UN DESNUDO DE MODIGLIANI
RÉCORD EN LA SUBASTA DE SOTHEBY’S



Una de las obras más famosas del pintor italiano Amedeo Modigliani, 'Nu assis sur un divan' (El segundo nombre: La belle romaine) fue subastada en Nueva York por un precio récord de 68,96 millones de dólares. Creada en 1917, esta pintura se considera uno de los mejores desnudos de la historia del arte occidental, junto a la ‘Venus’ de Sandro Boticelli y la ‘Olympia’ de Édouard Manet.
La pieza estelar de la subasta de arte moderno e impresionista de Sotheby’s batió el hito del año 2004, cuando el retrato de la artista francesa Jeanne Hébuterne, también de Modigliani, fue vendida por 31,4 millones de dólares.
Oficialmente la casa de subastas no hizo público el precio estimado de la obra, pero en los medios de comunicación se especulaba que entre los planes de los vendedores era conseguir un beneficio menor de 40 millones. La puja se centró entre cinco compradores, el nombre del nuevo poseedor de 'Nu assis sur un divan' no fue divulgado.

La obra colgada en la exposición previa al remate.

Esta creación cuenta con una anécdota especial y es que se dice que detrás hay un escándalo de la vida del pintor. La obra fue representada en la primera y única exposición personal de Modigliani en París en 1917, la cual fue cerrada unas horas después de su inauguración. Tanto el público morigerado, como las autoridades y la policía se mostraron indignados por el contenido erótico y los desnudos de las piezas exhibidas. Ahora, en la actualidad sus lienzos componen el orgullo y fama de los museos más grandes del mundo.
El escritor y periodista famoso ruso Ilia Erenburg quien entonces vivía en París y conocía a Modigliani, recordaba en su libro ‘Personas, Años, Vida’: “Podría pintar los retratos de orden que gustaran a los clientes y críticos, pero Modigliani no sabía ni mentir, ni ajustarse… Creó muchos retratos donde mostró a la gente, su tristeza, ternura y sentimiento de perdición irremediable. Sus lienzos no son ilusiones ocasionales, sino un mundo que fue reflexionado por un pintor que poseía una combinación singular de lo infantil y lo sabio, espontaneidad y limpieza interna”.

Bailarina en un sillón, suelo de damas’ de Henri Matisse

El conjunto pictórico del artista en la subasta en Nueva York lo componían tales lotes como Claude Monet ‘Estanque con nenúfares’, vendido por 24,7 millones de dólares, y ‘Bailarina en un sillón, suelo de damas’ de Henri Matisse, vendida por 20,8 millones de dólares. En general, Sotheby´s ganó más de 227,5 millones por 49 lotes vendidos de 61 presentados. Este récord tendrá un nuevo asalto a través de las obras de impresionistas y modernistas en la puja que se celebrará en la casa rival, Christie's.


LA ORQUESTA BACH
DEL GEWANDHAUS DE LEIPZIG
Y EL CORO DE NIÑOS DE SANTO TOMÁS,
EN EL TEATRO COLÓN



Orquesta Bach del Gewandhaus de Leipzig

Presentados por el Mozarteum Argentino subirán al escenario principal del Teatro Colón la Orquesta Bach del Gewandhaus de Leipzig y Thomanerchor (Coro de niños de Santo Tomás, Leipzig), con la dirección de Georg Christoph Biller. Interpretarán la Misa en Si menor de Johann Sebastian Bach, en el Teatro Colón, 1ro. y 2 de noviembre de 2010, a las 20,30 hs. .

Orquesta Bach del Gewandhaus de Leipzig
Director:
Georg Christoph Biller

Solistas:
Gabrielle Hierdeis, soprano
Britta Schwarz, contralto
Hans Joerg Mammel, tenor
Markus Flaig, bajo

PROGRAMA
J. S. Bach: Misa en Si menor

Thomanerchor - Coro de Niños de Santo Tomás de Leipzig

CON CASI 800 AÑOS DE VIDA, EL CORO QUE DIRIGÍA J.S. BACH EN SU ÉPOCA, INTERPRETARÁ, CONTINUANDO LA TRADICIÓN, UNA DE SUS MÁXIMAS OBRAS.
Hace casi ochocientos años que nació esta larga e incomparable tradición coral de Santo Tomás: en 1.212, año en que Leipzig recibió sus estatutos como ciudad y mercado, el monasterio que incluía iglesia y escuela con el nombre de Santo Tomás pidió su afiliación al Augustiner Chorherrenstift o Canons Regular - pastores activos según las reglas de San Agustín, que viven en comunidad - para la instrucción de varones, de 6 a 18 años de edad, en el servicio musical de las misas. La escuela de Santo Tomás también incluía a los hijos de los habitantes de Leipzig, por lo que es considerada la escuela pública más antigua de Alemania. Durante 300 años fue también la única escuela de Leipzig, transformando al Coro de Santo Tomás en la institución cultural más antigua. El coro cantaba en misa, en bautismos, casamientos y funerales y también en los eventos de la ciudad, como recompensa por su educación.

La ORQUESTA BACH fue creada en 1962 por el Prof. Gerhard Bosse, quien fuera durante largos años el primer director musical de la Orquesta de la Gewandhaus (Sala de Paños) de Leipzig. Bajo su dirección el conjunto ha logrado fama internacional, realizando giras a más de 40 países y recibiendo invitaciones a los más importantes centros y festivales musicales. Se especializa en las obras de J. S. Bach e incluye el repertorio del Barroco y períodos Pre-Clásico y Clásico.

GEORG CHRISTOPH BILLER, Director y Thomaskantor (director musical coral de la escuela de Santo Tomás) fue alumno de la misma y recibió sus primeras instrucciones de Dirección Coral y Orquestal allí. Se especializó en la Academia Felix Mendelssohn-Bartholdy de Leipzig, fundando, en 1976, el Leipziger Vocalensemble. Director del Coro de la Gewandhaus entre 1980 y 1991 y dedicado a la enseñanza, fundó en 1982 el sexteto de voces masculinas Arion-Collegium. Ese año se recibió de Director orquestal en la Academia Estival del Mozarteum de Salzburgo. Desde 1983 integra la Academia de las Artes de Berlín. En 1985 obtuvo el premio Osaka y en 1992 fue designado Thomaskantor de Leipzig nº 16 (después de Johann Sebastian Bach, quien dirigió al coro de 1723 a 1750).

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Misa en Si menor, BWV 232
Historia de la obra

Pocas creaciones de Johann Sebastian Bach han de haber movilizado tanto a la investigación musical como la Misa en Si menor. Fue laboriosa, en efecto, la tarea de ubicar con precisión el origen de la misma y los años de su creación; difícil también esclarecer los detalles y lugar de ejecución de sus diferentes partes, así como poner a punto, sobre la base de una madura revisión crítica, el diseminado manuscrito. Pero mucho más largas quizás –y menos fructíferas- habrán sido las horas dedicadas a determinar la mayor o menor sinceridad del sentimiento religioso que animó a Johann Sebastian Bach, el músico protestante por antonomasia, a componer una misa con las cinco partes del Ordinario de la liturgia católica, explícitamente dedicada por tanto a dicho culto.


Informes: http://www.mozarteumargentino.org/


Arte / Muestras
HLITO Y OCAMPO, CANTOS PARALELOS


Éticas y estéticas de dos grandes artistas confluyen en el Museo Tigre, en una muestra concebida por Niko Gulland para celebrar el Bicentenario. Y la luz se hacía, Miguel Ocampo, 1970.


Por Elba Pérez
Para LA NACIÓN


El Bicentenario detonó respuestas diversas, algunas meditadas, otras improvisadas y algunas espontáneas, maravillosas, anónimas. No faltan quienes pretenden apropiarse y capitalizar en propio provecho lo ajeno laborado y lo instintivo brotado. Caletres mayores analizarán el conjunto pero, desde el llano, vale sentar algunas coordenadas tan reflexivas, indagatorias y sensibles operadas desde el panorama de las artes plásticas.
La muestra de Alfredo Hlito y Miguel Ocampo, concertada por la experta Niko Gulland, suma cotas de excelencia a la conmemoración maya desde el Museo Tigre. Y es justo que Hlito y Ocampo sean adalides de esta conocedora visión de las vanguardias generadas bajo la Cruz del Sur.
Ambos conocieron otros destinos, aventuras y reconocimientos en otras tierras. También afirmaron su identidad y pertenencia al desatender la mistificación cosmopolita -ciudadanos del mundo-, mínimo común denominador vulgar del rastacuero (Lucio V. Mansilla dixit ).
Hlito y Ocampo brotaron su creatividad desde la abstinencia informativa impuesta en el Lejano Sur por la Segunda Guerra Mundial. Comunicaciones obturadas, regreso intempestivo de los becarios expulsados por la contienda y el corte de víveres diplomáticos: tal era el panorama cultural de los argentinos en la década de 1940. En vísperas de eclosiones políticas y sociales que aún percuten sobre el parche tendido desde La Quiaca hasta la Antártida, flanqueado por los macizos andinos y los embates del océano Atlántico.
¿Germinaba en el espíritu de la época otra utopía? Esa nueva alianza entre arte, sociedad y equidad movilizó las vanguardias rusas previas y coetáneas a la Revolución de Octubre, a las audacias de holandeses y de la Bauhaus internacional y germana. Ninguno de estos fermentos llegaban al Río de la Plata. En esos márgenes -trazados con línea gruesa en esta nota- eclosionó Arte Concreto Invención, asociación de poetas, diseñadores, músicos, arquitectos, escultores, pintores. Algunos devenidos teóricos, todos utopistas. O, como dice el protagonista Iommi, locos de la guerra. Del eterno combate entre lo establecido esclerosado y la savia pulsional que se empeña en algo nuevo.
Fueron resistidos como lo fuera en 1924 el cubismo impulsado entre nosotros por Emilio Pettoruti, avalado por Marcelo T. de Alvear. A los concretos, a mediados de los años cuarenta les tocó en desgracia el ministro Oscar Ivanissevich, cirujano y adalid versificador de la cruzada contra el "arte degenerado", demonio opuesto a la "bigornia de titanes" del arte "como se debe", según se disformaba en su magín.
La aventura tuvo y sostiene fermentos -y aun polémicas egocéntricas- en las que no se enredaron Hlito ni Ocampo. Los dos derivaron a riesgo y poética propios por aquellos corsi e ricorsi que hace añares Vico señaló como la profunda aventura del espíritu humano. Los dos alcanzaron transfiguraciones de intacta poética, epifanías, esfinges, entrevisiones que interpelan la pupila y otros entresijos que murmuran, alertan, su existencia a los que en secreto acceden a su imagen.
En su plenitud, Alfredo Hlito nos fue arrebatado. Ocampo liba su imagen en los sosiegos cordobeses donde hizo su morada hace años, tras los destinos impuestos por su labor diplomática.
Cantos internos y cielos trascendidos sin retórica campean en las riberas de Tigre. Esa otra metáfora del río de Heráclito que las claras pupilas de Hlito y Ocampo ofrecen en el convivio que Niko Gulland propone. Meditados, laborados, improvisados, espontáneos, la conmemoración del Bicentenario se adjetiva en esta muestra imperdible.

Ficha: Hlito-Ocampo , en el Museo de Arte Tigre (Paseo Victorica 972), hasta el 14 de noviembre

ADN HLITO Buenos Aires, 1923-1993
Diseñador gráfico, ensayista, pintor. En 1945 integró la Asociación Arte Concreto Invención. Participó en la Bienal de Río de Janeiro en 1945, 1960, 1975 y 1980, y en la de Venecia (1956) Entre 1963 y 1973, vivió en México. Expuso y obtuvo distinciones internacionales. En 1982 ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes.


ADN OCAMPO Buenos Aires, 1922
Arquitecto, diplomático, pintor. Asistió al taller de André Lhote (París, 1948). Integró junto con Lidy Prati, Sarah Grilo, Tomás Maldonado y Alfredo Hlito un grupo de afirmación del arte concreto-geométrico, participó de la Exposición Internacional de Bruselas y en la Bienal de Río de Janeiro. Desde 1983 es miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes. Hasta la fecha realizó 50 muestras individuales en el país y en Uruguay, Brasil, Venezuela, El Salvador, Estados Unidos, Canadá, Francia, Italia. Vive en La Cumbre, Córdoba, desde 1978.

ENTRE LA CRÍTICA Y LA FASCINACIÓN:
CUANDO EL ARTE COQUETEA CON LA TELE


Exponen, en Espacio Fundación Telefónica, los artistas que repensaron un fenómeno imparable en sus inicios e hicieron historia en los años 60.

SIMULTANEIDAD EN SIMULTANEIDAD: un happening famoso de Minujin, donde la tv es protagónica.

Por Marina Oybin - ESPECIAL PARA CLARIN

El 17 de octubre de 1951 se hizo en la Argentina la primera transmisión televisiva. Muy pocos tenían tevé: amigos y vecinos se reunían para ver los programas. Ya en 1953 había 32.000 aparatos y sólo dos décadas después nuestro país ostentaba, con 2 millones de aparatos, el récord de horas transmitidas por televisión en todo Occidente.
Tanto fue el interés que generó el nuevo chiche que un grupo de artistas puso el foco allí.
Televisión. El Di Tella y un episodio en la historia de la TV , la excelente muestra en Fundación Telefónica, curada por Rafael Cippolini e Inés Katzenstein, se centra en las relaciones entre arte y televisión a través de las experiencias que se realizaron en el Instituto Di Tella, entre 1965 y 1969. Los artistas experimentaron con la tevé, buscaron resignificarla, trasformarla y darle nuevos usos .
La muestra incluye material de archivo, fotos, grabaciones inéditas que son joyitas, manuscritos, y artículos de diarios. Hay también obras de Luis Felipe Noé y Jorge De la Vega, y una serie de instalaciones de Jorge Macchi, Miguel Mitlag y Andrés Di Tella realizadas especialmente para esta muestra.
¿Qué hacían los artistas de los 60? En Situación de tiempo (1967), David Lamelas reunió en una sala a oscuras del Instituto 17 televisores Siam Di Tella. Los sintonizó en un canal inexistente e invitó a los espectadores a pasar ocho horas dentro de la sala. Se proponía vaciar de contenido la pantalla y envolver al espectador en una atmósfera de luz catódica alienante.
Pensando en aquellos años, Andrés Di Tella, hijo de Torcuato Di Tella, hizo una proyección con material televisivo de época. Un zapping imaginario de los 60 donde desfilan Andrés Percivale cubriendo la Guerra de Vietnam, Mónica Cahen D’Anvers desde Cabo Cañaveral y los jovencísimos Marta Minujín y Edgardo Giménez.
Los artistas pop buscaron llegar al gran público a través de la tevé. Y lo lograron. Las filmaciones de época dan cuenta del lugar que ocuparon en la pantalla chica como verdaderas estrellas y de la repercusión que tuvieron históricos happenings como Simultaneidad en simultaneidad (1966), que incluía un circuito cerrado de tevé, y La Menesund a (1965), que incluía una sala donde una pareja en la cama miraba tevé.
Marta Minujín hizo el primer happening televisado de Latinoamérica. Cuenta la artista en una entrevista que puede verse en un pequeño monitor en una de las mesas, que como el término se venía usando en los medios con un sentido inapropiado, se lanzó a hacer uno en el programa “La campana de cristal”. Y lo hizo: ponies encabritados que llevaban latas de pinturas y a su paso salpicaban a la audiencia, strippers musculosos reventando globos con pinches adosados al cuerpo y decenas de gallinas sembrando plumas por doquier hicieron encolerizar al presentador del programa. Acto seguido: cortaron la transmisión.
En la vereda opuesta a la de los artistas pop, Eduardo Costa, Raúl Escari y Roberto Jacoby buscaron analizar los mecanismos de la televisión, poner en evidencia el poder de los medios en la construcción de la realidad e imaginar nuevos modos de participación. Así, el Happening para un jabalí difunto –en el que participaron Oscar Masotta, Manuel Mujica Lainez, Antonio Gasalla, entre muchos otros– buscó “construir la obra en el interior del medio”. Un informe y una serie de fotos publicitaban un evento artístico que nunca existió. Sin embargo, muchos medios gráficos difundieron la supuesta noticia sin chequear la información.
Una muestra que cautiva más que la tevé, y que, por la cantidad de fotos, grabaciones inéditas, entrevistas e instalaciones hay que recorrer con tiempo.

EL EMIRATO DE QATAR PRETENDE CONVERTIRSE
EN EL NUEVO DUEÑO DE LA CASA CHRISTIE'S




El Gobierno del Emirato de Qatar quiere comprar la mayor casa de subastas del mundo, dentro de su ambicioso plan para afianzarse como un gran destino cultural. “Si se presenta la oportunidad, no lo dudaríamos", dijo el emir Al Thani al Financial Times.
"Estamos construyendo un nuevo museo y Christie´s tiene ver con lo que estamos coleccionando", explica el jefe del estado más rico del Golfo Pérsico, que tiene 58 años, y dirige con pulso firme un proyecto encaminado a sustituir el actual monocultivo petrolífero del país.
El jeque Hamad Al Thani explicó al diario londinense que no está interesado en seguir el camino de otros gobernantes de la zona, empeñados en costosos planes de rearme, aunque no niega su preocupación por lo delicado de la situación estratégica en la región.
Qatar es el mayor exportador de gas licuado del planeta, y ahora podría aprovechar el impulso de su nuevo Museo de Arte Islámico para adquirir una empresa que factura muchos millones de euros en ventas cuyo destino final es el propio emirato.

Fuente: noticiasarteselección.com

ESPAÑA CONMEMORA EL BICENTENARIO
DE LAS REPÚBLICAS IBEROAMERICANAS
CON UNA GRAN EXPOSICIÓN
EN EL PALACIO REAL Y EN EL PRADO



Vista nocturna de los Jardines de Sabatini, junto a la fachada norte del Palacio Real, de Madrid, España.

Casi medio centenar de instituciones han aportado su colaboración para que sea posible la exposición que estos días ilustra en Madrid la relación entre España y sus virreinatos de América durante los siglos XVI y XVII. Es la primera vez en la Historia que se reúnen unas obras que se realizaron a uno y otro lado del océano para una monarquía mundial, con una sola religión y un mismo idioma, aunque lo verdaderamente valioso es su “lenguaje común”, tal como ha subrayado John Elliott, autor del ensayo introductorio que ofrece el catálogo de la exposición.
‘Pintura de los Reinos' es una muestra "reveladora" de un camino artístico que “comenzó en Amberes para acabar en Potosí", según explica el profesor Jonathan Brown, una de las grandes autoridades en pintura del Siglo de Oro, y comisario de esta exposición.

Fuente: noticiasarteseleccion.com

ATAQUE A NAVAJAZOS
CONTRA UNA OBRA DEL SIGLO XVII EN BILBAO



Los expertos del Museo Guggenheim Bilbao se esfuerzan por reparar los daños causados por un perturbado al cuadro ‘Booz recibe la herencia de Elimelec’, que formaba parte de una exposición dedicada a la Edad de Oro del Arte holandés y flamenco, y que procede del Städel Museum de Fráncfort. El autor del incalificable hecho, que estudia Bellas Artes, fue puesto en libertad el mismo día en que se produjo el atentado.

Fuente: noticias arteseleccion.com