DIBUJOS PARA SALVARSE DEL INSOMNIO

Paz. “Descubrí ollas que estaban abolladas y que nunca había visto”, dice Roux. Cuando dibujaba, podía dormir.
Por Julia Villaro

Lloran cucharas sobre un fondo gris plateado. Unos tenedores parecen reptar en la mesada y un insecto metálico yace al borde de una copa. Durante meses Guillermo Roux tuvo una cita involuntaria con la noche y lo que comenzó siendo parte del dolor y del insomnio poco a poco se convirtió en una revelación: una serie de dibujos metálicos y melancólicos, hermosos y simples, en los que el artista confirió vida a una larga lista de objetos inertes sólo para recuperar la propia. El resultado se llama Nocturnos y puede verse en el Museo de Arte Decorativo de Buenos Aires.
–Un insomnio que fue también ensoñación…
–Cuando uno no duerme hay una zona que no es ni estar despierto ni estar dormido; pero además hay una especie de silencio donde queda un espacio para que se mezcle la realidad con los recuerdos y para que las cosas más impensables puedan pasar por la cabeza. Cosas que no tienen mucho que ver con lo que uno está mirando: puede pasar la infancia, conversaciones, olores y una cantidad de ideas (o de fantasmas) que si uno mira fijo un objeto, se ponen ahí. El secreto está en no darles un destino. Muchísimo menos uno que tenga que ver con el mundo del arte y la cultura. Porque sólo así uno puede valorar el objeto que ya es un lugar de meditación. Uno desearía vivir siempre así, en ese espacio de ausencia de lo cotidiano que es muy placentero, lo difícil es despertar.
–Un momento placentero rodeado de las molestias físicas que le impedían conciliar el sueño…
–Tengo que agradecer el dolor. Muchas veces nos hace ver un aspecto de la vida que no conocíamos y que nunca conoceríamos si no entráramos por esa puerta. Cuando uno acepta que el dolor es parte de la vida (que para los que hemos sido muy sanos es algo desconocido) se abren puertas maravillosas. Cuando no hay posibilidad, quedan dos caminos: uno es renunciar a la vida, la lástima de uno mismo y la depresión. El otro es buscar el sentido, encontrar cómo es la vida a través de esta puerta que yo no había transitado, una habitación que no conocía.
–¿Cómo ayudaron estos dibujos a transitar el insomnio?
–Empecé a refugiarme en las pequeñas cosas. Vi que lo que podía tener era lo que estaba al alcance de mi mano. Yo ya no tenía un mundo grande de acuarelas, viajes, museos y demás. Y entonces –recuerdo ese día– empecé a mirar un vaso que estaba arriba de la mesa. Y a desear que ese vaso hiciera algo por mí. Dibujé el vaso como si nunca hubiera dibujado, ni supiera que era un vaso. Y después hubo otro vaso. Y abrí el cajón de cubiertos, descubrí ollas que estaban abolladas y que yo nunca había visto, máquinas de café que nunca me habían importado, escurridores de platos quietos… todo eso se transformó en un mundo que me daba respuestas, o me calmaba. Cuando podía hacer un dibujo el dolor se suavizaba y podía dormir. El empezar a ser un observador lo más ingenuo posible me daba cierta certeza. Empecé a dibujar en un bloc porque podía dar vuelta las páginas. Feché cada día. Dar vuelta las páginas era dar vuelta el día. Veía cómo pasaban los días y cada día iba descubriendo una nueva forma de vivir. Iba avanzando y viviendo lo que antes me parecía que no iba a poder vivir. Porque cuando me sentí tan mal pensaba que no iba a vivir más. Pero iba viviendo, los objetos iban tomando un carácter y me iba sintiendo mejor. Mi única intención era salvarme.

Fuente: clarin.com

RON MUECK Y SUS CRIATURAS

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Couple under an Umbrella (Pareja debajo de una sombrilla), 2013


En 2013, Ron Mueck fue invitado a presentar sus nuevas esculturas en la Fondation Cartier pour l’art contemporain, París.
Esa muestra se exhibe ahora íntegramente en Fundación PROA, Buenos Aires, y luego se presentará en el Museu do Arte Moderna de Río de Janeiro. Es la primera vez que la obra de Ron Mueck se exhibe en Sudamérica.

El artista se inscribe en la tradición escultórica donde es representada la figura humana; aunque los temas, materiales y técnicas que utiliza lo convierten en un autor original, innovador y contemporáneo. Sus esculturas cautivan por el cambio de escala en las dimensiones y el realismo de los personajes, cuyos gestos expresan sutilmente situaciones llenas de vida y misterio.
Una madre con su hijo, parejas jóvenes o adultas que oscilan entre la tensión y la calma y un hombre desnudo en un barco a la deriva son algunas de las imágenes que forman parte de la exposición. Obras que encierran una interioridad vital y profunda y, a la vez, expresan la perfección técnica del artista y su obsesión por la verdad.
Mueck utiliza materiales como resina, fibra de vidrio, silicona y pinturas acrílicas para reproducir fielmente todos los detalles de la anatomía humana y construir esculturas que tematizan la vida y la muerte. Sus obras evocan un tipo de realismo que es, al mismo tiempo, íntimo y monumental. En diferentes escalas, el artista amplía o reduce extraordinariamente el tamaño de los cuerpos para crear situaciones que conmueven al espectador.

Biografía 

Ron Mueck nació en Melbourne, Australia, en 1958. Hijo de jugueteros, desde pequeño, entre títeres y disfraces, convivió con técnicas asociadas a dar vida a objetos inertes. Sin ninguna clase de formación artística formal, desde niño dedica su tiempo al modelado de figuras, vocación que luego desarrolla dentro la industria del cine, la televisión y la publicidad, como realizador de efectos especiales y creador de personajes.
Trabajó en diversos programas de televisión antes de ingresar en la producción de efectos especiales para cine - trabajó en los personajes de Laberinto (1986), un film fantástico de culto protagonizado por David Bowie.
A partir del año 1996, en colaboración con su suegra Paula Rego, produce una serie de pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward (Londres) y comienza a abandonar progresivamente la producción de maquetas y modelos para cine y televisión.
La transición de artesano a artista se completa cuando es descubierto por Charles Saatchi, quien comienza a coleccionar sus obras y lo consagra como valor en alza. Saatchi elige Dead Dad, una escultura de pequeña escala del padre de Mueck muerto y desnudo, para la exhibición Sensation en el Royal Academy en 1997. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman.
Luego, en 2001, Mueck obtiene gran aceptación internacional y se destaca desde ese momento como uno de los artistas más originales del arte contemporáneo con Boy, un enorme niño agazapado de cinco metros de altura que se exhibió en el Milenium Dome y en la 49 ª Bienal de Venecia.
Ron Mueck no brinda entrevistas, incluso en el período previo a una nueva exhibición. Vive y trabaja en Londres.
Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

La muestra puede verse hasta el 23 de febrero de 2014, en Fundación PROA


Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)


Still Life (Naturaleza muerta), 2009


Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

Still Life (Naturaleza muerta), 2009

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Man in a Boat (Hombre en un bote), 2002

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

Man in a Boat (Hombre en un bote), 2002

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)


Woman with Sticks (Mujer con ramas), 2009

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

Woman with Sticks (Mujer con ramas), 2009

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

Drift (A la deriva), 2009

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

Drift (A la deriva), 2009

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Mask II (Máscara II), 2002

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

Mask II (Máscara II), 2002

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

Woman with Shopping (Mujer con las compras), 2013





Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Woman with Shopping (Mujer con las compras), 2013

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Woman with Shopping (Mujer con las compras), 2013

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Young Couple (Pareja joven), 2013

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Young Couple (Pareja joven), 2013

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Youth (Juventud), 2009


Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Youth (Juventud), 2009

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

A Girl (una nena), 2006 - Exhibida en la Royal Scottish Academy en Edimburgo, año 2006.

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

In Bed (en la cama), 2005 - Museo San Ildefonso año 2011

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Wild Man (hombre salvaje), 2005 - Exhibida en la Royal Scottish Academy en Edimburgo, año 2006.

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Big Baby (Bebé grande), 1996 - Subastada en Christie's, Londres, año 2011

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Big Baby (Bebé grande), 1996 - Subastada en Christie's, Londres, año 2011

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Big Man (Hombre grande), 2000 - Galería Albright-Knox, Buffalo, N.Y., año 2004

Ron Mueck y sus criaturas hiperrealistas (© Fundación PROA - Prensa)

 

Boy (Muchacho), 1999 - Museo de arte Aros, Aarhus, Dinamarca, año 2004

'NAKED MEN', LA EXPOSICIÓN QUE ESCANDALIZA A VIENA


Un museo de la capital austriaca se ha visto obligado a censurar los carteles publicitarios que habían instalado en las calles sobre una exposición fotográfica basada en el desnudo masculino. La más polémica: una fotografía de tres futbolistas de diferentes razas vestidos nada más que con calcetines azules, blancos y rojos y botas de fútbol.

naked men
Una de las ilustraciones que se podrán ver en la exposición. Bruce Nauman, Untitled (Five Marching Men), 1985 © Friedrich Christian Flick Collection / VBK Wien 2012
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Paul Cézanne, Seated Male Nude (Self-Portrait), 1910 © Fondation Beyeler, Riehen/Basel
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Egon Schiele, »Prediger« (Selbstakt mit blaugrünem Hemd), 1913 © Leopold Museum, Wien, Inv. 2365

TEMPLOS MAL RESTAURADOS EN BIRMANIA

Templos birmanos ‘Disneyficados’

Muchos templos del complejo sagrado de Bagan en Birmania han sido mal restaurados. Expertos afirman que esto podría hacer más difícil conseguir el estatus de Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Templos birmanos ‘Disneyficados’


RESULTÓ QUE HABÍA COMPRADO UN MURILLO

Recuperado un "Ecce Homo" atribuido a Murillo

Joaquín Caler, un párroco granadino, ha descubierto que hace ocho años la pintura que compró es un Murillo. Así lo demuestran diversos estudios de expertos en arte y la obra del maestro barroco sevillano. Lo adquirió tras enterarse de que una familia sevillana quería deshacerse de él, y este sacerdote aficionado al arte decidió comprarlo para su colección.
El cuadro, que estaba bastante deteriorado, fue objeto de un proceso de limpieza.
Tras el hollín se descubrieron los trazos que para los expertos no dejan lugar a dudas, es obra de Bartolomé Esteban Murillo.
En principio creía que se trataba de una obra del siglo XIX, aunque posteriormente se data el lienzo de 72 centímetros de alto por unos 54 de ancho, en el siglo XVII.
Durante un año la obra estará expuesta en el museo de la Catedral de Guadix, para que todos los que lo deseen puedan contemplar esta singular pintura barroca. 

Fuente: yahoo.es

CHRISTIE'S AYUDA A DETROIT A TASAR OBRAS
ANTE LA BANCARROTA


Luego de que Detroit se declarara en bancarrota el mes pasado, el administrador de emergencia la ciudad estadounidense, Kevyn Orr, contrató a la casa de subastas Christie's para tasar parte de la colección de cuadros que guarda el museo de la ciudad para sopesar la situación.


La famosa casa de subastas Christie's fue contratada para tasar parte de la colección del Instituto de Artes de Detroit, dentro del plan de reestructuración que la ciudad puso en marcha para pagar al menos 18,000 millones de dólares de deuda después de solicitar la protección por bancarrota en julio.



Esta acción fue confirmada por la casa de subastas en un comunicado publicado en su página oficial de Internet, donde manifiesta el acuerdo para que se tase y evalúa parte de la colección que resguarda el Instituto de Artes de Detroit (DIA, por sus siglas en inglés).
La casa de subastas expuso que "entendemos que una valoración de todos los activos de la ciudad (que van más allá del arte) es uno de los muchos pasos que serán necesarios para brindar una mejor solución de largo plazo para los ciudadanos de Detroit".
Agregó que centrará sus esfuerzos para contribuir a los intereses de la ciudad de Detroit y su comunidad de las artes.
Recordó que la evaluación de las colecciones individuales y de entidades es una parte normal de la actividad de Christie´s, casa que fue llamada debido a su experiencia en esta área, en todas las categorías de obras de arte y épocas.
La colección del museo del DIA, uno de los más visitados de la ciudad por los turistas debido a su colección, incluye obras de los artistas Pieter Brueghel El viejo, Caravaggio, Rembrandt y Vincent Van Gogh, así como murales de Diego Rivera.




La colección del museo del DIA, uno de los más visitados de la ciudad por los turistas debido a su colección, incluye obras de los artistas Pieter Brueghel El viejo, Caravaggio, Rembrandt y Vincent Van Gogh, así como murales de Diego Rivera.
 



Al menos pagar 18,000 millones de dólares

 

Así, la famosa casa de subastas Christie's fue contratada para tasar parte de la colección del Instituto de Artes de Detroit, dentro del plan de reestructuración que la ciudad puso en marcha para pagar al menos 18,000 millones de dólares de deuda después de solicitar la protección por bancarrota en julio.
Christie's dijo en un comunicado que asesorará a la ciudad sobre cómo debe realizar la valoración de las obras de arte sin venderlas.
"La ciudad debe conocer el valor actual de todos sus bienes, incluida la colección en el DIA propiedad del municipio", dijo el director de Emergencia Kevyn Orr en un comunicado el lunes. "Ni ha habido, ni hay ahora, ningún plan para vender arte", añadió.
La posible venta de arte de la colección de 60,000 piezas ha provocado críticas. El museo ha dicho que el arte no se puede vender porque se mantiene en un fondo benéfico para el pueblo de Michigan, una postura que apoya el fiscal general Bill Schuette.
Annmarie Erickson, jefa de operaciones del Instituto de Arte de Detroit, dijo que se había enterado por la prensa que Christie's había sido contratada por la ciudad.
"Estamos muy decepcionados de que Christie's vaya a entrar en acción, porque creemos que es contrario al bienestar del museo", sostuvo Erickson.
Orr no ha descartado la venta de los tesoros del Instituto de Arte para ayudar a la ciudad a pagar sus deudas.
En el pasado, dirigentes municipales han dicho que no se puede ignorar ninguna opción. Algunos líderes sindicales argumentan que las pensiones y otros beneficios de los trabajadores deben pesar más que la necesidad de mantener la colección.
La colección del museo incluye un autorretrato de 1887 de Vincent van Gogh y un fresco del artista mexicano Diego Rivera.
Aproximadamente un 5% de la colección fue adquirida con fondos de la ciudad, según Tim Burns, ayudante de la directora del museo.
El museo ha contratado al abogado especialista en bancarrotas Richard Levin y ha apartado fondos para los gastos legales.
Erickson dijo que dos agentes de Christie's fueron al museo en junio pero no habían vuelto desde entonces.


Sopesan la situación

 

Así, luego de Detroit se declarara en bancarrota el mes pasado, el administrador de emergencia la ciudad estadounidense, Kevyn Orr, contrató a la casa de subastas Christie's para tasar parte de la colección de cuadros que guarda el museo de la ciudad para sopesar la situación.
Esta acción fue confirmada por la casa de subastas en un comunicado publicado en su página oficial de Internet, donde manifiesta el acuerdo para que se tase y evalúa parte de la colección que resguarda el Instituto de Artes de Detroit (DIA, por sus siglas en inglés).
La casa de subastas expuso que "entendemos que una valoración de todos los activos de la ciudad (que van más allá del arte) es uno de los muchos pasos que serán necesarios para brindar una mejor solución de largo plazo para los ciudadanos de Detroit".
Agregó que centrará sus esfuerzos para contribuir a los intereses de la ciudad de Detroit y su comunidad de las artes.
Recordó que la evaluación de las colecciones individuales y de entidades es una parte normal de la actividad de Christie´s, casa que fue llamada debido a su experiencia en esta área, en todas las categorías de obras de arte y épocas. 

(Agencias)


Detroit tiene un plan para salvar sus 'caravaggios'


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Varios visitantes pasean entre las obras del Detroit Institute of Arts en agosto pasado. Foto: Andre J. Jackson/Detroit Free Press.
Por Miguel Ángel García Vega

Detroit tiene un plan para salvar su colección de arte. Es una propuesta, bajo la mirada estadounidense, casi desesperada. La penúltima oportunidad. No nos engañemos. La idea es que el Estado de Míchigan o una organización no gubernamental privada se hago cargo de la institución. De esta forma se evitaría que su colección de arte salga a subasta presionada por los acreedores de la ciudad. Rick Snyder, gobernador de Míchigan, está analizando la estrategia. Porque a día de hoy nadie puede asegurar que los caravaggios, matisses o van goghs de la colección no se vayan a vender al mejor postor para compensar la deuda que el Detroit Institute of Arts (DIA) y la propia ciudad tienen contraída con sus fiadores. 

Annmarie Erickson, jefa de Operaciones del DIA, asegura que si se aplica esta fórmula de salvamento Míchigan podría inyectar en el museo entre 20 y 25 millones de dólares al año por un periodo de más de dos décadas. Esta cantidad cubriría los entre 400 y 500 millones de dólares que Kevyn Ors —gestor de emergencia de Detroit— ha estimado que necesita la institución para llegar a un acuerdo con sus acreedores. Con este enfoque se evitaría vender sus obras de arte. 

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'La conversión de María Magdalena', de Caravaggio, pintada en 1598 por el genio italiano, sin duda sería la obra que podría llegar a tener un precio más alto en subasta, si finalmente el Detroit Institute of Arts (DIA) vende la colección. Foto: Detroit Institute of Arts © 2013.

Como contrapartida, el museo cedería la propiedad de las piezas al Estado de Míchigan, pero a cambio lograría conservarlas. Según las condiciones de esta propuesta, el DIA también se compromete a ampliar sus actividades, programas educativos y a incrementar la itinerancia de la colección con el fin de aumentar sus ingresos. O sea, monetizar (¡vaya palabra en el mundo del arte!) sus activos. Y para eso cualquier fórmula parece interesante, si con ello se evita la pérdida (ya sea parcial o total) de la colección, pues la situación se ha vuelto muy compleja.

Desde finales de los años setenta hasta comienzos de los noventa, el DIA recibía el 65% de su presupuesto de Míchigan, aproximadamente 16 millones de dólares al año. Hoy no recibe nada.

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'Autorretrato'. Vincent van Gogh. Óleo sobre madera. 1887. Obra perteneciente al Detroit Institute of Arts (DIA). Foto: Detroit Institute of Arts © 2013.

Lo que resulta evidente es que Kevyn Ors —quien ha asegurado que no tiene intención de vender la colección— está presionando al museo para que encuentre fórmulas alternativas que transformen las obras en dinero. Porque de momento nadie ha dicho a los especialistas de Christie’s —contratados por el propio Ors— que dejen de tasar la colección con vistas a saber exactamente cuál es su valor de mercado. Un paso previo a sacarla en subasta.  

El peligro de perder las obras de arte no es ni mucho menos remoto. El fiscal general de Míchigan, el republicano 'Bill' Schuette, ha afirmado, según recoge el periódico Detroit Free Press, que forzar la venta de la colección del DIA podría ser ilegal porque el museo tiene las piezas depositadas bajo protección de un consorcio público (trust). Sin embargo no está claro que en una situación de bancarrota como la que vive la ciudad se pueda aplicar esta salvaguarda. Ante la duda habría que litigar con los acreedores. Y ya saben lo que dice el refrán: "Pleitos tengas y los ganes". Porque en caso de perder este litigio, la ciudad disolvería un patrimonio único.

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'Tres cráneos'. Óleo sobre lienzo pintado en 1900 por Paul Cézanne. Es una de las obras más valiosas que custodia el Detroit Institute of Arts (DIA). Foto: Detroit Institute of Arts © 2013.

JOAN MIRÓ, EL ASTRONAUTA PLÁSTICO

A 30 años de su muerte, que se cumplen el miércoles, un asteroide llevará su nombre. "Aunque es un artista contemporáneo, su visión universal y su dimensión internacional le colocan entre los clásicos", dice Rosa Malet, directora de la fundación que creó el artista. 
LA MASIA. Óleo pintado en 1922 por Joan Miró, del cual Hemingway, su comprador, decía: "No lo cambio por ningún otro cuadro en el mundo"


Viajó con su obra a galaxias desconocidas pero nunca imaginó que uno de esos astros, el asteroide 4329, llevaría su nombre: Joan Miró. La decisión fue tomada hace unos días por la Unión Internacional Astronómica, a petición de la Fundación que él mismo había creado, que destacó la importancia de los astros en la obra del artista. En el 30 aniversario de su muerte, que se celebra este miércoles, el artista español, le dará su nombre al asteroide.
Miró (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983) fue un "astronauta" plástico. Poeta y evocador, se fijó en lo inmediato, lo proyectó en lo lejano y creó un lenguaje propio y sin etiquetas. Pero siempre con los pies en la tierra. "Era una persona muy ordenada, muy bien organizada. Cada día se levantaba temprano y bajaba a su taller a trabajar", explica a dpa Rosa Maria Malet, directora de la fundación que creó el artista en 1975 en Barcelona y que lleva su nombre.
"Su método y su orden lo hemos comprobado a través de los dibujos preparatorios de su pintura, que conservó a lo largo de toda su vida. Sus notas y sus bocetos estaban sumamente ordenados y en unas condiciones que actualmente permiten tener conocimiento de su método de trabajo, del proceso de realización de sus obras", asegura.
El universo que Miró esbozó, y que hoy está presente en museos y espacios públicos de todo el mundo, era "una forma de evocar aquello que, por inalcanzable, resulta más poético". Treinta años después de su muerte, su obra es una de las más "identificables" en la historia del arte. Y más allá de esa primera impresión, un tanto superficial, destapa conceptos que traspasan lo plástico y forman parte de un imaginario universal.
¿Qué queda en la obra de Miró de aquel París bohemio que habitó en los años 20? "Queda, sobre todo, la poesía", responde la directora de la Fundación Joan Miró. El artista llegó a la capital francesa en 1920, en plena efervescencia del movimiento surrealista. A través de su vecino de taller, André Masson, conoció a los escritores de vanguardia del momento, como Michel Leiris o André Breton. "Lee su poesía y manifiesta que con su obra quiere llegar a lo más íntimo del público, como los poetas lo consiguen a través de sus versos", asegura Malet, quien se ha dedicado a estudiar la obra del artista durante años.
El contacto con el surrealismo lo lleva a adoptar un vocabulario particular que deriva en buena parte de las lecturas poéticas del momento. De esa etapa es la conocida pintura "El carnaval del arlequín".
De "La masía", obra que le compró Hemingway y en la que ahonda en sus orígenes y retrata el mundo rural, pasa años después a las "Constelaciones", una serie de 23 pinturas que comienza poco antes de estallar la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) y que culmina al huir de Francia, tras la invasión del país por las tropas alemanas. "Las 'Constelaciones' son una escapada al sublime. Son una ida hacia la energía. Hacia el universo. Son una puerta para irse de una guerra circunstancial, de un genocidio, de una brutalidad, de una tontería", dijo en una ocasión su nieto, Joan Punyet.
Miró dio sus primeros pasos artísticos a los 14 años, cuando se inscribió en la Escuela Superior de Artes Industriales y Bellas Artes de Barcelona, mientras estudiaba Comercio por el empeño de su padre, un herrero que quería que su hijo fuera "un hombre de provecho".
Si sus inicios están intrínsecamente unidos al movimiento abanderado por André Bretón, incluso con la firma del conocido "Manifiesto surrealista", su carácter apolítico y las circunstancias del momento le llevan por otros caminos.
Miró volvió a España en 1940 pero siguió viajando a Francia. Su relación con el régimen del dictador Francisco Franco (1939-1975), que condenó a muchos artistas al exilio, fue nula. Nunca se exilió. Pero su obra no fue expuesta de forma oficial en Madrid hasta 1978, ya muerto Franco y después de triunfar en Estados Unidos y Japón.
Nunca aireó sus ideas políticas, pero es conocido "su gran sentido de la honestidad y su coherencia", explica Malet. "Tenía una clara estima por su tierra, Cataluña". También por la cultura y la justicia social. "Lo vemos en los carteles que realiza para dar soporte a estos temas", especifica la directora de la Fundación.
Ahora, sus mosaicos y esculturas están en ciudades como Chicago, París, Madrid o Barcelona. El 30 aniversario de su muerte coincide con un año marcado por el auge del movimiento surrealista y el éxito de exposiciones como la de Dalí, que contabilizó un récord de visitas -más de 730.000- en el Museo Reina Sofía de Madrid.
¿Era consciente Miró de la repercusión de su obra? "No sé hasta qué punto", reflexiona Malet. "Es verdad que vio un gran reconocimiento en la exposición del Moma, en Nueva York, y, después, en su primera muestra en Osaka (Japón). Eso tiene que ser un motivo de alegría y satisfacción", agrega.
En una de sus anotaciones, Miró dice que quiere ir más allá de la pintura de caballete. Piensa en hacer arte público. En no quedar relegado a la pintura colgada de una chimenea de un salón. Lo logró: "Aunque es un artista contemporáneo, su visión universal y su dimensión internacional le colocan entre los clásicos", dice Malet.

Fuente: Revista Ñ Clarín / DPA