes museos de Dinamarca, Francia, Alemania, Grecia, Israel, Italia, Jordania, Georgia, Reino Unido y el Vaticano, las más de trescientas piezas abarcan desde tapices y marfiles de inspiración bizantina hasta manuscritos del Corán y mosaicos típicos del mundo islámico.

UN HENRY MOORE
DE 35 MILLONES DE DÓLARES,
PIEZA ESTRELLA DE LA TEFAF








Un Henry Moore de 35 millones de dólares, pieza estrella de la TEFAF


Madrid, 14 mar - La escultura de Henry Moore "Reclining figure: Curved" es la pieza más cara, según TEFAF, de las cerca de 30.000 que esta feria de arte y antigüedades mostrará desde mañana hasta el próximo 25 de marzo en el centro MECC de Maastricht, en Holanda.
Será la galería Landau Fine Art, de Montreal, la que exhiba esta escultura en mármol negro del reputado artista británico, que se presenta por primera vez en el mercado abierto, según ha informado la organización.
"Reclining Figure: Curved", que mide 144 centímetros de longitud y pesa unos 600 kilos, data de 1977 y fue vendida por Moore a un coleccionista privado americano que, a su vez, se la ha vendido al galerista Robert Landau.
El otro artista que es noticia en la TEFAF 2012 es Andy Warhol, el considerado oficialmente padre del pop art. Con motivo del 25 aniversario de TEFAF Maastricht, el galerista Daniel Blau, de Múnich, presenta una muestra de 200 dibujos de Andy Warhol, que datan de 1950-1959.
Se trata de material inédito, procedente de la herencia de Warhol y que aparece por primera vez en el mercado, según la nota de prensa de la feria.
Por su parte Dickinson, galería con sedes en Londres y Nueva York, pone a la venta "The Potato Diggers", de Vincent van Gogh, con un precio de "alrededor de 4 millones de dólares", según la TEFAF.
La particularidad de esta obra radica en que marcó un periodo crucial en el desarrollo del artista cuando este regresó a la pintura tras haber estado concentrado en el dibujo.
En la sección de antigüedades de la feria, Rupert Wace Ancient Art, de Londres, exhibe un poco usual relieve egipcio en piedra caliza que representa a la reina Hatshepshut, una de las primeras mujeres en gobernar como faraona por derecho propio.
Su reinado, de 1479 a 1457 a. C. fue enormemente popular, pero apenas han sobrevivido imágenes suyas. Este magnífico relieve, que probablemente procede de su templo funerario, tiene un precio de 680.000 euros.
Un hermoso busto en mármol negro de la emperatriz romana Livia, esposa de Augusto y, como Hatshepshut, una de las mujeres más importantes de su era, se expondrá en el stand de Kunsthandel Mieke Zilverberg, de Ámsterdam. Esta pieza única, fechada alrededor del 50 a. C., sale a la venta por 2 millones de euros, según la nota de prensa.
Por su parte la prestigiosa galería Gisèle Croës, de Bruselas, pide 3 millones de dólares por un recipiente chino Shengding de bronce, realizado entre el 771 a. C. y el 475 a. C., durante la dinastía Zhou occidental.
Entwistle, de Londres, expone una máscara olmeca de jade azul verdoso, realizada en Guatemala, entre el 900 a. C. y el 300 a. C. Esta máscara de tamaño real representa a un "hombre búho", una criatura sobrenatural con características humanas y de búho, y valorada en 2,2 millones de dólares.
Para los coleccionistas apasionados por los manuscritos, Sam Fogg, de Londres, trae a la TEFAF 2012 el "Libro (de rezos) Imhof", uno de los manuscritos más conocidos de la época y el trabajo fechado de más antigüedad del pintor de miniaturas de Brujas, Simon Bening, valorado en 3,5 millones de euros.
Fechado en 1511, perteneció a la familia Imhof, de Núremberg, que consiguió una fortuna con el comercio de las especias, y estaba diseñado para que el propietario lo llevara consigo como un libro de rezos privado.
Entre las curiosidades que exhibe la feria se encuentra un colgante que perteneció a Doña María, la esposa del emperador Maximiliano II del Sacro Imperio Romano en el siglo XVI, que saca a la venta Michele Beiny, de Nueva York.

Fuente: EFE

UNA EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA
AVIVA LA DIMENSIÓN DEL TANGO
COMO DANZA DEL MUNDO







Parejas de bailarines en la final del Mundial de Baile, en la categoría "Tango Salón". EFE/Archivo

Granada, 14 mar - La exposición "Bandoneones y danza", que acoge desde hoy el Museo Casa de los Tiros con motivo de la vigésima cuarta edición del Festival Internacional de Tango de Granada, aviva a través de un total de veintisiete fotografías de Roberto Durán la dimensión internacional de este arte.
Según ha explicado a Efe su autor, la muestra se divide en tres partes, una de ellas dedicadas al bandoneón, instrumento que también se recoge en la exposición, otra al tango clásico y otra al mestizaje de éste con la danza contemporánea.
Todas las instantáneas, en color y blanco y negro y en diferentes tamaños, fueron tomadas por Durán durante el último festival de tango celebrado en Granada.
El director del Festival, Horacio Rébora, ha explicado por su parte que esta muestra forma parte de una programación más completa que acoge estos días el Museo Casa de los Tiros con motivo de esta cita cultural, que se celebra hasta el próximo domingo.
Adelaida Mejía, que ha bailado un tango con motivo de la presentación a los medios, ha destacado que la muestra y el festival contribuyen a seguir avivando la dimensión de esta danza en Argentina y en Europa.
La actriz y cantante argentina Soledad Villamil, que ofrecerá un concierto y una charla, es este año la protagonista de la vigésima cuarta edición del Festival, que mantiene la columna vertebral de la programación en el teatro Isabel la Católica.
A ella se une una mayor apuesta por las actividades paralelas, con la extensión del Festival en los municipios, la Universidad, los monumentos, las clases de baile, el baile popular en la calle y las fiestas de trasnoche.

Fuente: EFE

EL CÍRCULO DE BELLAS ARTES DE VALENCIA
REIVINDICA LAS JOYAS DE SU PASADO
EN UNA MUESTRA CON EL OBJETIVO
DE ASEGURAR SU FUTURO





Obras de Sorolla, Pinazo y Benlliure.


Círculo Bellas Artes de Valencia reivindica las joyas de su pasado en una muestra con el objetivo de asegurar su futuro.


La entidad cultural trabaja para atraer socios y espectadores y firmar un convenio con el Consorcio de Museos.

VALENCIA, 14
El Círculo de Bellas Artes de Valencia inaugura este miércoles la exposición '119 años de Arte Valenciano', una muestra que reúne las "joyas" guardadas en la colección de una institución que quiere dar a conocer a los valencianos y a los visitantes su pasado para asegurar su futuro.
Así lo ha explicado el presidente de la entidad cultural, Alfonso de la Ossa, que ha señalado que la muestra estará abierta al público durante las fiestas de las Fallas --hasta el próximo 19 de marzo-- con el fin de difundir "el importante patrimonio" del Círculo. Por ello, se ha elaborado una selección representativa que incluye nombres de la talla de Joaquín Sorolla, Muñoz Degrain, Ignacio Pinazo, Antoni Cortina, Josep Benlliure y Santiago Rusiñol, entre otros.
La muestra se abre esta tarde a las 19.00 horas en la sede del Círculo de Bellas Artes de Valencia --ubicada en la calle Cadirers, 5-- y permanecerá abierta hasta el día de San José. El horario de visitas será de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 horas.
La trayectoria del Círculo de Bellas Artes, a través de estos 119 años en la cultura valenciana, "ha sido tan importante como las donaciones que sus artistas hicieron al mismo", han subrayado sus responsables en un comunicado.
Durante este período, ha sido "dinamizador de cientos de artistas y colaborador con los estudiantes de Bellas Artes a través de su taller de dibujo de desnudo, talleres de pintura al aire libre, de escultura y modelado, coloquios, clases magistrales, exposiciones, cuenta con una orquesta y un coro, impartiendo clases magistrales de instrumentos, y un largo etcétera de actividades que muchos Valencianos desconocen, y a los que invitamos a que se conviertan en descubridores del arte valenciano", subrayan sus responsables.
Pero con el traslado a una nueva ubicación "se perdió la visión al gran público de tan importante y centenaria institución, cayendo en el olvido de muchos valencianos". Por eso, ahora la entidad lucha por "darse otra vez a conocer, sobrevivir y no perder la historia tan importante de su obra".

ACTIVIDADES FUTURAS

En este sentido, De la Ossa ha avanzado que la institución va a poner en marcha más actividades para intentar atraer a espectadores y posibles socios, como una exposición de dibujos de los Pinazo que pondrá en valor los "excelentes artistas de este género que ha dado Valencia".
Igualmente, la junta directiva está trabajando para conseguir la colaboración de diversas instituciones. En este punto, el presidente ha recordado que ya se ha suscrito un convenio con la Universitat Politècnica de València y ha agregado que en estos momentos se ha iniciado un diálogo con Felipe Garín para firmar otro acuerdo con el Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana.


Fuente: Europa Press

CHAVELA VARGAS
HOMENAJEARÁ A GARCÍA LORCA


Chavela Vargas homenajeará a García Lorca.

Por Ronaldo Schemidt 

La cantante mexicana de origen costarricense Chavela Vargas rendirá un homenaje al poeta español Federico García Lorca el 15 de abril en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México, anunció este martes una firma discográfica.
En el homenaje, titulado 'La luna grande', estarán presentes junto a Chavela Vargas la sobrina del poeta español, Laura García Lorca, y la cantante mexicana Eugenia León, informó un comunicado de Discos Corason, una de las organizadoras del evento.
Para Vargas, conocida también como 'la dama del poncho rojo', esta será una oportunidad de rendir homenaje "al poeta que la ha acompañado durante tanto tiempo", añadió el documento.
'La luna grande' incluirá poemas de Federico García Lorca en un espectáculo musical, además de que se preparará un disco con un registro histórico de la obra del poeta.
Federico García Lorca (1898-1936) es considerado uno de los poetas de mayor influencia en lengua española en el siglo XX, formó parte de la llamada Generación del 27 y fue un declarado partidario de la República española. El poeta fue fusilado en 1936.

Fuente: AFP

REAPARECE
LA OBRA DEL EXCÉNTRICO RAMMELLZEE






La lucha contra la tiranía del lenguaje es constante en su obra. El artista creía que podía ordenar a las letras que se liberaran. Su obra vuelve a verse después de haber pasado un decenio en depósito.

CONCEPTUAL O DELIRANTE. Un Rammellzee disfrazado y letras de carrera, 1995.

Por Randy Kennedy - The New York Times

Durante los años 80 y 90 en algunos círculos entrelazados del mundo del arte en Nueva York, solía oírse una pregunta sotto voce: "¿Estuviste en Battle Station?" El legendario loft de TriBeCa en Manhattan donde el artista y músico Rammellzee vivió y trabajó, totalmente recluido en medio de un matorral de pinturas cósmicas, escultura plástica militarizada y trajes estilo Samurai, era como una sociedad secreta en la cual el graffiti, el hip-hop, la lingüística y la ciencia ficción se fusionaban en una extraña categoría de arte.
Rammellzee fue, sin embargo, abriendo sus puertas cada vez con menos frecuencia hasta que murió en 2010 a los 49 años de una enfermedad cardíaca.
"Llevé a George Clinton y a Bootsy Collins por primera vez a Battle Station, y salieron sintiéndose como si hubieran tenido un encuentro cercano", dijo el bajista y productor musical Bill Laswell.
Poco después de los ataques del 11 de Septiembre, el edificio que albergaba Battle Station se vendió para dar lugar a departamentos de lujo, y Rammellzee y su mujer, Carmela Zagari, se mudaron a Battery Park City. El equivalente de casi 20 años de su obra obsesiva fue a parar a un depósito.
Algunas obras están empezando a ser reflotadas. Una recreación de Battle Station estilo bunker e iluminada en negro fue una de las obras que más dieron que hablar en "Art in the Streets", una retrospectiva del graffiti que tuvo lugar el año pasado en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles.
El 8 de marzo, Suzanne Geiss Company, una galería en el SoHo, presentó su muestra inaugural colgando dos grupos completos de obras que Rammellzee llamó "letras de carrera", esculturas parecidas a naves espaciales que representan las letras de la A a la Z, construidas con restos de artículos de consumo como anteojos de sol, autos de juguete, paraguas baratos, biromes Bic y tapas de desodorantes de ambientes.
El único juego completo de letras de carrera, hecho con madera pintada en dorado y pedazos de muñecos Kewpie y dinosaurios de plástico, se encuentra en el museo de Arte Moderno de Nueva York, en la exposición "Printin,’" hasta el 14 de mayo.
Esta aparición de las esculturas ya ha comenzado a redefinir la fama de un artista considerado por el mundo artístico más con una curiosidad perpleja que con interés serio. ¿Era un artista hip-hop con inclinaciones hacia el arte visual? (En los años 1980, fue un famoso maestro de ceremonias y su single de 1983 con K-Rob, "Beatbop", llegó a ser un hito del hip-hop, con la tapa diseñada por Jean-Michel Basquiat, amigo y rival de Rammellzee.) ¿Fue más importante como inspirador y creador de movidas? (Aparece en varias pinturas de Basquiat, siendo la más memorable "Hollywood Africans" con anteojos que parecen antiparras. Y realizó una breve aparición que se robó la escena en la película de Jim Jarmusch de 1984 "Stranger Than Paradise").
¿O fue principalmente un artista cuyo estilo visual salvajemente excéntrico ocultaba su seriedad? (Sus primeras obras se vendieron dinámicamente durante varios años a coleccionistas europeos.
No obstante, cuando se desarmó Battle Station, sus obras pudieron acabar ignominiosamente en la calle en un remolque de camión, como recordó la señora Zagari, en tanto "los niños que miraban decían, `Mamá, mirá, están tirando todos esos juguetes’".) Con Rammellzee las respuestas nunca fueron fáciles. Su nombre faraónico, que formuló cuando era adolescente, no era un nombre, insistía, sino una ecuación matemática. El verdadero objetivo de su arte era, según decía, ilustrar la filosofía dual llamada Futurismo Gótico y Panzerismo Iconoclasta, que imaginaba un mundo en el cual las letras romanas se armarían y se liberarían, bajo su mando, de las estructuras de poder del lenguaje europeo.
"Sentía que aún hoy, controlando la lengua, se controla el discurso, se controla el poder", dijo Henry Chalfant, un cineasta y estudioso del graffiti. La creencia de Rammellzee en que sus modelos podían servir de plantillas para vehículos militares era tan profunda que llegó a temer que el gobierno lo detuviera o incorporara sus talentos por la fuerza.
Rammellzee funcionaba "alejado de la realidad terrenal presente", dijo Chalfant, pero nunca perdió contacto con esa realidad.
Una revista Artforum de 1987 captó el enigma central de Rammellzee: "La perfección de su invención conceptual nos lleva a preguntarnos si el significado es descifrable, en realidad, y si acaso sólo nuestra ignorancia la hace sonar como una incoherencia".
Como parte de su filosofía profética, Rammellzee realizó elaborados trajes enterizos, cada uno hecho a medida de 22 personajes cósmicos que él soñó y que interpretó regularmente. Desde éstos se podían disparar fuegos artificiales. Uno pesaba 68 kilogramos.
"Nadie sabía de dónde sacaba esas ideas", dijo Stephen Torton, quien fue durante un tiempo asistente de Basquiat. "Hasta el día de hoy, no sé si era una persona real".

Fuente: Revista Ñ Clarín

CHINA COPA EL MERCADO





Se promocionan sus artistas y sus inversores se convirtieron en los grandes compradores mundiales de obras de arte.


Zhang Daquian
Por Isidre Ambros

Hace dos semanas se conoció el dato de que el pintor chino Zhang Daqian, poco conocido por el gran público occidental, se había convertido en el artista más cotizado en las salas de subastas a lo largo de 2011. Y China se confirma como el primer mercado de arte del mundo, al registrar un 40% de las ventas que se llevaron a cabo en las salas de subastas el año pasado, un porcentaje que equivale a 4.600 millones de dólares.
Estos datos, revelados por la sociedad Artprice en febrero, constituyen un retrato de la situación económica mundial. “El arte siempre ha progresado en paralelo con el desarrollo económico de los países”, dijo Thierry Ehrmann, fundador y director de Artprice, para explicar el hecho de que los chinos se hayan convertido en los grandes protagonistas de las salas de subastas, Hong Kong sea la principal plaza mundial y los artistas del país asiático estén en el candelero. Es la constatación de que China se ha convertido en la locomotora económica del mundo, mientras Europa atraviesa una crisis profunda y Estados Unidos empieza a recuperarse.
Es la realidad del momento. “China es el mayor mercado de arte y lo seguirá siendo por mucho tiempo, porque los chinos ricos seguirán comprando”, afirma Zhao Yu en su austero despacho de un edificio de oficinas de Beijing, donde nada permite distinguir que se trata del director ejecutivo de la mayor sala de subastas del gigante asiático, la Poly International. Los chinos disponen de dinero y han descubierto que el arte es una forma segura de inversión, especialmente en tiempos de crisis. “Se trata de una generación que ha crecido con las reformas y la apertura económica y ha aprendido a invertir”, opina el directivo de Poly, quien rechaza que compren obras a precios exagerados. “Los chinos pagan lo que creen que merece la pena desembolsar, ni más, ni menos”.
La irrupción de estos nuevos coleccionistas ha potenciado, en una época de crisis, las obras de arte y los artistas orientales. Pero para gente como Zhao Yu o Thierry Ehrmann esta situación no representa ninguna opción nacionalista por privilegiar el arte nacional. “El 99 por ciento de las adquisiciones las hacen porque les gusta”, subraya Zhao. Unas preferencias que son muy claras. Los coleccionistas no compran cualquier cosa, optan por las obras de tinta china y caligrafía, las antigüedades y las pinturas al óleo. “Ni conocen, ni les interesan los artistas contemporáneos extranjeros”, afirma un experto occidental, que no descarta que con el tiempo cambie la situación. Este observador comunitario está convencido, por otra parte, de que la presencia de coleccionistas e inversores chinos en el mercado del arte seguirá creciendo. Opina que será un fenómeno paralelo a la consolidación del país asiático como potencia económica.
Su ausencia empezó a corregirse a principios de este siglo, cuando los líderes chinos animaron a la gente a gestionar y aumentar su riqueza a través de inversiones y a sugerir la compra de obras de arte. No fue, sin embargo, hasta  2009 que las ventas en las salas de subastas chinas empezaron a adquirir importancia. Fue cuando se acuñó la llamada “era de los 100 millones de yuanes”, por los precios que se llegaron a pagar.
Pero los inversores individuales no son los únicos protagonistas. Cerca de treinta gestoras de fondos de arte han desembarcado últimamente en las salas de subastas. Se trata de firmas que compran anónimamente, como forma de inversión. Una operación que contribuye a que, de una forma u otra, los chinos se hayan convertido en los dueños del mercado del arte.

©La Vanguardia, 2012.


Fuente: Revista Ñ Clarín