VUELVE EL MAMBA, CON NUEVO ESPLENDOR

Uno de los museos más importantes del país / Alberga 7.000 obras y tendrá más del doble de superficie.
Tras permanecer cinco años cerrado al público, el edificio de la avenida San Juan abrirá sus puertas el jueves con dos exposiciones.

Una de las amplias salas de exhibición que el público podrá recorrer a partir del jueves. Foto Maxie Amena

Laura Casanovas
LA NACION

Ingresar en el remodelado y ampliado edificio del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Mamba) produce algo muy parecido a la felicidad. No sólo por la magnitud de la obra, sino también porque, como todo museo, es sinónimo de un patrimonio compartido. Y porque después de cinco años cerrado, vuelve al ruedo un protagonista clave del circuito cultural porteño y nacional.
La esperada reapertura del Mamba tendrá lugar el próximo jueves en la misma sede del anterior, en la Avenida San Juan 350. La Nacion recorrió ayer, de manera exclusiva, junto con el ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, y la directora del museo, Laura Buccellato, el nuevo edificio, que se basa en un proyecto del consagrado arquitecto argentino Emilio Ambasz.
En principio, el público podrá recorrer 3800 m2 del total de 11.350 m2 -más del doble del viejo edificio- que tendrá el museo cuando finalice toda la obra, que se estima estará concluida a mediados de 2012. En esta primera etapa, se habilitarán dos grandes salas de exposición, de un total de siete.

La fachada del edificio

Creado en 1956 por iniciativa del crítico de arte Rafael Squirru, el Mamba, que depende del gobierno porteño, posee un importante patrimonio de unas 7000 obras de arte argentino e internacional de los siglos XX y XXI. Buccellato señaló que las nuevas instalaciones del museo verifican las normas sugeridas por el Consejo Internacional de Museos (ICOM, por sus siglas en inglés).
Hasta el momento, la obra demandó una inversión de 58 millones de pesos, precisó Lombardi, e insumirá unos 27 millones más. Fue ejecutada por el ministerio de Desarrollo Urbano, con la supervisación del ministerio de Cultura porteño. Además, Lombardi dijo que se ampliará el presupuesto operativo del museo.

Los últimos controles

En las dos salas que podrá visitar el público a partir del jueves, se presentarán dos muestras. En la planta baja, con el título Narrativas inciertas, se ofrecerá un interesante panorama de obras de reconocidos artistas jóvenes argentinos, como Sebastián Gordín, Leandro Herlich, Nicola Costantino, Dino Bruzzone. Con la curaduría de Buccellato y Valeria González, las obras de esta exposición fueron hechas especialmente para esta oportunidad.
Por otra parte, en la sala del primer piso se despliega El imaginario de Ignacio Pirovano, con la curaduría de Cecilia Rabossi, con obras, entre otras, de la destacada colección Pirovano que atesora el museo, de referentes de la abstracción de nuestro país y del ámbito internacional, como Paul Klee, Julio Le Parc, Henri Matisse, Juan del Prete.

Varias etapas

A esta primera etapa de reapertura, le seguirán otras, en las que se irán habilitando los demás espacios. Hacia el final, las cinco plantas del Mamba albergarán las salas de exposición, los depósitos, la biblioteca, las oficinas, los talleres, el patio de esculturas, el auditorio para 240 personas, la confitería, la tienda, y más.
En 1998, el gobierno porteño aceptó el anteproyecto de Ambasz para rediseñar y ampliar el Mamba. En junio de 2005, la institución cerró sus puertas para comenzar las obras. Sin embargo, éstas comenzaron un año después y se aceleraron más adelante.

Una de las obras de la muestra Narrativas inciertas

Durante 2007, el museo funcionó temporariamente en el Palacio de Correos. Las obras atravesaron no pocas dificultades y dilaciones durante las gestiones de Aníbal Ibarra y Jorge Telerman. Hacia fines de 2007, el patrimonio fue trasladado a la Casa de la Cultura y a un inmueble del gobierno porteño en la calle Alsina, ambos especialmente acondicionados, donde aún permanece.
Ayer, la palabra en común de Buccellato y Lombardi al referirse a la reapertura del Mamba fue "alegría". Una emoción que seguramente el jueves compartirá el público cuando, a las 20, una intervención artística sobre la fachada del edificio sea la señal de esta ansiada reapertura.

UN NUEVO PASO PARA SALVAR AL YAGUARETÉ

Planean reintroducirlo en una zona del Iberá, en Corrientes. Allí, las crías crecerán sin contacto humano. En el país quedan menos de 150 ejemplares.

ASI SE LOS ESTUDIA. EN IGUAZU, LES PONEN RADIOCOLLARES PARA MONITOREARLOS.

Por Sibila Camps

Hace dos siglos, el yaguareté vivía en gran parte del país, hasta el río Negro, y cazaba entre los altos pastizales de la pampa húmeda. Hoy quedan menos de 150 ejemplares en estado salvaje , lo que justifica el ambicioso proyecto encarado por la Fundación CLT para reintroducir al felino en Corrientes, específicamente en el Iberá .
En esa provincia, el último ejemplar fue visto y muerto en 1953 . Al igual que en el resto del país, las poblaciones fueron extinguiéndose a causa de la caza y de la desaparición de su hábitat, reemplazado por la ganadería y la agricultura.
Parte esencial de la cultura del norte argentino –su nombre tiene origen guaraní–, aparece como protagonista de numerosas leyendas, cuentos y canciones. Sin embargo, han sido los mitos negativos los que contribuyeron a diezmarlo: la creencia de que ataca a las personas –cuando en los últimos 50 años no causó ninguna muerte –; y el temor de que mate al ganado, algo que sí es factible, pero también evitable.
Los estudiosos de este gran carnívoro están convencidos de que la reserva Rincón del Socorro, de CLT, contigua a la Reserva Natural Iberá, es el lugar ideal para iniciar su reintroducción, una experiencia que no tiene antecedentes para esta especie en Sudamérica ni en América Central. “Hay mucho hábitat, con muchas presas : son entre 300.000 y 400.000 hectáreas sin ganado, y donde vive muy poca gente”, resume Ignacio Jiménez Pérez, coordinador del Programa de Recuperación de Especies Amenazadas en Iberá para CLT.
“Iberá es perfecto, porque se han creado grandes áreas de reservas, donde hay pocas situaciones conflictivas ”, coincide el investigador del Conicet Mario Di Bitetti, uno de los principales especialistas del mundo en esta especie. Allí se alimentaría de carpinchos, ciervos de los pantanos, guasunchos y yacarés, ya que es uno de los pocos felinos acuáticos. Será beneficioso para la fauna, sostiene el biólogo, ya que hay superpoblación de carpinchos, y el yaguareté preda sobre todo los animales enfermos y débiles.
“El conflicto es más simbólico que real”, sostiene Jiménez Pérez. El año próximo se trabajará con intensidad para convocar a los mayores expertos nacionales e internacionales, para diseñar este proyecto que, admite, llevará como mínimo diez años . Una encuesta mostró una altísima predisposición favorable de la población local a tener al gran felino viviendo en Corrientes.
Jiménez Pérez –quien ya ha dirigido la exitosa reintroducción en Iberá de osos hormigueros gigantes y venados de las pampas–, estuvo este año en Sudáfrica, estudiando experiencias similares. “Allí, los estancieros están pidiendo que saquen el cerco a los parques nacionales, porque les resulta mejor negocio poner un hotel y organizar excursiones, que criar ganado”.
Los yaguaretés a ser reintroducidos no serán los cautivos –al menos 36 en el país–, sino las crías. Se espera el aporte de los zoos para ir soltando a una pareja o a una hembra preñada en un corral de caza de 10 a 20 hectáreas, en su futuro hábitat. “El instinto de caza es muy fuerte en los grandes carnívoros: se les larga presas pequeñas, no se les da de comer todos los días, y pronto aprenden a cazar –cuenta Jiménez Pérez–. Luego, la madre enseñará a las crías”.
Éstas crecerán monitoreadas de cerca, pero sin contacto con personas. Al llegar a la adultez, los animales serán trasladados a corrales más pequeños, ya en el área definitiva, para retirar las cercas cuando estén listos para su liberación completa. La intención es comenzar con hembras y usarlas como “ancla”, ya que su territorio de campeo es menor que el de los machos, lo que reducirá la probabilidad de conflictos. De todos modos, se espera consensuar con las autoridades un mecanismo ágil para resarcir por eventuales pérdidas de ganado .
A largo plazo, los yaguaretés nacidos en libertad dispondrán de 1,3 millón de hectáreas de toda la Reserva Natural Iberá, “donde ya hay algo de ganado, pero muy poca gente. No es una locura –subraya Jiménez Pérez– al ver lo hecho en otros países, uno ve que es posible”.

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Fuente: clarin.com

PUBLICA LA RAE SU NUEVO MANUAL DE ORTOGRAFÍA

Cambios en la lengua / Tras una encendida polémica
La Real Academia Española eligió presidente a José Manuel Blecua

La obra fue presentada ayer. Foto EFE

Adrián Sack
LA NACION

MADRID.- La flamante edición de la Ortografía de la Lengua Española saldrá hoy a la venta con novedades importantes para el uso correcto del idioma y tras no pocas y encendidas polémicas. El nuevo manual, que reemplaza al publicado en 1999, no fue el único hito surgido ayer de los elegantes salones de la Real Academia Española (RAE): luego de una semana de suspenso, el filólogo José Manuel Blecua fue consagrado director de la entidad por mayoría absoluta.
La nueva Ortografía, que establece, entre otras cuestiones, que palabras como "truhan" o "guion" estarán mal escritas si se les coloca tilde, llegará a los países hispanohablantes la próxima semana.
Blecua, académico de 71 años, se ha destacado por su abundante obra relativa a la historia de las ideas lingüísticas en España, pero en su elección también influyeron sus conocimientos y estudios sobre la aplicación de las nuevas tecnologías al estudio de la lengua, que se ajusta a la pretensión de la RAE de promover el uso correcto del idioma en un mundo signado por el avance de la informática y las telecomunicaciones. Experto en fonética y fonología, Blecua reemplazará a partir del 12 de enero a Víctor de la Concha, que dejará la conducción de la prestigiosa casa fundada en 1713 luego de tres períodos consecutivos de cuatro años cada uno.
No obstante, la publicación de la nueva edición de la Ortografía de la Lengua Española fue lo que concentró la mayor atención, especialmente después del "indulto" a la i griega y a la ve corta, que en las últimas semanas habían sido dadas por desaparecidas por una errónea interpretación de la parte de la prensa española e internacional. Ayer, los especialistas remarcaron que el cambio de nombre de esas letras es "sólo" una propuesta y "de ninguna manera" una imposición.
La Academia sí fue más rigurosa en la transcripción de las palabras de origen extranjero, cuya correcta escritura en el idioma español deberá ser adaptada. Así, deberá escribirse "mánayer" en lugar de manager, "pirsin" en vez de piercing y el normalmente aceptado judo deberá adoptar la versión más castellana: yudo. En cambio, si se decide aludir a un término extranjero sin alterar su escritura original, éste deberá ser escrito en bastardilla. Es decir, si se desea aludir a una persona con atractivo sexual y el escritor desea usar el vocablo en su forma inglesa el sujeto de referencia pasará a ser sexy.
Por otra parte, la nueva edición también echó luz sobre la utilización de las mayúsculas y las minúsculas, que es uno de los campos en el que los lectores albergan mayores dudas.
Una de las principales novedades radica en que los sustantivos que designan títulos nobiliarios, dignidades y cargos o empleos deberán escribirse con minúscula inicial, por su condición de nombres comunes. Esto se aplica tanto a los usos genéricos como a la referencia a las personas concretas, por lo que el rey, el papa y el presidente pasarán a escribirse con minúscula. Sólo será admisible el empleo con mayúscula inicial cuando el tratamiento no es seguido del nombre propio de la persona a la que se refiere (el Rey ofrecerá un discurso), pero el título deberá escribirse con minúscula inicial cuando esté acompañado del nombre propio (el rey Juan Carlos I).

UN ARTISTA MUY JOVEN REPRESENTA AL PAÍS EN LA BIENAL DE VENECIA

BARRO. LA OBRA “MI FAMILIA MUERTA”, QUE VILLAR ROJAS PUSO EN USHUAIA.

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

Después del enigma, se hizo la luz: ayer se anunció en Cancillería quiénes integrarán el envío argentino del año próximo a la 54ª edición de la Bienal Internacional de Venecia, que empieza en junio y es la muestra de arte más importante del mundo. Los elegidos por la embajadora Gloria Bender son el curador Rodrigo Alonso y el muy joven artista Adrián Villar Rojas.
Nacido en 1980, este rosarino viene conmoviendo al mundo del arte local e internacional con mucha fuerza. De hecho, el famosísimo curador suizo Hans Ulbrich Obrist, top de lo top en arte contemporáneo, cobija bajo su ala a Villar Rojas. Vestido de sencilla remera blanca y cabellos atados con una colita, el artista ayer agradeció la confianza, prometió “trabajar mucho” y se llamó a silencio.
“En los 60´ los artistas que representaban a Argentina en la Bienal eran los jóvenes Macció y Lamelas, por ejemplo”, explicó Alonso. “Lamelas representó a la Argentina con sólo 24 años. Elegir ahora a Villar Rojas es volver a apostar por un artista joven pero con trayectoria reconocida. Es pensar en una puerta abierta al futuro.” Villar Rojas se especializa en instalaciones efímeras dentro de un espacio determinado, sobre todo utilizando arcilla o barro sin cocer. Las realiza in-situ. Por eso es especialmente importante esta vez el espacio que Argentina va a ocupar dentro del predio de la Bienal en el 2011 (ver Una ubicación...).
Un ejemplo de sus tremendas obras hechas en barro crudo fue la ballena de cinco metros de largo construida en el bosque Yatana de Ushuaia, en ocasión de la II Bienal del Fin del Mundo (2009).
Sin dudas, el joven es uno de los artistas argentinos más creativos que surgieron en las últimas décadas, gracias a su enorme imaginario; a su elección de unos materiales humildes donde importa más lo que dice que los medios con que lo dice; y gracias a su gran poesía. Ella, sobre todo, marca una diferencia: no abunda entre los artistas plásticos de las generaciones jóvenes e intermedias, concentrados en la tecnología y en aspectos formalistas de sus obras.

Fuente:clarin.com

EL CENTRO CULTURAL RECOLETA FESTEJA SUS 30 AÑOS JUNTO A SUS HACEDORES

Un ícono porteño / Los artistas recuerdan sus comienzos
Hoy abre al público una muestra con obras de Clorindo Testa, Luis Fernando Benedit y Jacques Bedel

A la izquierda, Bedel, Testa en el centro y, a la derecha, Benedit, en 1980.

Foto GENTILEZA CENTRO CULTURAL RECOLETA

Laura Casanovas
LA NACION

Hace tres décadas fueron los responsables de la obra arquitectónica que le dio origen. A partir de hoy, a las 19, la institución festejará su 30° aniversario con una exposición de esos tres grandes realizadores: Clorindo Testa, Luis Fernando Benedit y Jacques Bedel.
En diciembre de 1980, el Recoleta abrió sus puertas a la experimentación artística en un espacio remodelado por los tres artistas/arquitectos, que le dieron nueva función a un edificio que constituye una de las construcciones más antiguas que se conservan en la ciudad, que en el siglo XVIII había pertenecido a los frailes Franciscanos Recoletos y que luego se convirtió en un asilo de mendigos.
Para este aniversario, "era indispensable convocar a los tres geniales artistas que lo diseñaron", señaló Claudio Massetti, director del Recoleta, institución que pertenece al gobierno porteño. Reunidos por La Nacion, Testa, Benedit y Bedel recordaron la obra que los convocó como arquitectos, en un diálogo en el que el humor y el recuerdo se desplegaron en dosis parejas. "Fue una obra interesante, divertida arquitectónicamente, creo que nos llevamos bastante bien", comentó Benedit.
Hace treinta años, los tres posaron para una serie de fotografías en distintas partes del edificio. "Cuando veo la foto de aquella época lo primero que pienso es ¿y éstos quiénes son? Después me doy cuenta de que somos nosotros", comentó Testa con su habitual jovialidad.
En tanto, Bedel señaló: "Este edificio fue uno de los primeros que se hicieron como restauración, pero no histórica, sino con intervención de ideas contemporáneas, cosa que no tenía muchos antecedentes en esa época. Fue un desafío". También recordó que el Recoleta irrumpió en la escena cultural porteña como un espacio de experimentación artística y de propuestas nuevas que le daba oportunidades a la gente joven desde un ámbito oficial, lo cual era novedoso.
Testa rememoró el llamado que recibieron del entonces secretario de Cultura, Ricardo Freixá, para realizar la obra, debido a que los tres eran arquitectos y artistas. Nunca habían trabajado juntos como arquitectos, pero sí como artistas. Como integrantes del Grupo CAYC, en 1977 habían ganado el Gran Premio de la Bienal de San Pablo.
"Cuando nos convocaron para la obra del Recoleta fue un desafío y un honor, e hicimos el anteproyecto ad honorem ", dijo Bedel. Si bien no volvieron a realizar juntos otra obra arquitectónica, continuaron vinculados en el campo de las artes visuales. En cuanto a los roles durante la construcción del centro, Benedit comentó con humor: "Clorindo llegaba más temprano y lo agarraban a él primero. El era el bueno y yo el malo". En tanto, Bedel agregó en sintonía: "Yo era el jamón del sándwich, hacía de amortiguador entre las dos versiones".
Testa+Bedel+Benedit es la exposición de obras que, hasta el 20 de febrero, se exhibirá en la sala Cronopios del Recoleta (Junín 1930). Una selección que ofrece trabajos de distintas etapas de cada uno de los artistas, a lo largo de estos 30 años. Si bien sus propuestas artísticas son diferentes, hay elementos que los unen, como ellos mismos señalan: una forma parecida de pensar, una constante renovación, y ganas de seguir generando ideas y propuestas.

REABRE EL AUDITORIO

* A la inauguración de la muestra de Testa, Bedel y Benedit, por los 30 años del Centro Cultural Recoleta, se sumará hoy la reapertura del auditorio El Aleph que posee esa institución, cuya obra estaba detenida desde 2007. El año pasado, el gobierno porteño firmó un convenio con la Universidad Maimónides, por el cual esta última institución colaboró en la restauración y puesta en valor del auditorio, con capacidad para 150 espectadores. Se restauraron los techos, repararon paredes y ventanales de vidrio. La tarea de la Asociación Amigos del Centro Cultural Recoleta posibilitó además que se cambiaran las butacas, el alfombrado y se reconstruyera el escenario.

Fuente: lanacion.com

CON LOS MEJORES DESEOS...

Hans Memling, 1433-1494, La Adoración de los Magos, 1470, Museo del Prado, Madrid

MUY FELIZ NAVIDAD

Y

UN 2011 LLENO DE COSAS BUENAS:

SALUD, PAZ, TRABAJO...

..................................................................Un abrazo,

............................................................................................Pedro Baliña

...Dic. 2010

...www.puesta-en-valor.com

...www.puesta-en-valor.blogspot.com

ALGO SOBRE LA MILENARIA ESCULTURA CHINA

La escultura china tiene origen milenario, pero a diferencia del resto de las artes (sobre todo en el arte de la pintura y la literatura) poco se sabe sobre los autores de las grandes esculturas que hoy en día yacen a lo largo de todo China. Esto se debe a que los escultores eran considerados de clase muy inferior, y por este motivo no eran mencionados en los libros y documentos históricos.
Las esculturas chinas por lo general se relacionaban con la religión y los próceres tanto verdaderos como ficticios, encontrándose en su gran mayoría dentro de templos budistas y taoístas y como también se manifestaban coronando los mausoleos. Una característica típica de las esculturas chinas, es la enfatización de las vestiduras de los personajes, marcando una gran diferencia con respecto a la escultura tradicional occidental. Los mejores ejemplos se encuentran en las grutas de Longmen, Yungang, y Dazu.
A lo largo de todo el país se pueden apreciar numerosas esculturas de Buda, reflejando las fuertes influencias provenientes del Tíbet y la India. Éstos poseen rasgos finos, con miradas distantes y misteriosas, otorgándoles mas misticismo a la obra. Pero a lo largo del tiempo, sus características fueron cambiando, siendo mas influenciadas por el arte chino, a partir de los siglos VII y VIII, donde comienzan a aparecer esculturas de budas con mayor expresión, alegría y reales, con líneas mas curvas y formas blandas.
Sin duda alguna, las esculturas chinas mas conocidas en todo el mundo, son las que se encuentran en Xi´an, más conocidas como los soldados de terracota de la dinastía Qin.

Fuente:absolut-china.com

POR LEY, NO PODRÁN DEMOLER LA CUADRA NI LA IMPRENTA

También se prorrogó la protección de edificios de valor histórico

El frente y la entrada de La Cuadra

La Legislatura porteña aprobó anoche una serie de medidas de protección patrimonial de distintos edificios de la ciudad. Entre ellas, una iniciativa para impedir que se demuela el antiguo stud donde funciona la galería comercial La Cuadra, en la zona de Las Cañitas.
La iniciativa fue del legislador Bruno Screnci (Pro), que propuso catalogar con nivel de protección estructural al inmueble de La Cuadra (Jorge Newbery 1651, Palermo), de modo que en la propiedad sólo puedan efectuarse modificaciones muy menores. También se sancionó un proyecto de declaración de la peronista Silvina Pedreira para solicitar al gobierno local que no otorgue permisos de demolición ni para La Cuadra ni para el vecino inmueble de La Imprenta.
En febrero pasado, la firma Churba-Friedman, propietaria de La Cuadra, presentó los planos de un proyecto para construir en el predio un edificio de 14 pisos. La Subsecretaría de Planeamiento Urbano, a cargo de Héctor Lostri, lo giró al Consejo Asesor de Asuntos Patrimoniales (CAP) para que analizara el diseño. El CAP determinó que debido a las modificaciones estructurales que ya había sufrido había dejado de representar un lugar de valor histórico y no quedaba dentro de la protección prevista por ley.
Cuando la noticia de la demolición en ciernes se hizo pública, vecinos e integrantes de asociaciones que velan por la protección de edificios de valor histórico en los barrios se movilizaron para salvar el complejo La Cuadra-La Imprenta. La Legislatura, ayer, resolvió en su favor.
También se aprobaron las iniciativas de los diputados radicales Rubén Campos y Claudio Presman, que pidieron al gobierno porteño que suspenda la autorización conferida para proceder a la demolición de los edificios, y un pedido de informes para que remita los argumentos técnicos en que se basó para determinar que estos inmuebles perdieron valor y justificar su decisión de demolerlos.

Inmuebles con historia

La Legislatura sancionó, además, la iniciativa del diputado Martín Hourest (Igualdad Social) que extendió por un año la protección a los inmuebles cuyos planos sean anteriores al 31 de diciembre de 1941 o cuyo año de construcción asentado en la documentación catastral sea anterior a esa fecha, representativos del patrimonio edilicio histórico.
La prórroga de la ley que regía hasta fines de este mes comprende los inmuebles de propiedad pública o privada que se encuentren incluidos en el inventario de la Subsecretaría de Patrimonio Cultural porteña en la categoría Edificios Representativos y cuyo valor patrimonial no haya sido evaluado al momento de la publicación de la ley.
Otra medida que también se votó ayer fue una incorporación al Código de Planeamiento Urbano y al Código de Edificación de un régimen normativo que contempla la recuperación de edificios preexistentes a la puesta en vigor del código, de 1977. El objetivo es mejorar las condiciones de habitabilidad urbana general fomentando la renovación edilicia.
La medida alcanzará a un conjunto de edificaciones que tienen un valor edilicio importante y representan un valioso capital económico para la ciudad, pero que no han sido calificadas como patrimonio histórico o cultural.
Otros inmuebles alcanzaron protección patrimonial. Por propuesta del diputado Patricio Di Stefano (Pro), se catalogó con distintos niveles de protección a más de treinta inmuebles realizados por el arquitecto Alejandro Bustillo en Balvanera, Recoleta, Retiro, San Nicolás y Montserrat.
Y por iniciativa del diputado Sergio Abrevaya (CC) se sancionó la protección cautelar del ex cine Gran Rivadavia, construido en la década del 50, situado en Floresta.

Fuente: lanacion.com

CON MÁS PROTECCIÓN PATRIMONIAL, AMPLIARON EL CASCO HISTÓRICO

Con más protección patrimonial, ampliaron el Casco Histórico
También se votó la prórroga a la ley que protege a los edificios anteriores a 1941.

Por Daniel Gutman

La Legislatura aprobó ayer un paquete de leyes tendientes a proteger el patrimonio arquitectónico de la Ciudad de Buenos Aires. Fue en medio de una sesión –la última del año del período ordinario– con clima enrarecido por los hechos de violencia del sur de la Ciudad.
Una de las normas prorrogó la protección de los edificios más antiguos de la Ciudad y otra amplió el casco histórico a la zona de la City porteña. Al cierre de esta edición los legisladores se aprestaban a aprobar una ley para impedir la demolición de La Cuadra, el antiguo stud de estilo francés, y el edificio contiguo, La Imprenta, en Palermo.
Por un lado se votó prórroga por un año más de la norma que actualmente protege todos los edificios anteriores a 1941, cuya vigencia iba a quedar sin efecto el 31 de este mes. Esta ley dispone que aquel propietario que pretenda demoler un inmueble con más de 70 años debe pasar por el filtro de un dictamen de un Consejo Asesor de Asuntos Patrimoniales (CAAP), integrado por organizaciones públicas y privadas.
En cuanto al Casco Histórico, los diputados decidieron proteger la zona de la City porteña , entre Plaza de Mayo y Plaza San Martín. Así, se prohibirá demoler edificios históricos y se limitarán la altura y la forma de los que se construyan. La norma es de doble lectura, por lo que, para entrar en vigencia, deberá ser ratificada por los diputados en una nueva votación.
Hasta hoy, el casco histórico de Buenos tiene unas 60 manzanas. Los límites son Rivadavia, desde Riobamba hasta el Bajo, luego Paseo Colón hasta el Parque Lezama incluido, Defensa hasta Caseros, y luego por Perú hasta Avenida de Mayo. Incluye el centro de San Telmo y Monserrat.
Luego de que en los últimos años varias organizaciones vecinales protestaran contra el avance de la construcción de torres, y puntualmente contra el peligro de que se pierda parte del patrimonio de la Ciudad, la Legislatura empezó a estudiar modificaciones.
La iniciativa aprobada creó la zona “APH Catedral al Norte”, unas 34 manzanas desde Rivadavia hasta Plaza San Martín y desde Florida hasta Leandro N. Alem. “Esta zona incluye a unos 200 edificios con valor histórico.
¿Qué implica declarar un Area de Protección Histórica? Por un lado, protege a los edificios con valor patrimonial, en tres diferentes grados: protección Cautelar (se pueden hacer remodelaciones pero no tocar la fachada, por ejemplo), estructural (se permiten sólo cambios menores, como arreglos en las carpinterías), o integral (no se lo puede alterar, como pasa con el Cabildo).
Pero también pone fuertes limitaciones para las nuevas construcciones. En primer lugar, ningún edificio podría superar la altura del de valor histórico que haya en esa cuadra. Esta sola medida ya desalienta que los desarrolladores inmobiliarios quieran invertir en la zona. Por otra parte, las construcciones nuevas deberían respetar la estética, las líneas constructivas de los edificios antiguos, por ejemplo no podrían hacer balcones corridos. Pero además se restringirían otras cuestiones: se prohibiría que los comercios tuvieran marquesinas, o se obligaría a que las “cajas” de los servicios sean soterradas.
La sanción de la Legislatura fue de “primera lectura”. Como se trata de modificaciones al Código de Planeamiento, la ley obliga a realizar una audiencia pública y luego una segunda sanción.

Fuente: clarin.com

HALLAZGO ARQUEOLÓGICO:ENCONTRARON EN CHINA UNA OLLA CON SOPA DE HACE 2.400 AÑOS

Un equipo de arqueólogos chinos descubrió una sopa de 2.400 años de antigüedad en el interior de un recipiente de bronce hallado en una tumba de la primera capital de la civilización china, Xian, en el noroeste del país.
El diario oficial “China Daily” recogió ayer el hallazgo del Instituto Arqueológico de la provincia de Shaanxi, cuyo equipo descubrió la sopera en el interior de una tumba del periodo de los Estados Combatientes (475-221 a.C.) en el lugar donde se está construyendo la segunda fase del aeropuerto capitalino de Xianyang.
“Es la primera vez que los arqueólogos chinos desentierran una olla con una sopa de huesos en su interior”, señaló el arqueólogo jefe del yacimiento, Liu Daiyun, al diario.
Liu explicó que en total hallaron tres recipientes. El que contenía la sopa de huesos de animal tenía tres patas, mientras que otro contenía un líquido inodoro que creen era un tipo de vino en la antigüedad. Con el paso del tiempo, la sopa ha adquirido el tono verdoso del cardenillo, la pátina tóxica que se forma en las superficies de bronce.
La sopera tiene una altura de 20 centímetros y un diámetro de 24,5, señaló Liu, y tanto este como los otros dos recipientes fueron enviados al laboratorio del instituto para su preservación en cuanto fueron desenterrados.
Los científicos examinarán el contenido para determinar a qué tipo de animal pertenecen los huesos y la composición del líquido,que creen es vino. En una tumba adyacente, el equipo descubrió recipientes similares rotos y restos de costillas de vaca.
Según el estilo de las tumbas y los artefactos descubiertos en su interior, los arqueólogos creen que su ocupante era un funcionario de alto rango o un familiar del rey Qin, ya que la tumba se encuentra ubicada a unos 300 metros del mausoleo real.

Fuente: clarin.com

ARQUITECTOS Y ARTISTAS DEL RECOLETA

El frente y la entrada del Centro Cultural Recoleta.

Por Bárbara Alvarez Plá

El Centro Cultural Recoleta –ubicado en Junín 1930– cumple 30 años. En tres décadas de camino sinuoso forjó un espacio de exhibición y experimentación artística. Convento en sus orígenes y asilo de ancianos, después; fue remodelado a finales de la década de 1970, por orden de la entonces Intendencia Municipal de Buenos Aires, con el objetivo de hacer de él un lugar que diese cabida a todos los museos de la ciudad.
Para festejar el aniversario se realiza una exhibición en honor a los 3 arquitectos que ganaron el concurso para llevar a cabo la remodelación de este predio, de 18.800 metros cuadrados: Clorindo Testa, Jacques Bedel y Luis Benedit. Los tres –además– son reconocidos artistas plásticos y –por aquellos años– pertenecían al vanguardista Grupo de los 13.
La muestra, que conmemora aquella puesta en valor del histórico edificio, se inaugura el martes en la sala Cronopios del centro cultural y lleva por consigna “Testa, Bedel Benedit, 30 años del CCR” . Esta selección de planos, dibujos, fotos y bocetos de la obra arquitectónica, sumados a pinturas y piezas varias del famoso trío, podrán verse hasta febrero próximo. “La mayoría de las obras que se exhiben son contemporáneas y en ellas puede captarse el espíritu que han tenido cuando diseñaron este espacio: son artistas muy preocupados por los antecedentes literarios, y sobre todo históricos; por las bases culturales de nuestro país”, señaló el curador de la exposición, Renato Rita en declaraciones a Télam.
Las obras de los arquitectos y artistas se entretejen y facilitan una mirada común. De Testa, se aprecian decenas de pequeños atriles de color, junto a sus esculturas. De Bedel, sobresalen sus pinturas con lejanos horizontes y nubes negras hechas en PVC, que parecen unidos a los dibujos a lapiz sobre papel, o carbonillas sobre tela de Benedit. De él también se exhiben sus sillas hechas con huesos de vaca o caballo.

Fuente: clarín.com

QUINQUELA, DE LA BOCA A RECOLETA

CONSTRUCCION DE DESAGÜES. EL MURAL DE QUINQUELA MARTIN QUE BRILLA EN UN EDIFICIO EN EL QUE VIVIO MARCELO T. DE ALVEAR.

Por Eduardo Parise

La imagen ocupa más superficie que alguno de los tantos departamentos que hay en la Ciudad: mide siete metros de alto por nueve de ancho. Es decir: 63 metros cuadrados. Y aunque está en un lugar público es casi desconocida para propios y extraños que, como diría la porteñísima Eladia Blázquez, cada día gastan en Buenos Aires las suelas, los miedos y el traje. Fue concebida bajo el título “Construcción de desagües” y es otro de los importantes trabajos que el gran Benito Quinquela Martín (1890-1977) legó al patrimonio cultural de los argentinos.
Ubicada en un marco digno de a su magnitud (el descanso de una monumental escalera del hall principal del edificio de Marcelo T. de Alvear 1840) fue pintada en 1937 aplicando óleo a pincel sobre diecisiete paneles de un aglomerado celulósico que luego fueron unidos sobre un soporte rígido.
En ese trabajo, el brillante artista que nació, vivió y murió en el barrio de La Boca, quiso rendir un homenaje a aquellos obreros que con su esforzada tarea construían los desagües de la Ciudad, una obra clave en la sanidad de cualquier lugar del mundo. Entonces, con su ojo acostumbrado a ver y reflejar con claridad el esfuerzo de los trabajadores, Quinquela Martín volvió a poner en imágenes algo tan valioso como es la cultura del trabajo.
Actualmente, el edificio pertenece al Poder Judicial de la Nación, donde funcionan distintos juzgados. Pero detrás tiene mucha historia. Destacándose en una de las ochavas del cruce de Marcelo Torcuato de Alvear con la avenida Callao, fue residencia de esa figura del radicalismo y ex presidente de la República entre 1922 y 1928. Dicen que aquella residencia monumental, acorde con la prosapia de su dueño, sirvió para albergar a grandes personalidades internacionales que fueron recibidas allí por Alvear y su esposa Regina Paccini, una artista que, entre otras obras, fue la promotora de la creación de la Casa del Teatro.
Después, el edificio pasó a Obras Sanitarias de la Nación, que instaló allí sus oficinas centrales. Inclusive, el escudo ornamental de esa empresa puede verse aún en su fachada principal. La privatización, que se produjo en 1993, hizo que recién en 2006 aquella espectacular residencia volviera a quedar bajo la órbita pública. En ese momento, la obra de Quinquela Martín mostraba un deterioro alarmante, máxime tratándose de un bien único e irremplazable. Entonces, un acuerdo entre AySA (la empresa continuadora y heredera de Obras Sanitarias), el Ministerio de Economía y Finanzas Públicas y el Poder Judicial permitió la restauración.
Ahora, “Construcción de desagües” luce como lo hacía en sus mejores tiempos y está a disposición de la mirada de todos aquellos que tengan ganas de pararse al pie de esa gran escalera de mármol y deleitarse descubriendo cada detalle de los esfuerzos que muestra.
Será una manera de descubrir un eslabón más de las cosas de la Secreta Buenos Aires. Esas que están a la vista y que no solemos ver, como suele pasar con los murales que los artistas Juan Carlos Castagnino, Antonio Berni, Demetrio Urruchúa, Lino Enea Spilimbergo y Manuel Colmeiro hicieron en la cúpula central de las Galerías Pacífico, en Florida y la avenida Córdoba. El tema de esos trabajos es “El hombre y los elementos”. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

SE DEVELAN SECRETOS DE LA DÉCADA QUE LOLA MORA VIVIÓ EN ROMA

Artes e historia / Retrato de una Argentina adelantada a su época
La escritora Neria De Giovanni publicó un libro sobre el paso de la escultora por Italia

La Fuente de las Nereidas en la Costanera Sur.

Elisabetta Piqué
Corresponsal en Italia

ROMA.- Pocos saben que un palacete estilo Liberty de la Via Romagna, calle paralela a la Via Veneto, donde hoy un banco tiene su sede, fue durante más de una década la casa-atelier de Lola Mora. Fue la misma escultora argentina, que llegó a esta capital gracias a una beca del gobierno en 1897, a los 30 años, que a principios de siglo diseñó e hizo construir esa residencia en el coqueto barrio Ludovisi de esta capital.
En plena Belle Époque, Lola Mora, bella y exótica mujer venida de tierras lejanas, había conquistado fama y éxito en la ciudad eterna. En su elegantísima vivienda, en la que residió hasta 1914, solía recibir a artistas, nobles y personajes ilustres. Desde su maestro Giulio Monteverde (autor de la estatua de Giuseppe Mazzini que se levanta en la plaza Roma de Buenos Aires y de la estatua de Vittorio Emanuele II del Vittoriano, en Roma) hasta el famoso escritor decadentista Gabriele D'Annunzio y las reinas Elena y Margherita.
Todos ellos admiraban su arte, su coraje y su modo de ser independiente, elegante y atrevido para la época. Para esculpir junto a sus obreros los inmensos bloques de mármol blanco de Carrara, Lola Mora, que seducía a hombres y mujeres, solía usar pantalones -bombachas de gaucho decoradas con encajes de nido de abeja-, algo inconcebible en la época.
"Parece que la reina Elena, durante su visita al atelier, en 1906, quedó decepcionada al haberla encontrado vestida con un elegante vestido de circunstancia y no con el ya famoso atuendo de trabajo."
Esto y mucho más puede leerse en Lola Mora, la Argentina de Roma , un interesantísimo libro escrito recientemente por Neria De Giovanni, crítica literaria italiana y experta en Grazia Deledda (premio Nobel de Literatura en 1926), que revela detalles novedosos de la vida de la artista tucumana (1866-1936).
Lola Mora era una habitué del famosísimo Caffé Greco de la Via Condotti, donde se codeaba con la nobleza romana, que la celebraba. Así como en su patria se la consideraba una persona de costumbres extrañas, quizás amante de hombres poderosos, también en Roma se le atribuían relaciones con figuras de la talla de D'Annunzio y Guglielmo Marconi, inventor de la radio y premio Nobel de Física. D'Annunzio solía llamarla "la argentinita con los cabellos peinados por el viento".
De Giovanni, fascinada por la figura de Lola Mora, en su libro exalta la valentía de una mujer que lograba hacer lo que no lograban los hombres. "Apenas llegó a Roma gracias a una beca, fue al taller del maestro Giulio Monteverde para pedirle que la recibiera como su discípula: «Si usted no me toma, yo me vuelvo a Buenos Aires», lo amenazó, logrando así su cometido. Era una mujer de gran energía, que sabía lo que quería y que podía mantenerse sola, todo un desafío a principios del 900", explicó a La Nacion De Giovanni.
Durante su época romana, en la que se empapó de neoclasicismo y cosechó dinero, fama y éxitos, Lola Mora solía viajar a la Argentina, donde iba levantando los monumentos, siempre de mármol de Carrara, que le iban encargando. Desafiando las reglas, en 1909 se casó con Luis Hernández Otero, el amor de su vida, un hombre 15 años menor que ella.
El peor golpe de su vida fue descubrir, años más tarde, que éste la traicionaba con una pelirroja italiana en el jardín de su lujoso palacete romano. Entonces, a mediados de 1914, cuando el trabajo comenzaba a decaer por la Gran Guerra, decidió abandonar a su marido, su casa de Roma, que tanta fama y gloria le había traído, y la escultura.
De Giovanni -que escribió 36 libros, de los cuales 25 están dedicados a mujeres-, en Lola Mora, la Argentina de Roma también relata cómo después de la traición, ya vuelta a la Argentina, la indómita tucumana no se rindió. Primero intentó producir un sistema cinematográfico para proyectar películas con luz (su idea era evitar que las mujeres fueran acosadas en la oscuridad de los cines) y, más tarde, de encontrar petróleo en el desierto salteño.
Fue el destino que llevó a De Giovanni a bucear en la vida de Lola Mora, un personaje del cual nunca había oído hablar. Todo comenzó hace cinco años, cuando fue invitada por la Universidad de Tucumán para hablar allí sobre Deledda, su pasión, después de haber disertado también en la Feria del Libro.
"De repente, me encontré en medio de una protesta en Tucumán y me refugié detrás de una estatua de mármol que había en una plaza", relató. Se trataba de Libertad, una de las estatuas de mármol de Carrara de Lola Mora.
Acto seguido, para escapar del tumulto, se metió en un banco, donde se encontró con una mujer con la cual enseguida trabó amistad. A través de ella, se enteró de la existencia de Dolores Mora Vega, una mujer extraordinaria, la primera escultora de América latina, autora de la famosa y en su momento escandalosa Fuente de las Nereidas, poco entendida en su momento (murió extremadamente pobre) y sólo recientemente revalorizada.
"Lo que más me llamó la atención era que se trataba de una figra misteriosa, sobre la que se había escrito poco, que se había formado en Italia y que era coetánea de Grazia Deledda: ambas murieron en 1936", destacó De Giovanni.
Aunque lo que la impulsó a meterse en la aventura de investigar, a través de hemerotecas y documentos varios, la vida de Lola Mora fue hallar una foto de 1909 en la que la gran escultora aparece en una foto de grupo junto a Grazia Deledda. "Mora es el anagrama de Roma -concluyó De Giovanni-, y yo tenía que hacer volver a Lola Mora a Roma."

Fuente: lanacion.com

LA LIBRERÍA QUE EN DIEZ AÑOSSE CONVIRTIÓ EN UN ÍCONO DE LA CULTURA

Funciona en un edificio histórico y es la más grande de América latina.

BELLEZA DE USOS MULTIPLES. EL CENTENARIO EDIFICIO ALBERGO EN DISTINTOS MOMENTOS TEATRO, RADIO Y CINE.

Por Romina Smith

Su cúpula, una bellísima inspiración del pintor italiano Nazareno Orlandi, vio pasar a Carlos Gardel y, más acá, a José Saramago, Paul Auster y Mario Vargas Llosa, todos mezclados con otros artistas y escritores, y con una decena de millones de anónimos. Desde que abrió sus puertas, hace más de cien años, el Grand Splendid mutó varias veces en su historia, pero siempre fue de la mano de la cultura y el arte . Supo ser teatro, emisora de radio y cine, pero este mes cumplió diez años como librería . Bautizada desde el 4 de diciembre de 2000 como El Ateneo Grand Splendid, actualmente es la más grande de Latinoamérica y una de las más bellas del mundo.
El edificio, ubicado en Santa Fe 1860, y uno de los más emblemáticos de la Ciudad, fue construido en 1903 para funcionar como teatro, pero empezó a vivir su esplendor a partir de 1919 y llegó a ser monumental para su época. Fue sede de Radio Splendid y de la discográfica El Nacional Odeón a partir 1926. Salvo el período 1964-1973, cuando volvió a ser teatro, se convirtió en uno de los cines más importantes de la Ciudad y, tal vez, el más bello. Lleno de historias y mística, logró resistir varias crisis pero no pudo competir con las grandes cadenas y cerró en 2000 , bajo la amenaza de un futuro incierto.
Que no duró mucho: e se mismo año , la cadena El Ateneo apostó a su historia y en diciembre abrió allí la librería más grande de Latinoamérica, con 2.000 m2 y 250 mil títulos. El edificio fue totalmente restaurado y volvió a ser innovador: su enorme librería sumó una cafetería, un sector con CDs y DVDs, y hasta un enorme subsuelo dedicado a la literatura infantil , una apuesta jugada que dio buen resultado: hoy, el rubro representa entre el 17 y el 20% de las ventas.
La librería ya es un referente cultural de la Ciudad.
“El Splendid se convirtió en ícono, aquí pasó de todo”, dice Jorge González, director comercial de la cadena. ¿Por ejemplo? “Cuando vino Saramago llovía a cántaros y la cola de lectores salía a la calle”, explica. Hay un festejo especial por la década, y también por las buenas noticias: la Grand Splendid fue elegida por la guía de viajes Lonely Planet como la segunda más bella del mundo . Hace dos años, el diario británico The Guardian ya le había dado el mismo galardón. “Cada año superamos el millón de visitante s. Es una feria del libro en una sola librería”, celebran sus dueños.

Fuente: clarin.com

RISAS ARGENTINAS CON ACENTO INGLÉS

FRANK BROWN, 1858-1943

El célebre payaso Frank Brown nació en Brighton, Inglaterra, el 6 de septiembre de 1858. Más conocido como el payaso inglés, este hijo y nieto de payasos que tantas risas provocó entre el público argentino se radicó en Buenos Aires en 1884. Tal vez su sello característico haya sido lanzar golosinas de una canasta a los chicos que estaban en la tribuna al final de los espectáculos, mientras ellos gritaban “A mí, a mí Fran Bran”, llamándolo en un claro y tierno intento de idioma inglés. Las pruebas más conocidas de este acróbata y empresario circense fueron “El lucero del alba” y el “Salto de las bayonetas”, aunque cumplieron su ciclo en 1893, cuando sufrió un accidente que lo llevó a dejar la acrobacia y a especializarse en ser payaso.
Eran pruebas arriesgadas; en la primera iba sobre dos caballos que corrían, mientras él llevaba encima a cinco chiquitos de la compañía. Y el “Salto de las bayonetas”, que lo hacía sin previo ensayo debido a su alto riesgo, consistía en saltar sobre treinta soldados que tenían su bayoneta y cuando él estaba girando en el aire, los soldados disparaban.
Trabajó en el circo de los hermanos Carlo y también con el más famoso payaso criollo, el uruguayo José Podestá, conocido como Pepino el 88. Su vinculación con la familia Podestá fue mucho más allá de lo exclusivamente laboral, ya que se casó con la reconocida ecuyère Rosita de La Plata que había estado casada con Antonio Podestá, uno de Risas argentinas con acento inglés los nueve Hermanos Podestá.

El Teatro Coliseo de Buenos Aires, donde actuó Frank Brown

Brown se dio el gusto de proponerse como candidato durante la campaña electoral de legisladores de 1884 en Buenos Aires a través de un espectáculo en clave de sátira. Este payaso mítico dejó sus recuerdos en muchísimos espectadores que reían hasta las lágrimas con sus presentaciones. En su honor tiene una calle de una cuadra con su nombre en la zona del Bajo Flores, a metros de la Autopista 25 de Mayo. El clown británico modificó su vestuario, originalmente muy colorido, y lo reemplazó por un traje blanco con volados. Los tonos colorado, negro y blanco no desparecieron del todo, sólo cambiaron de lugar y alegraban su imagen desde la pintura de su cara. En 1910 levantó la carpa de su circo para celebrar el Centenario de la Revolución de Mayo en la calle Florida, pero el circo fue
quemado intencionalmente por un grupo de fanáticos que estaban en contra de la presencia de un extranjero en estos festejos nacionales. El mismo Rubén Darío lo elogia en su autobiografía, en la que manifiesta que este clown ha divertido a tres generaciones de argentinos.
También el poeta Raúl González Tuñón le dedicó una de sus obras titulada “A los veteranos del circo”, en la que cuenta que ha probado los chocolatines de Brown y que lo ha visto en los trapecios y trampolines. Murió en Buenos Aires el 9 de abril de 1943 y está enterrado en el sector británico del Cementerio de la Chacarita.

Fuente: Revista Ñ /Clarín

EL PAYASO INGLÉS QUE HIZO REIR EN BUENOS AIRES

El payaso inglés que hizo reír en Buenos Aires

Frank Brown, el payaso inglés que hizo reír en Buenos Aires

Por Eduardo Parise

La calle tiene apenas una cuadra y está en la zona del Bajo Flores. Corre paralela a Mariano Acosta y Pergamino, a metros de la Autopista 25 de Mayo y la avenida Perito Moreno. En los alrededores hay otras calles similares que evocan a distintas figuras históricas como José Martí, Manco Capac o Don Segundo Sombra. Pero la calle aludida al principio tiene otro objetivo: recuerda a un payaso, o clown, como se los llamaba en sus tiempos. Esa calle se denomina Frank Brown.
El hombre había nacido en Brighton, una ciudad balnearia de Inglaterra, el 6 de septiembre de 1858. Y desde el mismo día de su nacimiento su destino estaba marcado: tanto sus abuelos como su padre, Henry Brown, estaban ligados al circo. Por eso Frank no tuvo opción: el mandato estaba en sus genes.
Así, desde los 12 años empezó a recorrer Europa conociendo aquella vida nómada. Y dicen que fue en la Rusia de los zares donde por primera vez se calzó el traje de seda brillante tachonado con lentejuelas como puntapié inicial de aquello que le daría fama mundial: se convirtió en clown. A Buenos Aires llegó en 1877 en medio de una gira en la que venía bajando por el mapa de América. Y con la compañía de los hermanos Carlo, debutó en el Politeama. Por entonces su trabajo no sólo tenía que ver con la risa. También sorprendía con su triple salto mortal y sus acrobacias cabalgando sobre algún pony. Fue tanto su éxito, en especial entre los chicos, que tuvo que prolongar su estadía. Aquello también iba a marcarlo, porque en 1884, cuando sólo tenía 26 años, decidió radicarse aquí en forma definitiva. En aquellos años compartió escenario con otra gloria del circo criollo: el uruguayo José Podestá, creador de otro personaje de leyenda conocido como Pepino el 88 .
El británico ya había cambiado su ropa colorida y amplia por un gran traje blanco con volados. Igual mantenía el rojo, negro y blanco en la pintura de su cara y algo que los chicos adoraban en el final de cada función: los chocolatines que sacaba de una gran canasta y repartía entre el entusiasta grito de “A mí Fran Bron; a mí Fran Bron”, que lanzaban los pibes que formaban su público, con una pronunciación poco ortodoxa de su nombre.
En un viaje a Londres conoció a una persona que sería clave en su futuro. Ella se llamaba Rosalía Robba, una mujer argentina que, desde los 9 años, actuaba como ecuyére con el seudónimo de Rosita de la Plata. Había estado casada con Antonio Podestá. Pero el gran amor de su vida fue Frank Brown, con quien vivió no sólo compartiendo las arenas circenses sino otro escenario más exigente aún: el de la vida.
Ya retirados, pasaron juntos los últimos años de sus vidas en una casa de la calle Enrique Martínez 825, en Colegiales. Allí hay, en la actualidad, un edificio de dos pisos con diez departamentos. Ella murió el 25 de agosto de 1940. Frank, el 9 de abril de 1943. Su tumba está a metros de la entrada del Cementerio Británico, en Chacarita, donde el silencio sólo se quiebra con el sonido de un llamador de ángeles que sacude el viento, el mismo que lleva y trae el perfume de las magnolias.
También quedó lejos aquel hecho ocurrido en 1910 cuando unos inadaptados incendiaron la carpa que Brown había montado en Florida, entre Paraguay y Córdoba, para sumarse a los festejos del Centenario de la Revolución de Mayo. El ataque fue porque decían que no se podía aceptar que un extranjero se mezclara en un acontecimiento tan criollo como aquel. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

MECHITA EN EL CORAZÓN

La obra de Juan Doffo está atravesada por su pueblo, Mechita, de 2.000 habitantes. El domingo inauguró allí un sueño compartido con la gente que quiere.

FLAMANTE. Así lucía el museo antes de llenarse de público.

Por MARINA OYBIN

Una fiesta inolvidable, emocionante. Eso fue Mechita el domingo pasado cuando se inauguró el Museo de Artes Visuales (MAV). Fue el encuentro del año: a puro entusiasmo, cientos de artistas, galeristas, críticos, directores de museos y periodistas se dieron cita en el pueblo de menos de dos mil habitantes, a 200 km. de Buenos Aires.
Cada artista fue tocado por el lugar en el mundo de Doffo. Ahí, donde sus obras con fuego fueron ceremonias compartidas con el pueblo; donde, con riesgo, se animó a fotografiarse entre las llamas o a subirse a una avioneta para capturar imágenes que luego se transformaron en materia prima de sus trabajos. En esa pampa despojada, surge mucho de esa idea que lo desvela: el vínculo entre naturaleza y cultura, lo infinito y lo terreno. Mechita es para Doffo un lugar simbólico y, al mismo tiempo, real. En esa alquimia, su pueblo deviene espacio irreal, donde habitan catedrales, construcciones perfectas y abovedadas, horizontes de fuego.
La idea de hacer el museo comenzó en 2006. No se trató de simples donaciones de obra: fue pura experiencia compartida. El primero en viajar fue el escultor Hernán Dompé, que, como homenaje a la historia del pueblo, hizo una obra totémica con rezagos de piezas ferroviarias. A partir de ese momento, Doffo invitó a más de cuarenta artistas. En grupos que unían a los amigos, compartieron estadía en su casa, hablaron, caminaron, lloraron, rieron. Crearon. Se sumergieron en el pueblo y desataron obras inspiradas en él. Hay pinturas, fotografías, esculturas, objetos y videos. Marcelo Bordese y Miguel Ronsino pasaron con Doffo una noche en el cementerio de Mechita. Iluminados con velas y leyendo poemas, surgieron las obras expuestas: el gran lienzo de Bordese condensa sin fisuras su singular sello perturbador. Otros partieron de la inmigración, la noche mechitense, la naturaleza. El pueblo en todas sus dimensiones está en la bella foto de Leonel Luna, en la visión cósmica de Ernesto Pesce, en el dramatismo de Torretta, y en la melancolía de Juan Andrés Videla.
Los videos de Alejandro Cantor y Martín Groisman, y los trabajos de Patricio Larrambebere, Omar Panosetti y Gabriel Sainz, entre otros, pusieron el foco en el ferrocarril. Es que Mechita –que lleva su nombre en honor a Mercedes, nieta del presidente Manuel Quintana, que donó parte de su campo para la construcción de talleres ferroviarios, depósitos de vagones y un playón de maniobras– creció a la par del ferrocarril. Pero, con el menemismo de los 90, el tren y el barrio de casitas inglesas donde vivieron trabajadores ferroviarios devino postal. El tren quedó diezmado y el pueblo también.
Antes de la inauguración, para los que llegamos de la city, hubo asado multitudinario entre los nísperos y cerezos del parque soñado de la casa de Doffo. Y ya a la tarde, la gente del pueblo esperaba en la puerta del museo, a dos cuadras. Eran tantos que ocupaban toda la calle. Por el momento, sólo se veía una obra con un cartel con la leyenda: “El arte es transformador”, y en lo alto una flecha apuntaba juguetona al gran transformador eléctrico en la entrada del MAV. Hubo protocolar corte de cinta, palabras del ex intendente y del actual, y, claro, de Doffo, que con voz entrecortada recordó que la crisis ferroviaria golpeó el orgullo del pueblo. “Hoy los habitantes de la zona están ávidos por acercarse al arte”, agregó. Y les dedicó la inauguración “a los artistas, todos enormes, que colaboraron”. Aplausos y cántico maradoniano a coro: “Doffo, Doffo”. Un clima bien singular, de mucha emoción, que no es frecuente en una inauguración de este tipo. No hay dudas: Doffo es muy querido en el mundillo del arte y en su pueblo. Después, una multitud copó el museo. Al anochecer, la gente seguía llegando. Usted imagina lo que es levantar un museo de arte contemporáneo en los pagos donde el diablo perdió el poncho. Ahí, donde el urbanita con ansias de sosiego encuentra silencio inagotable, que al tiempo deviene angustiante. ¿Qué significa el MAV para Mechita? ¿Qué significa poner blanco sobre negro el pasado y el presente de un pueblo a puro arte? Y para los artistas, ¿qué impacto tiene que Doffo los haya sumado a su obra más conmovedora y –uno se anima a pensar– más importante? O mejor aún: que haya pensado en trabajos que surjan al compartir su casa, su pueblo de calles de tierra y sonidos ausentes. Su refugio. Hay, para empezar, mucha generosidad.
Además del puro placer que provoca, acaso no haya razones para dar sin regatear. Quizá tampoco las haya para que ese día en Mechita quede en la retina y en el corazón. Es magia. O alquimia.

Fuente: Revista Ñ Clarín

CREAN UN CHIP QUE AYUDA A LOS CIEGOS A VER FORMAS Y TONALIDADES

Cómo funciona el chip que ayuda a los ciegos a ver formas y tonalidades

Haga click sobre la imagen y se ampliará.

PorIan Sample THE GUARDIAN. ESPECIAL PARA CLARIN

Un hombre que quedó ciego a raíz de una devastadora enfermedad en sus ojos pudo distinguir letras, decir la hora e identificar una taza y un plato sobre una mesa tras recibir el implante de un chip electrónico que le restauró la capacidad de detectar formas y distinguir algunas tonalidades.
Miika Terho, de 46 años, comenzó a perder la vista cuando era adolescente y ya estaba totalmente ciego cuando se sumó a un estudio piloto que tenía el objetivo de probar un chip experimental para los ojos en la Universidad de Tubingen, en Alemania. Terho fue uno de los tres pacientes a los que les colocaron el chip debajo de la parte de la retina llamada mácula, en donde se encuentra la concentración más alta de células sensibles a la luz (Ver Infografía). Y le fue especialmente bien después de la cirugía. Vive en Finlandia, padece lo que se conoce como retinitis pigmentosa, enfermedad hereditaria que hace que mueran de forma gradual e irreversible las células del ojo que son sensibles a la luz. Su visión nocturna empezó a fallar cuando tenía 16 años y para los 35 ya estaba ciego. Hoy tiene suficiente visión periférica para distinguir el día y la noche.
“Durante casi 10 años estuve completamente ciego. No podía leer y no tenía forma de reconocer a las personas. Cuando encendieron el chip por primera vez, sólo vi flashes y parpadeos. No tenía sentido. Pero en cuestión de horas, todo comenzó a volverse cada vez más nítido” explicó Terho. “Me sentí muy bien al poder centrarme en algo, ver y hasta extender la mano para tocar. No podía identificar qué era lo que estaba adelante mío en la calle, pero percibía que había algo y que hasta podía esquivarlo” agregó.
La técnica es potencialmente apta para las enfermedades que afectan las células de varilla y las cónicas, que detectan la luz y la convierten en señales eléctricas que son transmitidas al cerebro a través del nervio óptico. La retinitis pigmentosa y la degeneración macular que sobreviene con la edad son todas dolencias que afectan a estas células a pesar de que dejan relativamente intactos a otros componentes del ojo. De todos modos, no serviría para otras enfermedades oculares en las que el nervio óptico está dañado.
Los cirujanos tardaron seis horas para operar a cada paciente. Cortaron primero un pedacito de la delicada retina e insertaron el chip, que mide 3 x 3 milímetros. Luego lo conectaron, a través de un fino cable, a una pila que cada paciente llevaba en un collar. El chip contiene 1.500 elementos sensibles a la luz que reemplazan a las células muertas de la retina del paciente ciego. Cuando una imagen lo alcanza, es convertida en pulsos eléctricos que estimulan a las células sanas. Estas, envían luego señales al cerebro, en donde la imagen es reconstruida. Eberhardt Zrenner, director del Instituto de Investigaciones Oftalmológicas de Tubingen, sometió a los pacientes a tests para evaluar su capacidad para “leer” letras, distinguir platos, tazas y cubiertos y diferenciar tonos. A pesar de que los pacientes podían ver nada más que en blanco y negro, podían discernir tonos brillantes u oscuros. Los pacientes, dos hombres y una mujer, de 40, 44 y 38 años, tuvieron el implante durante tres meses. A los pocos días vieron formas básicas y poco a poco aprendieron a ver con mayor claridad. Terho ya dijo que desea tener el chip permanente si las pruebas futuras resultan exitosas.

TRADUCCION: Silvia S. Simonetti

UN LIBRO, VENDIDO A PRECIO RECORD

Fue subastado en Sotheby's / Lo compró un marchand londinense.
La primera edición de una obra de Audubon alcanzó la suma de 11,5 millones de dólares.

Una empleada de Sotheby's muestra la imagen correspondiente al flamenco macho de uno de los cuatro tomos que integran la obra.

LONDRES.- Una primera edición del libro Birds of America (Aves de América), de John James Audubon, alcanzó en una subasta en Londres el precio 11,5 millones de dólares, el más alto pagado nunca por un libro impreso.
Su comprador en Sotheby's fue un marchand londinense, Michael Tollemache, que ofreció en la misma sala esa cantidad récord por los cuatro volúmenes de la primera edición del libro de Audubon, de la que existen sólo once copias en manos privadas, mientras que los 108 ejemplares restantes pertenecen a museos, bibliotecas y universidades.

John James Audubon (1785-1851) fue uno de los personajes más importantes de la historia natural. Su labor inspiró a diversas generaciones de ornitólogos y el propio Charles Darwin lo cita tres veces en su obra capital, El origen de las especies.
El libro que alcanzó la cifra récord pertenecía a la colección del segundo lord Hesketh, un famoso bibliófilo que lo adquirió en julio de 1951 en Christie's por sólo 7000 libras.
JOHN JAMES AUDUBON

Bobwhite, Virginia Partridge and hawk,1825.

El libro contiene 1000 ilustraciones de unas 500 especies de aves y Audubon tardó 12 años en completarlo.
En la subasta se vendieron también, de la misma colección particular, una primera edición de las obras de William Shakespeare publicadas en 1623, por 2.360.564 libras (2.802.691,81 euros), aproximadamente el doble del precio estimado, y un conjunto de cartas enviadas por la reina Isabel I al carcelero de María Estuardo, su media hermana.

Empleados de Sotheby's hojean tres de los cuatro tomos de la edición vendida.


Fuente texto: Agencias EFE y AP/lanacion.com

LA UNIVERSIDAD DE YALE DEVOLVERÁ A PERÚ PIEZAS VALIOSAS DE MACHU PICCHU

Después de años de negociación, 46 mil objetos regresarán a Cuzco a partir del año que viene.

EN CAMPAÑA. HIRAM BINGHMAN FUE PROFESOR DE HISTORIA EN LA UNIVERSIDAD DE YALE Y TAMBIEN EXPLORADOR. EN 1912 TOMO 46.332 PIEZAS Y BIENES DE MACHU PICCHU Y LOS LLEVO A LOS ESTADOS UNIDOS.

Por Lima. Efe, Afp Y Ap

El maravilloso paisaje de Machu Picchu tendrá a partir del año que viene una imagen más perfecta. Después de varios años de conflicto, la Universidad de Yale se comprometió a devolver las más de 46 mil piezas arqueológicas que tenía desde 1912, cuando Hiram Bingham las tomó en calidad de préstamo para estudiarlas. Desde entonces, nunca regresaron a su lugar de origen. La noticia fue difundida el viernes pasado por el presidente de Perú, Alan García, que durante los últimos años había intensificado las gestiones para recuperar el patrimonio arqueológico de la ciudadela inca.
García llegó a reclamarle a través de una carta personal al presidente de Estados Unidos, Barack Obama.
“La decisión del rector y de la universidad de Yale es de entregar en su totalidad todos los bienes y fragmentos, y parte que fueron tomadas por el explorador Hiram Binghman”, dijo el presidente. Después del anuncio, García devolvió gentilezas afirmando que “el Gobierno de Perú agradecía la decisión”, además de reconocer que “Yale conservó estas partes y piezas que de otra manera se hubieran desperdigado en colecciones privadas por el mundo o tal vez hubieran desaparecido”.
García precisó, además, que los bienes arqueológicos, que eran exhibidos en el Museo Peabody que funciona en la universidad, comenzarán a entregarse a Perú durante los primeros meses de 2011 y serán luego puestos en custodia en la Universidad San Antonio Abad, del Cuzco, la región del sur peruano donde se encuentra Machu Picchu.
Del total de piezas recuperadas, unas 360 estarán en exhibición, mientras que el resto quedarán para estudio.
La intención del gobierno peruano es garantizar el buen estado de estos objetos. “Vamos a solicitar al Parlamento una partida presupuestaria extraordinaria, de los millones necesarios, para habilitar un edificio en el cual puedan exponerse y donde los arqueólogos de Cuzco, de Perú, de Yale y de todo el mundo puedan continuar la investigación de todos estos bienes”, dijo el presidente peruano.
La polémica tiene casi un siglo. Hiram Bingham fue un profesor de Historia de la Universidad de Yale, una de las más prestigiosas de los Estados Unidos (George W. Bush y Bill Clinton se graduaron ahí). Comenzó sus expediciones arqueológicas en 1908 y durante su recorrido por Sudamérica pasó por territorio argentino. Llegó a Machu Picchu en 1911 y a partir del año siguiente tomó muestras y objetos de esa zona (46.332 piezas), que debían haber sido devueltas tres años y medio después, cosa que nunca sucedió. Después, Bingham inició su carrera política y hasta llegó a ser senador.
El canciller peruano José García Belaunde reveló que el ex presidente de México, Ernesto Zedillo, “jugó un rol fundamental” en la decisión de Yale.
Zedillo es profesor de la universidad y fue uno de los principales mediadores de esta ardua batalla legal.
La noticia fue recibida en Perú prácticamente como un triunfo nacional y fue el principal título de sus diarios más destacados. “La República” tituló “Yale abrió el candado”, mientras el diario “Ojo” celebró el “Golazo Inca”.

Fuente: clarin.com

HABRÍAN DESCUBIERTO EL PRIMER PLANETA FUERA DE LA VÍA LÁCTEA

Un grupo de astrónomos alemanes asegura que se encuentra a 2.200 años luz. Y tiene un tamaño similar a Júpiter.

EXTRANJERO. El planeta, que hoy se encuentra dentro de nuestra galaxia, habría nacido fuera de ella. (Science)

Es el primer planeta "inmigrante" de la Vía Láctea en ser detectado. Según un grupo de astrónomos de un instituto de Alemania, por primera vez descubrieron un planeta que se originó fuera de nuestra galaxia aunque hoy se encuentra dentro de ella.
En los últimos 15 años, los astrónomos han identificado unos 500 planetas en otras partes de la Vía Láctea, pero nunca antes habían hallado uno que hubiese nacido afuera de ella, aseguran los científicos.
Los expertos del Instituto de Astronomía Max Planck de Alemania dicen haber descubierto lo que constituye en cierta manera el primer planeta "extranjero": un planeta que circunda una estrella llamada HIP 13044 que tiene 3 mil millones de años y se encuentra a unos 2.200 años luz de distancia.
Aunque esta estrella se encuentra hoy dentro de la Vía Láctea, los investigadores aseguran que se originó en otra galaxia y que luego fue "deglutida" por la nuestra. Semejante canibalismo galáctico es habitual en la evolución sideral, señalan.
Según informa la prestigiosa revista Science en su versión en Internet, al astrónomo Johny Setiawan le gustaba observar un grupo de lejanas estrellas porque tenían propiedades inusuales. Pero sobre todo una de ellas, la HIP 13044.
Setiawan y sus colegas del Max Planck, junto a la Agencia Espacial Europea, notaron que la estrella no se movía a una velocidad constante en relación al sol. Pero sus instrumentos detectaron ciertos patrones constantes. Sólo había una posibilidad: un planeta y una estrella girando a su alrededor.
"Este descubrimiento es muy emocionante'', dijo en un comunicado Reiner Klement, uno de los astrónomos que descubrió a este planeta que es un 25 por ciento más grande que Júpiter.
"Por primera vez, los astrónomos detectaron un sistema planetario en un conjunto estelar de origen extragaláctico. Debido a las grandes distancias implicadas, no hay una detección confirmada de planetas en otras galaxias, pero esta fusión cósmica trajo un planeta extragaláctico a nuestro alcance'', agregó.
El nuevo planeta, bautizado como HIP 13044 b, gira alrededor de una estrella procedente de lo que se conoce como la corriente Helmi, un conjunto de estrellas que originalmente perteneció a una galaxia enana a la que devoró la Vía Láctea hace entre 6.000 y 9.000 millones de años.
Los investigadores aseguran que el astro también es uno de los pocos planetas conocidos que han sobrevivido al periodo de expansión de gran escala de la estrella a la que pertenecen después de que a ésta se le agotara su combustible de hidrógeno en el núcleo.
Setiawan agregó que "este descubrimiento es en particular intrigante cuando consideramos el futuro distante de nuestro propio sistema planetario, ante las previsiones de que el Sol también se convertirá en una gigante roja en unos 5.000 millones de años''.

Fuente: clarin.com