LA XXXVI EDICIÓN DE 'ANTIQUARIS'EXHIBIRÁ EN BARCELONA OBRAS DE PICASSO, DALÍ, MIRÓ Y TAPIES

 FERIA DE ARTE

BARCELONA, 18

Barcelona acogerá del 24 de marzo al 1 de abril la XXXVI edición del Salón de Arte Antiguo y Moderno 'Antiquaris', que presentará obras de todas las épocas, estilos y precios en el recinto de Montjuïc la Fira de Barcelona.

El recorrido de obras abrazará toda la historia del arte y presentará obras arqueológicas clásicas de Grecia, Roma, Egipto o Mesopotamia así como precolombinas o asiáticas; esculturas medievales, máscaras rituales tribales africanas, obras de la Alta época y piezas de las vanguardias pictóricas de siglo XIX y XX, ha explicado la organización en un comunicado.

También se podrán ver piezas de alta gama de joyería de diferentes periodos, inspiraciones e influencias; obras de los maestros del 'Art Noveau', muebles modernistas, porcelanas 'Meissen', ediciones bibliográficas únicas o obras de Picasso, Dalí, Miró, Tápies, Barceló, Vasarely, Sam Francis y Fantin-Latour

Además, un año más el salón permitirá a los visitantes adquirir obras y pequeñas joyas por debajo de los 3.000 euros en el 'Espacio del Deseo'.

El evento está organizado por Flaqué Internacional, Fira de Barcelona, el Gremio de Anticuarios de Catalunya y la Agrupación Profesional de Anticuarios de las Reales Atarazanas.

Fuente: Europa Press

BERNARDO LANIADO-ROMERO, NUEVO DIRECTOR DEL MUSEO PICASSO DE BARCELONA

SEGÚN UNA COMISIÓN DE EXPERTOS

Bernardo Laniado-Romero, nuevo director del Museo Picasso de Barcelona

BARCELONA, 18 

Bernardo Laniado-Romero será el nuevo director del Museo Picasso de Barcelona, según ha acordado una comisión de expertos, una vez analizadas y valoradas las 15 candidaturas presentadas para dirigirlo.
Según un comunicado del Institut de Cultura de Barcelona (ICUB), la comisión propondrá así el nombramiento de Laniado-Romero, de Guayaquil (Ecuador) y de 48 años.
Laniado-Romero fue director del Museo Picasso de Málaga entre 2004 y 2009 y su formación académica se desarrolló en el Institute of Fine Arts de la Universidad de Nueva York.
Para el teniente de alcalde de Cultura, Conocimiento, Creatividad e Innovación del Ayuntamiento de Barcelona, Jaume Ciurana, el Museo Picasso de Barcelona inicia así una "ilusionante" etapa y ha confiado en que el nuevo director vincule aún más la figura del pintor con la ciudad y Cataluña.
La comisión de expertos estaba integrada por el crítico, historiador del arte y representante del Consell de Cultura de Barcelona Daniel Giralt-Miracle; el exdirector de la Tate Modeern de Londres y comisario vicent Todolí; la historiadora del arte Marilyn McCully; la directora adjunta del Centro Pompidou de París Brigitte Léal; el director de Patrimonio, Museos y Archivos del ICUB, Josep Lluís Alay; y el director de Promoción de los Sectores Culturales del ICUB, Llucià Homs.


Fuente: Europa Press

LA INFORMÁTICA E INTERNET,AL AUXILIO DE LAS LENGUASAMENAZADAS DE EXTINCIÓN

Una bibliotecaria muestra un manuscrito realizado en alfabeto cirílico en la Biblioteca Nacional San Cirilo y Metodio, en Sofía,

Por Jean-Louis Santini

La informática e internet se movilizan para salvar ciertas lenguas amenazadas de extinción, con equipos de lingüistas creando programas y diccionarios parlantes en línea, según los proyectos presentados durante una conferencia de ciencias en Vancouver.

Más de la mitad de unas 7.000 lenguas y dialectos que aún se hablan en el planeta habrán desaparecido de aquí al fin del siglo, víctimas de cambios culturales, de represión gubernamental y otros problemas, según estimaciones de los medios científicos.

David Harrison, profesor de linguística en la Universidad Swartmore (Pensilvania), es uno de los principales responsables de la creación de ocho diccionarios especializados en el marco de un proyecto auspiciado por la Sociedad National Geographic, que edita el célebre mensuario.

Harrison presentó sus trabajos durante la conferencia anual de la Asociación americana para el avance de la ciencia (AAAS, por sus siglas en inglés), que se realiza desde el jueves en Vancouver (oeste de Canadá) y que continuará hasta el lunes.

"El efecto positivo de la globalización hace que hoy sea posible que una lengua hablada por pocas personas y en algunos lugares muy aislados tenga, gracias a la tecnología digital, una presencia y una audiencia planetaria", explicó Harrison a la prensa al margen de la conferencia de la AAAS.

"La extinción de lenguas no es inevitable", insistió, revelando "una tendencia a la revitalización linguística en estos diez últimos años en todo el mundo".

"Las pequeñas comunidades linguísticas han sido confrontadas a la falsa elección de decirles que su lengua había sido superada y que debían renunciar a ella para poder abrazar la modernidad", deploró Harrison.

Pero ahora, "esos grupos linguísticos toman conciencia que ellos pueden también ser ciudadanos del mundo, aprender las lenguas globales como el inglés, conservando su lengua tradicional y los vastos conocimientos" ancestrales vinculados a ella, precisó.

Los ocho diccionarios creados para cada una de las lenguas amenazadas sobre las cuales Harrison trabajó contienen más de 32.000 palabras en total.

Ellos tienen además fotos de objetos culturales y al menos 24.000 registros sonoros de frases y palabras pronunciadas por las personas que hablan corrientemente esas lenguas.

Uno de esos diccionarios es del lenguaje Siletz Dee-ni, hablado únicamente en una tribu amerindia de Oregon (noroeste de Estados Unidos). Uno de sus miembros, Alfred 'Bud' Lane, uno de los últimos en hablar comúnmente ese lenguaje, alabó los méritos de esta iniciativa.

"El diccionario parlante es, y será, uno de los mejores medios de los que dispondremos para salvar el Siletz", dijo Lane a la prensa vía teleconferencia.

"Enseñamos la lengua en la escuela del valle de Siletz dos días enteros por semana y ahora nuestros jóvenes aprenden más rápido de lo que yo había imaginado", señaló este amerindio.

Entre las otras lenguas contempladas en los proyectos de diccionarios de la Sociedad National Geographic, figura también la Matukar Panau de Papúa Nueva Guinea, hablada por 600 personas en sólo dos villas, y que nunca había sido escrita o registrada.

En Canadá, los esfuerzos se despliegan en traducir los programas de Microsoft a la lengua Inuit, permitiendo a todas las generaciones de esa comunidad utilizar su lengua a través de las computadoras.

La informática también permite a los canadienses que hablan la lengua Ojibwé utilizar la red social Facebook.

"Contamos desde ahora con 2.700 utilizadores de Facebook entre los 10 a 12.000 personas que hablan esa lengua", precisó Margaret Noori, especialista de la cultura amerindia en la Universidad de Michigan (norte de Estados Unidos).

Fuente: AFP

ROBAN MÁS DE 65 PIEZAS EN EL MUSEO DE LA ANTIGUA OLIMPIA

Dos hombres armados asaltaron hoy el museo de la Antigua Olimpia y robaron más de 65 antigüedades de valor incalculable que se encontraban en el edificio, ubicado en la parte oeste de la península del Peloponeso, en lo que supone el segundo gran robo a un museo griego en lo que va de año.

El museo fue restaurado para los Juegos Olímpicos de 2004. Alberga la historia de los juegos olímpicos en la antigua Grecia. 

Tras conocerse el robo, el ministro griego de cultura, Pavlos Gerulanos, presentó su dimisión, aunque todavía no se conoce si el primer ministro, Lucas Papademos, la aceptará.

Según dijo a la radio el alcalde de Olimpia, Efthimios Kotzas, los asaltantes actuaron en la mañana, cuando se producía el cambio de guardia. "Metieron en un saco más de 65 objetos de barro y bronce y huyeron", explicó el alcalde. "Las piezas de barro seguramente habrán resultado dañadas", agregó.

Los ladrones apuntaron a la guardia del recinto con una pistola y, según explicó el ministro Gerulanos, le preguntaron: "¿Dónde está el oro?", lo que hace presuponer que no conocía el museo en profundidad.

 La encargada de la seguridad dijo a los ladrones que en el museo no había piezas de oro y éstos rompieron varias vitrinas con un martillo y sustrayeron varias piezas.

La policía ha iniciado un gran operativo de búsqueda y captura. Aún no se sabe como huyeron los ladrones, pero se sospecha que lo hicieron en un automóvil que habían aparcado cerca del recinto.

El museo, que se encuentra en la localidad donde inicialmente se comenzaron a disputar los Juegos Olímpicos, fue restaurado para los Juegos Olímpicos de 2004 en Atenas. La colección que alberga se remite a la historia de los juegos olímpicos en la antigua Grecia.

El de hoy es el segundo gran robo en un museo griego desde comienzos de 2012.

En enero, unos desconocidos sustrajeron un cuadro de Pablo Piccasso, una obra del pintor holandés Piet Mondrian y un dibujo del italiano Guglielmo Caccia de la Galería Nacional de Atenas.

El alcalde de Olimpia reclamó hoy mejoras en los sistemas de seguridad del museo. Ya antes del robo de la Galería Nacional se habían denunciado deficiencias en la seguridad. Los recientes recortes económicos del gobierno obligaron a reducir el número de guardas en este tipo de edificios públicos.

Fuente: Agencia DPA

NEUROCIENCIAS SOBRE TELA

Un artista y un científico argentinos trabajaron juntos durante nueve meses en una universidad inglesa para aplicar principios de percepción visual en la creación de obras de arte. El resultado, una muestra de pinturas que revela que la interacción fluida puede tender puentes inimaginables, crear arte y discutir el futuro de una disciplina que sólo tiene cien años.

¿CENTELLEA? “The beat of the crowd”, creada bajo los principios de Hermann Grid, forma parte de una muestra de arte y neurociencias. 

Por Marcela Mazzei

Sólo hay que disponerse a mirar fijo la primera foto que acompaña a esta nota y advertir que los círculos del centro comienzan a centellear, a moverse como si se tratara de una animación. Y esto es una cosa en la pantalla de la computadora, donde las imágenes suelen moverse, pero sucede lo mismo con el original, pintado en acrílico sobre tela, colgado en una galería de arte británica con el título “The beat of the crowd”. El centellear que hipnotiza a los visitantes es la ilusión óptica Hermann Grid (por su descubridor) y fue uno de los principios de percepción visual que el neurocientífico Rodrigo Quian Quiroga y el artista visual Mariano Molina eligieron para experimentar trabajo conjunto de arte y ciencia.

“The beat of the crowd” es parte de The art of visual perception (El arte de la percepción visual), una muestra de pinturas creadas a partir del estudio exhaustivo de las posibilidades de la visión humana y el uso de las ilusiones ópticas. Durante enero se exhibió al público en el centro de arte de la Universidad de Leicester como parte del programa AHRC Beyond Text, que tiene planes de llevar al gran público europeo y más allá también los principios de percepción visual escondidos en obras de arte creadas con los papers en la mano. 

POLLOCK'S SPACE. Un tributo y un experimento, que pone sobre tela el principio de oclusión.

De la Pampa a Leicestershire 

Físico de la UBA y doctorado en matemática aplicada en Alemania, Rodrigo Quian Quiroga es profesor de la Universidad de Leicester, Inglaterra, donde vive desde los años 90. Además de estudios sobre la memoria que editó en un libro sobre Borges y por los que fue reconocido, ya había publicado varios trabajos de investigación sobre el cruce de arte y neurociencias. De su laboratorio surgieron los estudios con el Eye Tracker –un software que determina hacia dónde se dirige la mirada cuando contemplamos una obra de arte–, que en su etapa de pruebas en la Galería Tate de Londres participó de un documental de la BBC Channel 4 emitido a principios de 2012; y también una publicación sobre cómo vemos obras de arte de acuerdo a su precio de mercado, entre otros.

En su búsqueda de un artista con quien intercambiar saberes y explorar las fronteras, contactó a Mariano Molina y charla de café mediante ya estaban organizando un viaje: como artista en residencia, Molina se instaló durante nueve meses en Inglaterra y de aquella “interacción fluida” resultaron unas 20 piezas de acrílico sobre tela y algunos trabajos en soporte digital que presentan de manera inteligible cómo el cerebro procesa la información visual. “Mi interés como neurocientífico es entender cómo un grupo de neuronas genera algo tan fascinante como la percepción de lo que vemos. El parque que tengo a la vista desde mi oficina no es una película que se proyecta en mi cabeza: es ni más ni menos que un disparo de neuronas en mi cerebro”, define Quian Quiroga su área de investigación, en conversación telefónica desde Inglaterra.

“Siempre me fascinaron las ilusiones ópticas”, asegura Mariano Molina sentado en el hall del Art Hotel, que alberga su muestra más reciente en Buenos Aires. Allí, entre las pinturas de su proyecto personal, se reconocen –y él mismo reconoce– algunos puntos de contacto con las creadas en conjunto con Quian Quiroga. En la galería está su serie sobre muchedumbres: una escena general con cuerpos gesticulando donde se confunden en el acting un recital de rock con la tribuna de un estadio de fútbol y una manifestación política juvenil. “Este proyecto surgió sin buscarlo, algo que me parece maravilloso, y aunque seguro va a influir en un futuro lejano-inmediato y va por un carril diferente, es un gran aporte a mis conocimientos”.  

 

FUERA DE FOCO. El neurocientífico Rodrigo Quian Quiroga y el artista visual Mariano Molina pintan en una de las obras de El arte de la percepción visual.

La historia del arte y la percepción

Los “trucos” de los pintores para generar atmósferas, profundidades o sensación de realidad son tan antiguos como el arte mismo. “Estamos aprendiendo cosas que Rembrandt ya sabía intuitivamente hace siglos; aunque no entendía cómo funciona el cerebro, tenía muy claro los efectos que producía un contraste o un claroscuro –explica Quian Quiroga–. Son las cosas que estudiamos hoy en el laboratorio, y los científicos tenemos que perder el miedo a cruzar esta barrera y aprender del arte, que aplica la percepción visual hace cientos de años mientras en Neurociencia comenzamos hace cien; sería muy arrogante de nuestra parte decir que podemos explicarlo todo cuando en realidad podemos aprender un montón de los artistas”.    

Egresado de la escuela de arte Prilidiano Pueyrredón, premiado en salones nacionales de pintura, invitado a bienales internacionales y reconocido por sus murales, Mariano Molina tuvo que hacer memoria para identificar artistas o movimientos estéticos la manera en que las técnicas de percepción visual se manifiestan en la historia del arte. “Leonardo Da Vinci sabía cómo dar cuenta de las dimensiones, de la cercanía y lejanía de los objetos; en el Renacimiento está muy clara la perspectiva; después la Gestalt; incluso Kandinsky abordó muchos aspectos de las ilusiones ópticas; otro es Escher…     Y hay una artista británica que descubrí allá, Bridget Riley, que desde los 70 pinta unas cosas maravillosas”, enumera. Por el poco espacio que tienen estos asuntos en los programas de formación artística, Molina se considera un afortunado por la experiencia que acaba de vivir. “Rodrigo habla de la intuición del artista, pero si vos podés adquirir estos conocimientos de antemano, te da una mayor amplitud y perspectiva. Son cosas con las que un artista está lidiando todo el tiempo a la hora de ponerse a trabajar. Si estos artistas hubieran tenido toda esta información, podrían haber tenido mucho más impacto visual”, reconoce y le pone reservas a la intuición, la inspiración y la imaginación (“palabras muy románticas”) en el quehacer artístico, más relacionado según su entender al mundo de las ideas. Su “visión distinta” también dejó huellas en el laboratorio.
 

   EN FOCO. "Si tapás algunas cosas y no otras, le generás un enigma al cerebro resuelve haciéndose la idea de tres dimensiones".

Oclusión y rivalidad binocular 

En un ejercicio múltiple, “Pollock's space” (Foto 2) funciona como tributo, manifestación artística y explicación didáctica del principio de oclusión. Allí se distingue al genial Jackson Pollock en blanco y negro volcando pintura sobre una tela con un gesto que podría haber patentado. Convive en la misma superficie con una estampa texturada en rojo. La tentación a decir que está “sobre” el más famoso de los expresionistas es inevitable, porque allí reside la “ilusión”, lo que engaña al cerebro. Explica el científico: “Si estás viendo dos objetos y uno cubre al otro, ves a éste último más cerca. Eso lo entendés por cálculos que hacés en tu cerebro, porque realmente no está más cerca”. En la pintura, con la oclusión aprendida, se pusieron a jugar: mientras la mano de Pollock tapa la estampa, ésta tapa el resto del cuerpo.

Aplican el mismo principio en una serie donde el dúo artístico-científico aparece dentro de campo –en otro guiño arty. En la primera versión (Foto 3), ambos fuera de foco pintan como si delante de ellos hubiera un vidrio: Molina repite el pattern estilo Pollock mientras Quian Quiroga dibuja unas neuronas de Cajal (por Santiago Ramón y Cajal, pionero de la Neurociencia). En una segunda versión (Foto 4), ambos están en foco en una maniobra que los acerca al espectador, al tiempo que los dibujos que cubren por regiones los espacios definen el conjunto: “Si tapás una cosa y no otra –asegura Quian Quiroga– le creás un enigma al cerebro que la única manera que tiene de resolverlo es haciéndose la idea que estás en tres dimensiones, sino esa pintura no tiene explicación”.

Intuitivamente aprendidos, estos conocimientos explicitados procuran más herramientas para la paleta del artista siempre atento a salirse de lo convencional, de crear algo original; al tiempo que abre un sendero poco ortodoxo para el avance de la una disciplina joven como la Neurociencia. El paso siguiente en esta aventura de la percepción visual se llama rivalidad binocular –otro principio famoso, un poco más complejo–, y se trata de entender la manera en que los humanos vemos: “Casi lo mismo con los dos ojos”, dice Quian Quiroga. Cada ojo ve en dos dimensiones y como un ojo está al lado del otro, las imágenes que vemos con cada uno están un poco desplazadas; ese desplazamiento hace que el cerebro genere una visión tridimensional. Es el clásico efecto del cine 3D, pero va mucho más allá. “Lo que nosotros sabemos en Neurociencia es que si en vez de darle a cada ojo una imagen un poquito desfasada le das dos imágenes completamente distintas, el cerebro se confunde porque nunca vio una cosa así. Y la manera que tiene de resolverlo es alternando las dos imágenes”, explica. Sigue: “Uno podría decir que ves una mezcla de las dos imágenes, pero no: ves una imagen y después la otra. Es algo que hace tu cerebro y no podés controlar, es totalmente involuntario”.

En el hall del Art Hotel, bajo la supervisión de Molina y con una reproducción de la pintura delante y los anteojos 3D puestos, funcionó: en la imagen de la serie de muchedumbres que el ojo izquierdo veía en azul se colaba intermitentemente y como si fuera un videoclip otra imagen diferente, en rojo, que estaba escondida en la misma pintura.

RIVALIDAD BINOCULAR. Con anteojos 3D, el cerebro alterna las imágenes, no las mezcla.

Del laboratorio al atelier
 

“Nos juntábamos en la universidad donde yo tenía mi computadora –iba casi todos los días, como todos los colaboradores–, conversábamos con Rodrigo, él me traía papers, me explicaba cosas que había estado estudiando y planteábamos propuestas. También el científico es una fantasía que te creás, pero lo percibí muy a tono con la rutina de un artista y el intercambio de ideas desde lugares completamente opuestos es fascinante”, resume Molina, que no pudo estar presente en la inauguración pero en su lugar Quian Quiroga proyectó un video que los muestra trabajando. “Fue un principio, un acercamiento entre dos ramas del conocimiento que finalmente genera que el público acceda a campos académicos que no está acostumbrado, tanto desde el arte como de la ciencia; pero no estábamos tan pretenciosos de generar conciencia, sabemos que algo suma pero sin exagerar nuestras intensiones”, reflexiona Molina.

El día de la apertura, después de las presentaciones formales y una breve conferencia sobre cómo funciona la percepción, el público presente se dedicó a sorprenderse con los movimientos que se dan al interior del cerebro cada vez que se pone en marcha la percepción visual. Mientras atendía a la prensa local, el neurocientífico percibió algo novedoso: “Por mi carrera, me podía imaginar dando charlas delante de un montón de gente interesada en los resultados de la ciencia, pero en mi vida me hubiera imaginado mostrando cuadros en una galería de arte”. Pequeña y personal, una de las tantas posibles repercusiones de un proyecto que puso a funcionar al mismo tiempo las cajas de herramientas del arte y la ciencia contemporánea.


Fuente: Revista Ñ Clarín

BEATON: INVENTOR DE ESTRELLAS

Con un estilo singular marcado por las poses teatrales, fotografió a íconos del arte y del espectáculo del siglo XX.

Beaton: inventor de estrellas

Por Cristina Civale - Desde Nueva York 

Marlene Dietrich, de perfil y con sus manos danzantes, observa lánguida hacia un punto indefinido; Marilyn Monroe, indefensa, coloca sus brazos tras la espalda y como pidiendo ayuda con su mirada; Truman Capote despilfarra tanto soberbia como timidez en un retrato preciso; el escritor Tom Wolfe, enmarcado en su departamento altamente sofisticado, se para firme y desafía a la cámara pretendiendo una humildad que se percibe como impostura.
Cecil Beaton, el fotógrafo y diseñador inglés que marcó la segunda mitad del siglo XX con su trabajo, tiene su segunda gran muestra en la ciudad de Nueva York en el Museo de Nueva York, subvencionado por la ciudad, y estas son algunas de las imágenes inolvidables de la exhibición, creadas por un ícono del siglo XX que fotografió a quienes luego serían a su vez íconos de ese siglo.
El segundo piso del sobrio edificio del siglo XIX que se alza en el Upper East Side, casi en las fronteras con Harlem, está íntegramente tomado por la muestra Cecil Beaton, Los años en Nueva York (hasta el 25 de febrero).
La puesta de la exhibición es impactante por la nitidez con que invita al visitante a realizar un recorrido tan fascinante como didáctico.
Cada fragmento de la sala expositiva está dividido según el artista retratado, lo que permite apreciar la evolución en el tiempo de la mirada de Beaton sobre cada personaje y a su vez los distintos cambios que cada uno de ellos fue experimentando.
Beaton fue un fotógrafo faro de las revistas Vogue y Vanity Fair, se destacó como interiorista y diseñador de vestuario y, lo más importante, tuvo acceso a la confianza e intimidad de celebridades en sus años de oro -entre los 30 y los 50- y así pudo construir su archivo único con su técnica también única, esa que mezclaba una dirección marcadamente actoral hacia sus modelos colocados en un contexto que derrochaba glamour. Una técnica muy criticada para la época, ya que parecía alejarse de lo considerado estrictamente artístico pero que fue pionera para quienes luego se dedicaron a la fotografía y sobre todo a la fotografía de moda.
Esta exhibición recoge imágenes vintage de Audrey Hepburn, Mick Jagger, Marilyn Monroe, Wallis Simpson (la duquesa de Windsor) y Andy Warhol; suma exclusivas tomas de diseñadores como Balenciaga, Irene, Charles James, Lanvin, Mainbocher y Elsa Schiaparelli; cuenta con dibujos y fotografías de mujeres que fueron claves en la vida y en el trabajo del fotógrafo: Mona Bismarck, Greta Garbo, Diana Vreeland y la ya mencionada duquesa de the Windsor. Se destacan, a su vez, los retratos de Fred Astaire y su esposa, Adele, así como los de Marlon Brando, María Callas, Martha Grahan, Elsa Maxwell, Coco Chanel y Babe Paley.
El trabajo realizado por Beaton para la editorial Condé Nast y sobre todo el apartado dedicado a Greta Garbo resultan parte destacada de la muestra. Beaton fue el único fotógrafo autorizado a retratar a la Garbo luego de su retiro.
Aunque el corazón de la muestra lo constituyen las fotografías, también pueden apreciarse dibujos, bocetos, caricaturas y diseños de vestuario realizados para obras de Broadway como Quadrille de Noel Coward, My fair lady de Lerner y Loewe y Coco también de Lerner y Previn.
Beaton atravesó y participó en todas las facetas del espectáculo cuando New York se estaba convirtiendo en el centro del mundo. El cine, el teatro, la moda y el ballet lo tuvieron como una estrella más, esa que inmortalizó el modo en que hoy recordamos a quienes marcaron la historia del arte y del espectáculo en el siglo XX. Su mirada los creó así para nosotros y ya no importa cómo realmente eran. Ahora son y serán para siempre como Beaton los iluminó con su cámara.


Fuente: Revista Ñ Clarín

EL SUEÑO DE CLAUDE CAHUN

¿Cuánto ha cambiado para la mujer en un siglo de prácticas artísticas?

Seguramente mucho, pero no lo suficiente.

Claude Cahun - Que Me Veux-Tu? (What Do You Want From Me?), 1928

Por Lena Szankay

Caminando por la rambla de Barcelona me topé con la muestra de Claude Cahun en el Virreina de la Imagen. Había conocido su obra en un seminario sobre vanguardias y me había quedado fascinada con sus autorretratos fotográficos donde prevalece un juego de roles y desdoblamientos en figuras femeninas-masculinas. Explorando la metamorfosis, estas imágenes son un precedente de lo que otras artistas mujeres trabajaron. La identidad y el cuestionamiento del rol impuesto de la mujer como Cindy Sherman, o la búsqueda del origen y la violencia como Ana Mendieta.

Claude se presenta con la cabeza rapada como una skin head de este nuevo siglo o una activista lesbiana alemana de los años 80 o como una clochard andrógina. Una intensa sinceridad no exenta de dramatismo. Claude Cahun, de familia burguesa, es el pseudónimo que eligió Lucy Schwob, quien conociera durante su adolescencia a su compañera de vida, Suzanne Malherbe.

Ya durante el seminario me había preguntado la razón por la cual su obra había sido tardíamente reivindicada mientras que sus compañeros masculinos del surrealismo como Max Ernst y Andre Breton pertenecen al manual de la historia del arte. Durante su vida, no realizó ninguna muestra individual. Fue redescubierta en París hace aproximadamente 15 años, 30 años después de su muerte. ¿Cuánto ha cambiado para la mujer en un siglo de prácticas artísticas? Seguramente mucho, pero no lo suficiente. El grupo “The Guerrilla Girls” tematiza desde 1985 la escasa presencia de artistas mujeres en los museos, las colecciones, y grandes exposiciones. Los datos objetivos del escueto porcentaje en Europa y América siguen dando escalofríos.

 A la pregunta hecha a Claude en 1930: ¿Los momentos más felices de su vida?, contesta: “El sueño. Imaginar que soy otra. Interpretar mi papel preferido”. Apelo a que las mujeres no cumplan su deseo de formar parte del universo artístico solamente a través de los sueños. 

Fuente:Revista Ñ Clarín