ROBAR POR AMOR AL ARTE,
LA VIDA DE ERIK EL BELGA,
UN LADRÓN QUE NO PIDE PERDÓN


LAS REPETICIONES Y LAS OPOSICIONES
DE MATISSE
EN EL CENTRO POMPIDOU DE PARIS





Imagen cedida por el Centro Pompidou de "El sueño" (1940) óleo sobre lienzo, incluido la exposición "Matisse. Parejas y series", inaugurada el 7 de marzo en el Centro Pompidou de París.
París, 6 - La exposición, titulada "Matisse. Parejas y series", se presentó hoy en la capital francesa y permanecerá abierta hasta el próximo 18 de junio como una muestra inédita que reúne en un mismo espacio estas creaciones del pintor francés.
La exposición incluye sesenta pinturas procedentes de diferentes museos de ciudades como Tokio, Washington o Londres, además de una treintena de dibujos, algunos de ellos expuestos por primera vez al público.
Matisse (1869-1954) es reconocido por la crítica como un pintor clave en el movimiento pictórico del fauvismo además de maestro del color y del dibujo.
Pero en esta ocasión el Centro Pompidou quiere aportar una nueva mirada sobre Matisse mostrando uno de los aspectos más singulares de su obra: la experimentación en las variaciones de las figuras, del color y del diseño a lo largo de medio siglo de trabajo.
A través de un recorrido cronológico, el visitante comprende que Matisse fue un "pintor inquieto, incansable e inventor de nuevos procesos creativos", según explicó la comisaria de la exposición Cécile Debray.
La experta señaló que "lo más fascinante de Matisse es que fundamentalmente fue un artista figurativo durante toda su vida, pero que también se interesó por la dimensión formal de la pintura".
Según puede verse en la muestra, Matisse pensaba que "una pintura es como un juego de cartas: el pintor debería saber desde un principio lo que quiere conseguir al final, trabajar marcha atrás, de manera que acabe antes de que haya empezado".
De hecho, la coordinadora confirmó esta postura introspectiva de Matisse al indicar que "la exposición es un reflejo de un estilo que transita entre su carácter reflexivo y espontáneo".
Así, el visitante puede disfrutar de una continuación de las mismas composiciones, en parejas o en serie, que el artista hace variar a través de un tratamiento diferente del diseño, la pincelada y los colores.
Como explican los responsables de la exposición, Matisse variaba de una obra a otra el marco, el trazo, la pincelada y los colores, de forma que los resultados eran testigos de la exploración que el artista hacía del hecho pictórico.

Imagen cedida por el Centro Pompidou de "Capuchinas de la Danza II" (1912), óleo sobre lienzo, incluido la exposición "Matisse. Parejas y series", inaugurada el 7 de marzo en el Centro Pompidou de París

El Pompidou propone un recorrido cronológico desde los primeros intentos de Matisse para hacerse con la técnica del puntillismo en 1904, hasta los papeles recortados de los años de la década de 1950.
La muestra se propone revelar cómo Matisse contribuyó de forma formidable al desarrollo del arte moderno a través de la exploración de nuevas formas, además de evidenciar la presencia en su obra de "una tensión permanente y una dualidad entre la espontaneidad y la lentitud".
Entre las parejas expuestas destacan "Lujo I" y "Lujo II" (1907), que son prácticamente idénticas pero a la vez tienen diferencias importantes en el tratamiento del volumen, pues la segunda recibe las influencias de la pintura al fresco que Matisse conoció al regresar de Italia.
Otra de las principales parejas temáticas es "La Danza con capuchinas I" y "La Danza con capuchinas II" (1912), siendo la primera pintura un esbozo de la segunda que modifica considerablemente el espacio y acentúa las líneas diagonales.
La exposición viajará al Museo de Arte de Copenhague en julio de 2012 y al Museo de Arte Moderno de Nueva York a finales de año.


Fuente: EFE

UN EXPERTO DICE QUE
PARTE DE LA COLECCIÓN DE ARTE DE HITLER
SIGUE EN LA REPÚBLICA CHECA





El dictador alemán Adolf Hitler (izq) mira un mapa mientras viaja en avión delante del gobernador general de la Polonia ocupada por los nazis, Hans Frank.


Una parte de la colección de arte que perteneció al dictador alemán Adolf Hitler podría encontrarse aún en la República Checa, declaró el viernes un experto después de haber encontrado siete cuadros que fueron del dirigente nazi en un monasterio checo.
"Los cuadros que faltan pueden encontrarse aún allí", declaró el autor de este hallazgo, el escritor y editor checo Jiri Kuchar, autor de dos libros sobre la colección de Hitler.
La semana pasada, Kuchar, que inició sus investigaciones hace cinco años, anunció haber descubierto siete cuadros que formaron parte de la colección de Hitler que, según él, contaba con 42 pinturas y una treintena de estatuas, por un valor total que podría alcanzar varios millones de euros.
Durante la Segunda Guerra Mundial, la colección fue llevada al monasterio de Vyssi Brod, en el sur del país, junto a otras dos grandes colecciones, una perteneciente al banquero judío nacido en Alemania Fritz Mannheimer, en manos de Hitler desde 1941, y la otra a la familia Rothschild, confiscada en 1938.
Tras la guerra, los estadounidenses trasladaron a Múnich la colección de Mannheimer y de los Rothschild, pero dejaron en la República Checa la de Hitler.

Fuente: AFP

LES LUTHIERS
INICIAN EN OVIEDO SU GIRA POR ESPAÑA





Del 8 al 12 de marzo en el Palacio de Congresos.

Les Luthiers inician en Oviedo su gira por España.

OVIEDO, 4 - El quinteto argentino Les Luthiers inicia en Oviedo su gira por España con el nuevo espectáculo 'Lutherapia'. El Palacio de Exposiciones y Congresos Ciudad de Oviedo acogerá entre los días 8 y 12 de marzo la representación de las funciones de Les Luthiers en Asturias, después de ampliar al lunes las representaciones para atender la elevada demanda.
Basada en una hilarante sesión de psicoanálisis, Lutherapia está compuesta por diez obras nuevas entre las que se incluyen títulos como El cruzado, el arcángel y la harpía (Opereta Medieval), Las bodas del Rey Pólipo (Marcha Prenupcial), El flautista y las ratas (Orratorio), Aria Agraria (Tarareo Conceptual) y El día del final (Exorcismo Sinfónico-Coral).
Este espectáculo también introduce nuevos instrumentos informales, seña de identidad de Les Luthiers, como la Exorcítara, el Bolarmonio y el Thonet. Lutherapia es el espectáculo número 33 de Les Luthiers y es la máxima expresión de la vigencia y la capacidad de renovación del quinteto argentino.
La gira de Les Luthiers en España coincide con la celebración de su 45 aniversario. A lo largo de su historia, Les Luthiers ha creado una escuela de humor basada en la creatividad, el ingenio y la ironía seguida por muchos artistas del mundo.
Les Luthiers está formado por Marcos Mundstock, Carlos López Puccio, Jorge Maronna, Carlos Núñez Cortés y Daniel Rabinovich que han creado más de 170 obras. Su trayectoria ha sido reconocida con más de 30 premios. El último de ellos, uno de los más prestigiosos, el Latín Grammy 2011 Premio a la Excelencia Musical por su carrera artística.


Fuente: Europa Press

LA TATE MODERN COMPRA
LAS PIPAS DE PORCELANA DE AI WEIWEI





Periodistas caminando sobre las pipas de girasol de cerámica instaladas por el artista chino Ai Weiwei en la Sala de Turbinas de la Tate Modern, en Londres, el 11 de octubre de 2010.

Por Leon Neal 

La Tate Modern anunció este lunes que ha adquirido una parte de las pipas de porcelana del artista disidente chino Ai Weiwei que estuvieron expuestas en el famoso museo londinense entre octubre de 2010 y mayo de 2011.
La instalación 'Sunflower Seeds 2010', compuesta por unos 100 millones de pipas de girasol pintadas a mano, cubría una superficie de 1.000 metros cuadrados en la imponente Sala de las Turbinas de la Tate Modern.
Aunque inicialmente los visitantes fueron invitados a caminar sobre las pipas, el museo tuvo que cerrar el acceso público a la instalación pocos días después debido al polvo que levantaba la porcelana.
El museo ha comprado ahora cerca de una décima parte de la obra original directamente a Ai Weiwei (Pekín, 1957) con la ayuda del Tate International Council y del Art Fund, precisó en un comunicado, sin revelar la suma pagada.
Los 10 metros cúbicos de pipas, que pesan unas 10 toneladas, pueden exponerse como una alfombra cuadrada o rectangular de 10 centímetros de espesor o como una escultura cónica de 1,5 m de alto y 5 m de diámetro, configuración que también pudo verse más recientemente en el museo.
Además de ser muy populares entre los chinos, las pipas de girasol también están asociadas al período de la Revolución Cultural (1966-1976), durante la cual la propaganda oficial presentaba al fundador de la República Popular Mao Zedong como el sol y a los chinos como girasoles mirando hacia él.
Ai Weiwei, crítico acerbo del régimen comunista, fue detenido en 2011 por presunto fraude fiscal y encarcelado en un lugar secreto durante casi tres meses, lo que provocó una ola de indignación en todo el mundo.
El polifacético artista, que también participó en la concepción del estadio olímpico de Pekín -el famoso 'Nido de pájaro'- fue designado en octubre pasado personalidad más importante del mundo del arte por la revista británica Art Review.

Fuente: AFP

RUINAS DEL FUTURO,
CONSTRUIDAS CON RAPIDEZ




Un coloso de arcilla, creación inmediata y de corta vida.
Se llama "Una persona me amó" y es la improvisación que consagró al escultor argentino Adrián Villar Rojas, en la Trienal del Nuevo Museo de Nueva York.

Adrián Villar Rojas junto a su enorme escultura, una de las obras expuestas en la Trienal de Nueva Museo.
Por Randy Kennedy - The New York Times

El cuarto piso estaba en ruinas.
Era casi imposible caminar sin pisar un trozo de madera o una pila de escombros, y el polvo saturaba el aire hasta tal punto que había empezado a escurrirse a otros lugares del edificio a través de los conductos de ventilación.
Cualquier visitante del Nuevo Museo de Nueva York a principios de febrero habría pensado que el cuarto piso estaba en demolición.
Pero en ese escenario de destrucción había algo raro: en medio de todo, una suerte de torre gris que parecía de cemento se elevaba del suelo al techo.
En partes tenía el aspecto de algo inca, pero en otras parecía la parte de abajo de un viejo puente de autopista. Ante todo parecía el producto de una enorme impresora 3D infectada con un virus que imprimía esquemas y planes de forma caprichosa.
El objeto, titulado "Una persona me amó", una de las estrellas de "Los ingobernables", la Trienal del museo ­que presenta a más de cincuenta artistas jóvenes de todo el mundo­, era en su mayor parte de arcilla, uno de los materiales más antiguos y simples del mundo.
Un grupo de seis hombres y mujeres de Argentina armaron, dieron forma y tallaron la pieza, para lo cual trabajaron siete días por semana durante un mes bajo la dirección de un escultor de 31 años llamado Adrián Villar Rojas.
Hace apenas unos años, Rojas, que creció y estudió en Rosario, la tercera ciudad de Argentina, era poco conocido hasta en su propio país y trabajaba en un estudio en el garaje de sus padres. Luego de empezar a exponer en Buenos Aires, sin embargo, no tardó en conquistar admiradores.
Se lo eligió para que representara a su país en la Bienal de Venecia de 2011, donde un bosque de sus estructuras de arcilla se convirtió en un éxito inesperado. (Roberta Smith señaló en The New York Times que podrían ser un "nuevo tipo de montaje visionario".) Rojas empezó a usar arcilla porque era barata y abundante. Por otra parte, su cruda materialidad contrastaba con el aspecto etéreo de buena parte del trabajo de influencia conceptual de artistas argentinos impuestos.
Pero la arcilla ­debido a lo que pasa cuando se seca­ empezó a conformar sus ideas sobre el tipo de trabajo que quería hacer.
"Vea esto. Lo terminamos ayer", dijo al mostrarle a un visitante del Nuevo Museo una parte de la escultura. De distintos tonos de gris y recorrida por profundas grietas, la pieza parecía proceder de una excavación arqueológica.
"Es una ruina instantánea", dijo Rojas, que parecía haberse convertido también él en un anciano con el pelo y los anteojos cubiertos de polvo de arcilla. "Es lo que nos regala el material".
Piensa las piezas como ruinas del futuro, los restos de civilizaciones que aún no existen y resultan difíciles de imaginar, más allá del hecho de que terminarán por desintegrarse, como tienen el desafortunado hábito de hacer las civilizaciones.
Al igual que muchas ruinas, la propia pieza será demolida no mucho después de la finalización de la Trienal el 22 de abril, tanto porque no hay forma de desarmarla para retirarla del museo como porque, según dice Rojas: "Me encanta la idea de no tener un cuerpo de trabajo".
El grupo que contribuye a la construcción de sus monstruosidades no hace pensar en un grupo de asistentes de estudio sino en una banda en la que Rojas fuera el cantante y uno de los compositores. En los dos últimos años, a medida que cobraba fama, el grupo ha viajado como una banda de gira, de Ecuador a Alemania, México, Colombia, Italia, Francia y ahora a Nueva York, creando piezas en cada lugar en una especie de performance improvisada. Si bien las esculturas no son improvisadas, incorporan ideas de todos los integrantes del grupo y evolucionan a medida que ascienden.
El modus operandi del grupo de estar en constante movimiento y aparentemente crear sus propias reglas sobre la marcha, es una de las pocas cosas identificables que comparte con los treinta y cuatro artistas, grupos de artistas y colectivos temporarios que constituyen la Trienal.
La curadora de la muestra, Eungie Joo, dedicó un año y medio a viajar por más de veinte países para seleccionar a los participantes, la mayor parte de los cuales nació entre mediados de la década de 1970 y mediados de los años 80.
Mientras almorzaba hace poco en el lobby del museo con Rojas, dijo que lo primero que tuvo que reconocer cuando se dispuso a reunir una muestra representativa del trabajo de jóvenes artistas internacionales fue que "es una misión que admite su fracaso antes de comenzar".
La generación es "demasiado diversa y compleja como para generalizar".
Sin embargo, consideró que esos artistas compartían el hecho de haber crecido en una era de desilusión, muchos de ellos en países y regiones que se habían liberado del colonialismo sólo para caer en las garras de dictaduras, crisis económicas globales y otros problemas culturales y políticos endémicos.
(La muestra, que se concentra en Oriente Medio, Asia y América del Sur, comprende sólo a tres artistas nacidos en los Estados Unidos.) Si bien Joo inició su búsqueda antes del surgimiento del movimiento Ocupen Wall Street e incluso antes de los primeros levantamientos de la primavera árabe, el espíritu que motiva ambos movimientos parece animar la exposición.
Jonathas de Andrade, un artista brasileño de veintinueve años de la Trienal, expresó de esta forma la tendencia que caracteriza a su generación de artistas: "Una vez que dejamos de movernos, somos una simple foto. Cuando nos movemos, producimos constantes reflejos en muchas circunstancias. Nos adaptamos. Interferimos. Provocamos". 

Fuente: Revista Ñ Clarín

ARTISTAS ARGENTINOS EN ARTEAMÉRICAS





Catálogo de la Feria de Arte Arteaméricas.

El arte argentino dijo presente en la X edición de "ArteAméricas", una de las ferias más importantes del arte latinoamericano que se realizó desde el 2 al 5 de marzo en la ciudad de Miami con gran presencia de público y personalidades de la cultura y el arte.
Un total de 23 artistas de nuestro país, dedicados a la pintura, la plástica y la fotografía, formaron parte de la muestra, organizada por el Consulado argentino en Miami y la fundación Exportar.
"El arte es finalmente lo que los artistas producen y de lo que se trata es de multiplicar las posibilidades de sus verdaderos productores en los consumos culturales masivos, ampliando los circuitos tradiciones del arte", resaltó el cónsul Miguel Talento al inaugurar la muestra junto a Otton Castañeda, responsable de la organización de "ArteAméricas".

Fuente: clarin.com