GOLPE MILLONARIO EN HOLANDA:
ROBAN OBRAS DE PICASSO, MATISSE Y MONET

Ocurrió ayer en el museo Kunsthal de Rotterdam. Se llevaron siete cuadros de autores reconocidos, valuados entre 150 y 200 millones de euros en total. Eran parte de una colección privada, que se exhibía por primera vez.

Buscando pistas. El museo ayer permaneció cerrado. Los ladrones habrían ingresado por una puerta lateral. /EFE

Por Fernando Soriano


No pasa sólo en las películas. Y aunque por el grado de prestigio (y valor en el mercado) de los artistas involucrados pareciera una misión imposible, no lo fue. Ocurrió y generó un estruendo en el mundo del arte: de un museo holandés se robaron ayer siete cuadros firmados por verdaderos maestros de la pintura, entre los que están Picasso, Matisse, Monet y Freud .
Se trata sin dudas de un robo multimillonario. Ocurrió en la madrugada de ayer en el Centro de Arte de Rotterdam (Museo Kunsthal). Los delincuentes aprovecharon la exposición que celebra los 20 años del lugar y que muestra la colección particular Tritón, entre cuyas obras contiene la de algunos de los pintores más conocidos del planeta. Para peor, sus propietarios, el matrimonio holandés Willem y Marijke Cordia, exponía su tesoro al público por primera vez .
Los lienzos que figuran como robados, según informó la policía holandesa, son: “Cabeza de arlequín”, que Pablo Picasso pintó en 1971, dos años antes de morir; “Mujer ante una ventana abierta”, de Paul Gauguin (1888); “Autorretrato”, de Meyer de Haan (entre 1889 y 1891); “El puente de Waterloo, Londres” y “El puente de Charing Cross, Londres”; de Claude Monet (ambas de 1901); “La lectora en blanco y amarillo”, de Henri Matisse (de 1919); y “Mujer con los ojos cerrados”, del alemán Lucian Freud (2002). Y de acuerdo con estimaciones tendrían en total un valor de entre 150 y 200 millones de euros .
La Policía local fue alertada ayer por una empresa de seguridad privada que detectó el aviso de las alarmas de la sala –diseñada por el reconocido arquitecto holandés Rem Koolhaas–. Pero cuando los efectivos llegaron al museo sólo quedaban los clavos que sostenían a los cuadros. “Fue una operación bien planificada”, dijeron las fuentes policiales, reconociendo, de alguna manera, la astucia, sutileza y guantes blancos de los ladrones.
El impacto para los organizadores y los dueños de las obras fue como una piña inesperada de Sergio Maravilla Martínez. Al punto que la directora del Kunsthal, Emily Ansenk, calificó el robo con una sola y definitiva palabra: “tremendo”. El presidente del consejo del museo Kunsthal, Wim van Krimpen, señaló que la colección está “muy bien documentada”, por lo que estimó muy poco probable que los cuadros puedan ser vendidos.
Como es extremadamente difícil vender una obra robada de semejante calibre y trascendencia, los investigadores creen que tal vez podría pedirse un rescate, y apuntan a la modalidad de “secuestro”, tal como lo explica Mario Gilardoni en su columna en esta misma página (ver “Son obras...” ).
Ayer el Kunsthal estuvo cerrado durante todo el día, mientras se hacían pericias referidas a la investigación, que enfocaban las claves del ingreso de los ladrones en el tejado y en una puerta lateral, que podrían haber sido rotos para entrar al museo.
Mientras tanto, los que no paran de lamentarse son los Cordia.
Su colección privada es una de las 200 más importantes del mundo . Para la muestra en Rotterdam fueron sido seleccionadas de ésta, 150 pinturas de su propiedad, entre las que se destacan, además de las ya nombradas, obras de Marcel Duchamp, Piet Mondriaan e Yves Klein.

Son cuadros imposibles de comercializar

Por Mario Gilardoni Periodista*


Este tipo de obras, de artistas de primera línea, son imposibles de comercializar, porque se trata de cuadros conocidos que están documentados en los museos. La fantasía de la gente es que un coleccionista loco las manda a robar para mirarlas en solitario en su habitación a oscuras. No conozco ningún caso, y aunque siempre puede haber alguien medio chiflado, no es lo común. Este tipo de robos puede estar vinculado al narcotráfico. Para esta mafia, manejarse con dinero resulta complicado. Se han dado casos en los que la obra de arte –sobre todo si es importante– termina siendo una moneda de pago entre ellos (o para otras operaciones en negro). Mover 50 millones de dólares en un cuadrito no es lo mismo que moverlo en billetes de 10 y 20. También es posible que se trate de un robo para pedir rescate. Como estas obras están aseguradas, puede ocurrir que aparezca un extorsionador que pida a las aseguradoras un dinero a cambio de ahorrarse la plata que tendrían que pagar. Sería como un secuestro.

*Especialista en mercado de arte

Fuente: clarin.com

EL OJO MODERNO DE BUENOS AIRES

Sociedad
Horacio Coppola

En los años 30, con tecnología y estética nuevas, retrató esta ciudad y otras. Mostró un mundo que cambiaba.

París, los duros años 30. El cartel dice: “Tenga piedad de un ciego”.
Por Julieta Roffo


Hay tiempo hasta el 10 de noviembre para recorrer la antología de fotos de Horacio Coppola que se montó en la galería Jorge Mara para homenajear al artista fallecido el 18 de junio, a los 105 años. Y hay que apurarse: el año que viene, las fotos del artista volarán al norte, para exponerse en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Pero ahora están acá. Son 84 fotografías, entre postales de Buenos Aires y de París, Londres, Berlín y Río de Janeiro. Muchas de ellas, inéditas.
“Es un homenaje a un gran artista, uno de los mayores fotógrafos de Latinoamérica, para dar cuenta de la modernidad de su obra ”, explica en su galería Jorge Mara, que se ocupa de la obra de Coppola y de su primera mujer, la fotógrafa Grete Stern, desde el año 2000.
En las tomas se adivina el derrotero del artista. En 1931 viajó por primera vez a Europa y de allí trajo su cámara Leica, que revolucionaría su trabajo: la portabilidad de su nuevo equipo, estrenado en el barco de vuelta –desde el que retrató a marineros cariocas en su escala en Brasil– le iba a permitir ser un fotógrafo de la cotidianidad urbana.
Otra vez en Europa, en 1933, hace dos tipos de trabajos: en unos juega con las luces, las sombras y los contrastes para sus clases. En los otros hace retratos de la entreguerra : hombres durmiendo a la intemperie y mendigos pidiendo limosna en Londres y en París.
De vuelta en la Argentina, 1936 sería un año de recorridas porteñas, un poco por gusto, otro poco por trabajo, ya que Coppola había recibido el encargo de retratar la ciudad para la Municipalidad.

La calle Florida en 1936. Luces, una librería, el estudio de fotos Witcomb.
Buenos Aires está bajo su lente : los tranvías, el flamante Obelisco, construido ese año, la vida nocturna de la avenida Corrientes, con sus vendedores ambulantes y las largas colas para ver Tiempos Modernos en el cine, los carteles luminosos conviviendo con almacenes de barrio en La Boca o un grupo chicos, guardapolvo mediante, yendo o volviendo de la escuela, en un barrio de techos bajos.
“Muchas de las personas que retrata están de espalda y eso crea un clima intrigante”, explica Mara: allí van dos mujeres paseando por el centro, un hombre que toma sol en la Plaza San Martín y, en una de sus fotos más reconocidas, otro que lee el diario La Prensa justo en la puerta de sus oficinas.
Otro rasgo del trabajo del artista –el menor de seis hermanos de una familia de buen pasar– fue trabajar temas similares a los que aparecían en las grandes ciudades del mundo: las vidrieras –de una quesería, de una casa de sombreros y, sobre todo, aquellas con maniquíes– atrajeron su lente. También las tomas en picada, desde cierta altura , como las que hizo en la calle Florida, con negocios de ropa, cafés y librerías. O las del transporte público y los carros que vendían fruta y verdura. Para Mara, “se trataba de un artista moderno , con tópicos que interesaban a los más grandes fotógrafos”.
Es otra Buenos Aires, la de las fotos, y asoma la de hoy, sin embargo. Es la obra de un artista que nutrió sus paseos con amigos como Jorge Luis Borges y Xul Solar, con quienes conversaba mientras miraban la ciudad y el mundo con un ojo distinto.

Fuente: clarin.com

EN UN ESPECTACULAR GOLPE.
ROBARON OBRAS DE PICASSO, MATISSE, MONET
Y OTROS AUTORES

Arte / Robo en el Kunsthal de Rotterdam

Ladrones ingresaron durante la noche en un museo holandés y se llevaron siete cuadros valuados en varias decenas de millones de dólares; sonaron las alarmas, pero cuando llegó la policía el atraco había concluido; creen que pedirán rescate.

ROTTERDAM.- Un espectacular robo de siete obras de arte de célebres pintores, entre los que se encuentran Picasso, Gauguin, Matisse y Monet, tuvo lugar ayer en el Museo Kunsthal, de la ciudad holandesa de Rotterdam, según confirmó la policía local.
Aunque no se preció el monto del botín con el que se alzaron los ladrones, se especula con que las obras tienen un valor de varias decenas de millones de dólares.
Entre los lienzos robados se encuentran Cabeza de Arlequín (1971), de Pablo Picasso; La lectora en blanco y amarillo (1919), de Henri Matisse; El puente de Waterloo, Londres (1901) y El puente de Charing Cross, Londres (1901), ambos de Claude Monet; Mujer ante una ventana abierta, la novia (1888), de Paul Gauguin; Autorretrato (1889-1891), de Meyer de Haan, y Mujer con ojos cerrados (2002), de Lucian Freud.

"Femme devant une fenêtre ouverte, dite la fiancée" de Paul Gauguin.  Foto: AFP
"Femme devant une fenêtre ouverte, dite la fiancée" de Paul Gauguin.  Foto: AFP
"El loco (cabeza de Arlequín)" de Pablo Picasso.  Foto: AFP
"Waterloo Bridge, London" de Claude Monet.  Foto: AFP
"La liseuse en Blanc et Jaune" de Henri Matisse.  Foto: AFP
"Woman with Eyes Closed" de Lucian Freud.  Foto: AFP
"Charing Cross Bridge, London" de Claude Monet.  Foto: AFP
"Autoportrait" de Meyer de Haan.  Foto: AFP

De acuerdo con las primeras investigaciones, los ladrones se introdujeron en el museo de la ciudad holandesa durante la noche, entre las tres y las cuatro de la madrugada de ayer. Los guardias de seguridad del edificio llamaron a la policía tan pronto como comenzaron a sonar las alarmas antirrobo, pero cuando llegaron los agentes el atraco ya se había cometido y sólo encontraron las paredes con los espacios vacíos donde poco antes habían estado colgados los cuadros.
La policía holandesa no explicó, sin embargo, cómo entraron los ladrones en el museo y se limitó a afirmar que "el robo estuvo muy bien preparado".
Fuentes no oficiales, sin embargo, especularon ante la prensa con que los ladrones podrían haber ingresado en el museo a través del techo o de una puerta lateral, que era sometida a peritajes para comprobar si había sido violentada.
Además, los agentes especializados finalizaron a última hora de ayer la búsqueda de huellas dactilares que permitieran identificar a los autores del espectacular robo y analizarán ahora las tomas de las cámaras de vigilancia, según fuentes de la investigación.
Los siete cuadros robados pertenecen a la colección privada de arte moderno Triton, según confirmó a la prensa la vocera del museo, Mariette Maaskant.
El Kunsthal mostraba actualmente al público unas 150 obras de esa importante colección holandesa. La exposición, con la que se celebra el 20° aniversario de la fundación del museo, había abierto sus puertas el 7 del actual y en ella se exhibían obras de Picasso, Marcel Duchamp, Piet Mondrian, Monet, Vincent van Gogh, Freud y de otros consagrados autores, grandes ejemplos de impresionismo, expresionismo y otros movimientos artísticos modernos.
La colección Triton, propiedad de la familia holandesa Cordia, "se ha forjado una reputación internacional y comprende obras de los artistas más importantes y más influyentes de fines del siglo XIX a nuestros días", y ha tardado décadas en ser reunida, precisó el museo. De hecho, es una de las 200 colecciones privadas más importantes del mundo. Con obras fechadas entre 1860 y 1970, es gestionada a través de una fundación.
El museo Kunsthal, diseñado por el arquitecto holandés Rem Koolhaas, no posee una colección permanente propia y exhibe habitualmente diferentes tipos de arte, incluyendo fotografía, escultura, diseño y moda.

"Valor incalculable"

El mundo del arte reaccionó conmocionado al robo de los lienzos. "Los cuadros tienen un valor incalculable", afirmó el fundador y ex director del museo Kunsthal, Wim van Krimpen, en declaraciones a la televisión holandesa.
Expertos consideran que los cuadros robados son imposibles de vender. "Nadie querrá jamás tener que ver con algo así", dijo el director de la casa de subastas Christie's en Amsterdam, Jop Ubbens, a la agencia de noticias ANP.
"Lo más probable es que los cuadros hayan sido robados para cobrar un rescate", añadió. No obstante, ayer no se habían recibido llamadas con ese fin.
En un comunicado, el director del museo, Willem van Hassel, precisó que el museo permanecería cerrado durante los peritajes, los que podrían prolongarse hasta hoy.
El golpe de ayer en Rotterdam es el más espectacular desde que, en 2010, un audaz encapuchado se coló de noche por una ventana en el Museo de Arte Moderno de la Villa de París y, a golpe de cúter, se llevó Le pigeon aux petits pois, de Pablo Picasso; La pastorale, de Henri Matisse; L'olivier près de l'Estaque, de Georges Braque; La femme à l'éventail, de Amadeo Modigliani, y Nature morte aux chandeliers, de Fernand Léger, un impresionante botín valorado en 700 millones de dólares.
En ese momento no se encendió la alarma del museo ni los vigilantes se enteraron de nada.
En otro atraco cinematográfico, dos años antes tres ladrones armados irrumpieron en pleno horario de visitas en la Fundación Emil Bührle de Zurich. Como si de una película se tratara, los delincuentes obligaron a los presentes a arrojarse cuerpo a tierra y, ante sus ojos, sustrajeron cuatro cuadros de Cézanne, Van Gogh, Degas y Monet, valorados en al menos 150 millones de dólares.
El robo de ayer en Holanda se produjo justo cuando la fiscalía federal del sur de Nueva York anunció la recuperación de una pintura del artista estadounidense Roy Lichtenstein, Cable Eléctrico, que había desaparecido misteriosamente en 1970 y que ahora está valorada en aproximadamente 4 millones de dólares.
El cuadro fue devuelto ayer a la propietaria legítima, Barbara Bertozzi Castelli, viuda del galerista Leo Castelli, quien exhibió la pintura en su galería de Nueva York. La misteriosa desaparición de la pintura había ocurrido en febrero de 1970, cuando Castelli mandó limpiar la pintura al restaurador Daniel Goldreyer y poco después de que éste la recibiera la obra desapareció sin explicación, según señaló la fiscalía en un comunicado.

Otros robos célebres

Golpes que asombraron al mundo del arte
  • EDVARD MUNCH
    El grito
    Año del robo:
    2004
    Cómo fue: dos personas sustrajeron a plena luz del día dos obras del artista en Oslo: El grito y Madonna. Dos años después aparecieron.
  • AMADEO MODIGLIANI
    La mujer con abanico
    Año del robo:
    2010
    Cómo fue: un encapuchado se introdujo de noche en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de París y con un cúter se robó éste y otros cuadros.
  • LEONARDO DA VINCI
    Mona Lisa
    Año del robo:
    1911
    Cómo fue: fue sustraído del Museo del Louvre por un empleado. Lo hallaron dos años después.
Del editor: qué significa
Aunque la seguridad en los museos mejora gracias a la tecnología, en los últimos años, en coincidencia con la crisis en Europa, se cometieron grandes golpes.
Agencias AP, Reuters y DPA .


Fuente: lanacion.com

EL GUGGENHEIM CUMPLE QUINCE AÑOS
COMO SÍMBOLO DE LA TRANSFORMACIÓN DE BILBAO


Fotografía a vista de pájaro del Museo Guggenheim de Bilbao, junto a la ría de Bilbao. EFE/Archivo

Bilbao, 14 - El museo Guggenheim de Bilbao cumple el próximo jueves día 18 quince años de existencia, un periodo en el que el edificio diseñado por Frank Gehry se ha convertido en un icono de la arquitectura y en el símbolo de la transformación urbana de la capital vizcaína.
Bilbao era a primeros de los noventa una ciudad que se recuperaba de una durísima reconversión industrial. Habían caído los grandes altos hornos y Vizcaya necesitaba orientar el futuro de su economía.
La idea de levantar un museo Guggenheim en Bilbao -en Europa solo había uno en Venecia- se le ocurrió al Gobierno vasco que presidía entonces Jose Antonio Ardanza y a su consejero de Cultura, Joseba Arregi, apoyados desde la Diputación vizcaína.
Tuvieron que vencer bastantes reticencias, la primera, que costó veinte mil millones de pesetas de la época, 120 millones de euros. La segunda, que en una sociedad gris y fabril pocos veían el arte contemporáneo como un revulsivo económico.
El compromiso para construir el edificio se firmó el febrero del 1992 en Nueva York. El arquitecto elegido fue Frank Gehry.
Desde que fue inaugurado el 18 de octubre de 1998, su diseño exterior de curvas y titanio se convirtió en una obra de arte en sí misma con un éxito arrollador.
En su interior, dividido en tres pisos, el protagonismo es para el limpio y altísimo atrio y para la sala principal que alberga de manera permanente la "Serpiente" y el resto de enormes y torcidas planchas metálicas de Richard Serra.
La "Serpiente", formada por tres chapas de acero curvas y paralelas de 30 metros de anchura por cuatro de altura, en cuyo interior juegan niños y mayores, es quizás la obra artística más importante del museo.
Además, cuenta en su colección permanente con obras de Mark Rhotko, Willem de Koneing o Anselm Kiefer, pero sin duda, lo más atractivo del centro, edificio aparte, son sus exposiciones temporales.
La muestra inaugural, en 1997, trajo a Europa lo mejor del Guggenheim de Nueva York, con obras de las vanguardias del XX como Picasso, Matisse o Mondrian y figuras del arte contemporáneo como Bacon o Jackson Pollock.
Desde entonces las exposiciones temporales del museo han combinado las muestras ortodoxas dentro del arte contemporáneo, con exposiciones de Rauschenberg, Cristina Iglesias, Chillida o Mark Rothko, con otras criticadas por los puristas pero con una popularidad indiscutible.
Entre estas últimas han destacado las dedicadas a los vestidos de Armani, a las motocicletas o a la historia del arte chino.
Sea por la arquitectura o por el arte, lo cierto es que el museo de Bilbao ha recibido durante todos esos años un millón de visitantes anuales, con plena regularidad.
Tal riada de gente, muchísimos extranjeros, ha concedido a Bilbao una enorme proyección internacional, a la vez que la propia ciudad transformaba su urbanismo y abría su mente con la invasión de turistas.
También ha habido en estos años algunas noticias negativas, la primera, que el museo no se libró del terrorismo de ETA: la banda asesinó a un ertzaina, Txema Aguirre, que lo custodiaba unos días antes de su inauguración. La plaza que da acceso al museo lleva hoy su nombre.
El resto de polémicas han salpicado de vez en cuando a un museo que solo ha tenido un director, Juan Ignacio Vidarte. Las más destacadas fueron la condena a tres años de su director económico, Roberto Cearsolo, por un desfalco, y una operación financiera con la que el museo intentó especular con el cambio euro-dólar, pero salió mal y supuso unas pérdidas de seis millones de euros.
En los últimos años, al llegar los socialistas al Gobierno vasco, ha habido tensiones con la Diputación de Bizkaia por la reclamación socialista de participar en la gestión del centro.
Pero el éxito ha sido que todo el mundo ha querido repetir el modelo "Bilbao", incluidos los propios vizcaínos: hace tres años se presentó un proyecto para construir un segundo Guggenheim en la reserva de la biosfera de Urdaibai, a unos cincuenta kilómetros de Bilbao, una idea aparcada de momento.

Roberto Cubero

Fuente: EFE

LAS PIEDRAS HABLAN EN
"LA HISTORIA DEL MUNDO EN CIEN OBJETOS"

Fotografía cedida por el British Museum de la monumental estatua de Ramsés II, que forma parte de "La historia del mundo en 100 objetos". EFE

Redacción Cultura - Desde un canto tallado usado en África hace dos millones de años hasta una lámpara solar de 2010, el director del British Museum, Neil MacGregor, recorre la evolución de la "familia humana" en "La historia del mundo en 100 objetos", un excepcional viaje caleidoscópico por el tiempo y las civilizaciones.
"Los objetos nos obligan a reconocer con humildad que, desde que nuestros antepasados dejaran África para poblar el mundo, hemos cambiado muy poco", afirma MacGregor (Glasgow, 1946), al frente desde hace una década del Britihs Museum, institución que lleva más de 250 años coleccionando cosas de todo el planeta.
Un centenar de esos objetos fueron escogidos por el personal del museo y por la cadena BBC para un programa emitido en 2010 por Radio 4, con el mismo título: "La historia del mundo en 100 objetos".
Las reglas las estableció el director de la emisora, Mark Damazer, y eran claras: los objetos tenían que abarcar el mundo entero y abordar todos los aspectos posibles de la experiencia humana y de las sociedades, tanto de los ricos como de los humildes.
El volumen publicado ahora en español por la editorial Debate es el registro por escrito de aquella experiencia radiofónica emitida para todo el planeta y que se apoyó en fotografías de los objetos abordados, disponibles en la web del programa durante todo 2010.
El lector transita ahora por 800 páginas en las que MacGregor le toma de la mano y le guía por la historia de la humanidad de manera didáctica, amena, lúdica y global, porque, como él dice, las cosas no solo "hablan" sino que también contienen "poesía", ya que desde que el mundo es mundo los seres humanos han tenido "las mismas necesidades y preocupaciones, temores y esperanzas".
Su objetivo no es ofrecer una mera descripción de esos objetos excepcionales sino mostrar su significado, su transcendencia, descifrar sus mensajes, porque, como recuerda MacGregor, "la escritura es uno de los logros más tardíos de la humanidad".
De hecho, subraya, "más del 95 por ciento del conjunto de la historia de la humanidad solo puede narrarse en piedra, ya que, aparte de los restos humanos y de animales, los objetos de piedra son lo único que sobrevive".
Para muchas culturas, si se quiere saber aunque solo sea un mínimo sobre ellas, esa es la única forma de hacerlo. Es el caso, por ejemplo, de la cultura mochica de Perú, que sobrevive solo a través del registro arqueológico y está presente en el libro con una vasija de arcilla en forma de guerrero del año 100-700 d.C.
Y es que, según MacGregor, la historia solo ha tratado bien a algunas culturas americanas, como los aztecas, incas o mayas.

Fotografía cedida por el British Museum de la Copa Warren, encontrada hace 2.000 años en Battir, cerca de Jerusalén, en la que se esculpe una escena de sexo entre hombres y que forma parte de "La historia del mundo en 100 objetos". EFE

Pero además, la conquista española de los aztecas, por ejemplo, ocultó a los ojos de la posteridad la conquista azteca del pueblo huasteca, del que ha sobrevivido algo de su cultura material, como la escultura de una diosa procedente de lo que hoy es el norte de México, pero que hacia el año 1400 era el pueblo huasteca.
De la cultura maya, el libro recoge una estatua del dios del maíz hallada en Copán, Honduras, así como el relieve de una sangría real, procedente de Yaxchilán (Chiapas), en México.
De México, el director del British Museum también retiene una estatuilla de mosaico turquesa que representa una serpiente bicéfala del imperio azteca, cuya cultura fue en su mayor parte destruida durante la conquista y su pueblo diezmado por enfermedades.
De este país también procede un cinturón de piedra de juego de pelota ceremonial, afición común en Centroamérica.
Y de los incas, escoge una estatuilla de una llama de oro, hallada en Perú, para hablar de este pueblo que hace 500 años, antes de la llegada de los españoles, creó el mayor imperio del mundo.
Y es que además de bellos, los objetos que han sobrevivido al tiempo tienen significado y cuentan historias.
Historias de cómo monedas españolas (reales de a ocho), acuñadas en Potosí (Bolivia) explican los orígenes de una moneda global, "la primera auténticamente mundial", subraya MacGregor, que recuerda que nació en 1570 y predominó hasta bien entrado el siglo XIX.
O del enorme proceso de ingeniería y logística que se puso en marcha para construir la monumental estatua de Ramsés II, encontrada en Tebas, cerca de Luxor, en Egipto, y que pone de relieve no solo la grandeza de este faraón sino su capacidad para la propaganda.
Pero también nos hablan de la vida cotidiana y de la intimidad, como la Copa Warren, encontrada hace 2.000 años en Battir, cerca de Jerusalén, y en la que se esculpe una escena de sexo entre hombres.
Pero la primera representación de una pareja practicando el sexo que se conserva es una estatuilla de los amantes de Ain Sakhri, encontrada en Uadi Jareitun, Judea, cerca de Belén, del 9000 a.C.
Entre esos amantes y la escultura "El Beso", de Rodin, hay 11.000 años de historia humana, pero MacGregor, a quien le conmueve la delicadeza de ese pequeño guijarro esculpido, piensa que muestra que "no" ha habido "demasiados cambios en el deseo humano".

Catalina Guerrero


Fuente:EFE

PERÚ ENVÍA A SUIZA 160 PIEZAS
DE CULTURAS PREHISPÁNICAS PARA EXPOSICIÓN


Perú autorizó la salida a Suiza de 160 piezas arqueológicas de culturas incaicas, que datan de hace más de 1.000 años, para ser exhibidas en una exposición denominada "Chavín: la llegada de los dioses a los Andes", según una norma publicada este jueves en la gaceta oficial.


Por Ernesto Benavides

Perú autorizó la salida a Suiza de 160 piezas arqueológicas de culturas incaicas, que datan de hace más de 1.000 años, para ser exhibidas en una exposición denominada "Chavín: la llegada de los dioses a los Andes", según una norma publicada este jueves en la gaceta oficial.
Las piezas arqueológicas son auténticas y serán expuestas del 24 de noviembre al 10 de marzo de 2013, en el museo Rietberg de Zurich considerado el único museo de arte para culturas extraeuropeas en Suiza, señala la norma.
Entre las piezas que será enviados al museo se encuentran seis coronas de metal, cabezas clavas (representaciones líticas del Dios jaguar, típicas de la cultura Chavín), decenas de cerámicas en forma de botellas, cántaros, platos, orejeras y textiles.
La norma señala que el ministerio de Cultura adoptará las medidas para verificar el estado de conservación y autenticidad de las piezas al retornar al Perú dentro de los 15 días calendario siguientes al término de la muestra.
Las piezas arqueológicas pertenecen a las culturas Chavín, Paracas, Mochica y son de propiedad de nueve museos peruanos.

Fuente: AFP

PRIMERA GRAN RETROSPECTIVA EN EEUU
DEL PINTOR DE ARTE POP ROY LICHTENSTEIN


La obra de Roy Lichtenstein, el gran pintor estadounidense de arte pop, famoso por sus cuadros de imágenes de viñetas de cómic, a gran escala y conformadas por miles de puntos, es objeto en Washington de la primera gran retrospectiva desde la muerte del artista hace 15 años.


Por Fabienne Faur

La obra de Roy Lichtenstein, el gran pintor estadounidense de arte pop, famoso por sus cuadros de imágenes de viñetas de cómic, a gran escala y conformadas por miles de puntos, es objeto en Washington de la primera gran retrospectiva desde la muerte del artista hace 15 años.
La exposición en la Galería Nacional de Arte, que abre este domingo con entrada libre, presenta unas 130 obras, entre pinturas, esculturas y dibujos, algunas emblemáticas, realizadas a lo largo de la prolífica y exitosa carrera del artista fallecido en 1997 a los 73 años.
La exhibición, que se podrá visitar hasta el 13 de enero, viajará luego a la galería Tate Modern de Londres, donde estará desde el 21 de febrero hasta el 27 de mayo, y más tarde al Centro Pompidou de París, donde se instalará una versión reducida del 3 de julio al 4 de noviembre.
Lichtenstein es, "sin duda, el artista contemporáneo estadounidense más conocido junto con Andy Warhol", otro maestro del arte pop, dijo a la AFP Harry Cooper, curador de la exposición.
"No creo que él quisiera ser considerado, ante todo, un pintor estadounidense", agregó. "Es un gran pintor moderno", dijo.
La exposición se inicia con un cuadro icónico del artista, "Look Mickey" (Mira Mickey) de 1961, en el que se ve al famoso ratón de Walt Disney, una imagen estadounidense por excelencia, burlándose del Pato Donald.
En esta temprana obra ya aparece la técnica de los pequeños puntos, marca registrada del artista. Todavía es primitiva; mucho después la mejorará, con rejillas o plantillas a través de las cuales los puntos serán siempre pintados a mano.
Lichtenstein capta imágenes icónicas para centrarse en su forma y "transformar el lenguaje del cómic en una obra de arte", señaló Cooper.
En la exposición se puede ver otra obra célebre, "Wham" de 1963, que muestra a un avión de combate disparando a otro en el aire, con un mínimo de detalle pictórico y una máxima sensación de impacto por la violencia expresada.
Lichtenstein "no condena ni celebra, su actitud es ambigua, como la de Warhol y el arte pop", dijo Cooper. "No se sabe cuál es el tono, cuál es el punto de vista, es parte de la definición del Pop Art, algo así como apartar al artista" de la obra.
La retrospectiva, que ofrece un recorrido temático y cronológico, permite sin embargo descubrir aspectos mucho más ampliamente incomprendidos de la obra del pintor: las hermosas esculturas con acento Art Decó, las pinturas en blanco y negro muy abstractas, los paisajes chinos de puntos pequeños, y las series expresionistas conocidas como "pinceladas".
Lichtenstein, que había cursado estudios de arte y visitó los museos más importantes, sobre todo en Francia durante la Segunda Guerra Mundial, "tenía una gran cultura visual, un conocimiento profundo de la historia del arte", explicó Cooper.
Así, rinde homenaje con sus puntos a la serie de las catedrales de Monet, a Picasso y a los maestros flamencos y sus naturalezas muertas.
En noviembre de 2011, una de las pinturas del artista, "I Can See the Whole Room! ... and There's Nobody in It!" (Puedo ver toda la habitación ...¡y no hay nadie en ella!), se vendió por un récord de 43,2 millones de dólares en Christie's en Nueva York.

Fuente: AFP

UNA OBRA DE RICHTER ESTABLECE UN RÉCORD
EN UNA SUBASTA PARA UN ARTISTA VIVO


El artista Gerhard Richter revisa sus obras de la muestra retrospectiva 'Gerhard Richter: Panorama' en el Centro Pompidou, en París, el 4 de junio de 2012.

Por Joel Saget

Una obra del veterano pintor alemán Gerhard Richter que pertenecía al músico británico Eric Clapton estableció en la noche del viernes en Londres un nuevo récord mundial en una subasta para un artista vivo, al venderse por más de 34 millones de dólares, anunció la casa Sotheby's.
'Abstraktes Bild (809-4)' fue adquirida por 21,3 millones de libras (34,2 millones de dólares, 26,4 millones de euros) al término de más de cinco minutos de pugna entre tres postores anónimos que pujaron por teléfono, precisó la subastadora.
El cuadro superó con creces la estimación más optimista de 12 millones de libras y pulverizó el anterior récord logrado en mayo pasado por el pintor de 80 años con 'Abstraktes Bild (1983)', que se vendió por 21,8 millones de dólares en Nueva York.
También estableció un nuevo récord en una subasta para un artista vivo, que hasta ahora poseía el estadounidense Jasper Johns, con su obra 'Flag', vendida por 28,6 millones por la casa rival Christie's en mayo de 2010 en Nueva York.
El colorido y monumental óleo abstracto ejecutado en 1994 por Richter forma parte de una serie de cuatro obras numeradas 809 del 'catálogo razonado' de este pintor, que acaba de tener una gran retrospectiva en el Centro Pompidou de París.
Clapton había comprado este cuadro junto con otros dos de la misma serie en una subasta celebrada en noviembre de 2001 en Nueva York por un monto global de 3,4 millones de dólares.
En la misma velada, una escultura realizada en 1957 por el español Eduardo Chillida, 'Ikaraundi', se vendió por 1,04 millones de libras (1,6 millones de dólares, 1,3 millones de dólares, mientras que una obra de 1998 de la brasileña Beatriz Milhazes, 'Dança dos reis', fue adquirida por un coleccionista privado europeo por 847.650 libras (1,36 millones de dólares, 1,05 millones de euros).
En total, la subasta de arte contemporáneo y de arte italiano del siglo XX organizada por Sotheby's coincidiendo con la feria londinense Frieze recaudó 60 millones de libras (95,6 millones de dólares, 75 millones de euros).


Fuente: AFP


TODO LO QUE TOCA LO CONVIERTE EN OBRA DE ARTE


Vive en el Delta

Esteban Hernández busca en las calles elementos que pueda intervenir. “Veo algo y pienso qué uso le puedo dar”, dice. Participa de “Maktub Art”, un proyecto junto a los artistas Carlos Páez Vilaró y Clorindo Testa.

En el taller. "Tempe" Hernández, rodeado de sus pinturas.

Por Martina Johansen

Para muchos una ojota o una zapatilla sirven simplemente como calzado. Para otros, en cambio, pueden adquirir un sinfín de significados. Tal es el caso de Esteban “Tempe” Hernández, un artista plástico que hace cinco años eligió las islas del Delta de Tigre como lugar para vivir y Carupá para asentar su taller, donde transforma todo tipo de elementos en obras que tratan de plasmar distintas realidades. Actualmente, además, tiene el privilegio de participar de “Maktub Art”, un proyecto en el que reacondiciona elementos, como muebles antiguos, junto con artistas reconocidos mundialmente como Carlos Páez Vilaró y Clorindo Testa.
A pesar de que se dedica principalmente a crear pinturas y ensambles, Hernández ahora está participando de esta innovadora iniciativa en la cual la gente se acerca con algo que desea modificar para que el artista lo decore según su estilo y deje impregnado su sello característico. “Es un placer ser parte de un proyecto donde participan artistas con una trayectoria tan importante como Páez Vilaró o Testa. Eso motiva mi trabajo porque de alguna forma la intervención personal del objeto pasa a ser una obra colectiva que nutre y le da fuerza al trabajo personal da cada uno”, cuenta el vecino.
“Es una buena oportunidad para darle una forma más fresca a algo serio, como una biblioteca”, afirma. Y agrega: “Es un emprendimiento diferente, que nos permite intervenir un objeto al que alguien ya le dio un estilo. Usamos ese soporte para expresarnos como si fuera un lienzo”.
La diversidad de situaciones que pueden plantearse en sus obras hacen que resulte difícil catalogarlas, aunque “Tempe” asegura que podrían vincularse al expresionismo y el informalismo. “Mi mamá era artista por lo que me crié en contacto con las diferentes corrientes del arte. Con el tiempo crecí y empecé a conocer nuevas cosas. Ahora pinto lo que quiero ver”, relata el artista, de 33 años cuyo referente es el pintor argentino Antonio Berni.
En su taller puede observarse un pequeño acopio de materiales que van desde tarimas y chapas hasta ruedas y tapitas de gaseosas. “Estoy continuamente buscando cosas en la calle. Veo algo y pienso en el potencial que tiene y qué uso le puedo dar”, cuenta “Tempe”.
Sus obras lo llevaron a exponer en diferentes partes del mundo, como España y Perú, entre otros países. “Me da mucha satisfacción que haya gente en México o en Canadá que tiene un cuadro mío en su pared”, afirma el vecino desde el Delta de Tigre. Y va por más: “Planeo seguir pintando y que mis obras sigan viajando por todas partes”.


Fuente: clarín.com

ELBA BAIRON:
INSTALACIONES EN YESO
QUE BUSCAN UNA ESENCIA INQUIETANTE

Se formó en el grabado y en la década de 1990 encontró un nuevo lenguaje en las instalaciones y las esculturas.

En el taller. La artista nació en Bolivia y creció en Argentina. Gerardo dell´Oro

Por Julia Villaro

Una escalera larga y oscura que culmina felizmente en una terraza llena de luz. Cuando entro al taller de la artista plástica Elba Bairon comprendo mejor el mundo de sus esculturas: el blanco que parece alcanzarlo todo, respeta sin embargo, rincones de silencio, de soledad melancólica que pueden conducirnos a un estado sutil de inquietud interior.
El trabajo de Bairon ha sido reconocido una vez más este año, cuando con motivo del 101 Salón Nacional de Artes Plásticas le otorgaron el Gran Premio Adquisición en la disciplina Instalación y nuevos soportes. Su obra Sin título , de 2008 fue realizada en yeso, sobre ladrillos y tabla de madera con esmalte sintético de 80 centímetros por dos metros y medio. Esa es la excusa para intentar entrevistarla, porque nunca permitirá que se la grabe: le tiene fobia a los grabadores.
Entonces: en un territorio como el del arte contemporáneo, donde los límites son cada vez más confusos y las palabras sólo tienen sentido para los entendidos ¿de qué hablamos cuando hablamos de una instalación? Antes que cualquier otra cosa, una instalación es un objeto situado en el espacio del espectador, que busca, al diluir los límites entre el lugar de la obra y el del público, interpelarnos. Muchas instalaciones son transitables o manipulables, el caso es que su sola presencia en nuestro territorio ordinario llama la atención de quien lo transita y con este simple acto, modifica ese espacio para siempre. Las instalaciones de Bairon van más allá. Para ella una instalación es una situación.
Comenzó su carrera artística realizando grabados. No fue, sin embargo, la necesidad de un salto abrupto lo que finalmente la acercó a la escultura y la instalación en la década de los 90. Sabe que un interés por lo corpóreo la habita desde niña. Si dibujar y modelar son para ella el decantar orgánico de un mismo deseo plástico, la instalación le ha servido como territorio de confluencia: espacio, volumen y materia tienen la misma importancia a la hora de generar obra, y todo está supeditado a una idea inicial, una situación disparadora que puede provenir tanto de la literatura como de la vida cotidiana.
El blanco de sus figuras es ambivalente: evoca pureza y al mismo tiempo inquieta; como querer gritar en un sueño y que la voz no salga. El color distrae y tranquiliza y por eso la artista cuenta haber depurado sus figuras de cualquier tonalidad. Sus obras son inquietantes porque buscan la esencia; y la pureza en estado absoluto nos es desconocida.
A Bairon no le gustan las entrevistas. Prefiere que sus obras hablen por ella. Su discurso tiene el lenguaje del yeso. No hay rigor de grabador, sólo una charla amable; es mejor soltar y dejar el misterio al misterio: aquello que en cada uno de nosotros da vida a sus obras, ninguna palabra lo arrancará al silencio.


La Paz, Bolivia. Artista plástica.

Desde 1967 vive y trabaja en Buenos Aires. Se formó en grabado y litografía. Realizó exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Puerto Rico, Japón, Italia y España, entre otros países. Obtuvo el Premio del Salón Nacional de Grabado para extranjeros en dos ocasiones, la beca del Fondo Nacional de las Artes y el Premio de la Bienal de Arte de Bahía Blanca.

Fuente: clarin.com

VIVIR EN BABEL


                                                                                                                     Pieter Brueghel, El Viejo. Escuela Flamenca, 1525-1569. 'La Torre de Babel', 1563

VIVIR EN BABEL
       
¿Quiere Usted viajar sin moverse de Buenos Aires y alrededores?
     Esta casa puede ser su solución. Veamos...
     Sólo basta con combinar un “tour de propietaire” a esa inacabable caja de sorpresas que es la casa de Eleonora, mezcla rara de tienda berebere de campaña, sotobosque amazónico, mercado persa pre-Khomeini, invernáculo inglés victoriano, bambalina del Teatro alla Scala de Milán, feria de pájaros de Pompeya y fondo del Mar de las Antillas.
Es inútil tratar de averiguar con precisión de dónde vienen tantas presencias, tantas evocaciones, tantas alusiones e historias: de Bali o del Sahara, de la Provence o Machu Picchu, de Beverly Hills o Pehuajó, de Marrakech o Hong Kong, del Tigris o del Éufrates o de la mismísima Mesopotamia por
ellos delimitada.
Quizás movida por inquietudes ancestrales de normandos exploradores establecidos desde casi siempre en la verde Irlanda, quizás debido a ese particular sello llegado desde Guillermo el Conquistador hasta los vastos ponientes de su entrañable y pampeana General Pico de adopción o a lo mejor por tener un espíritu compulsivamente nómade, trashumante.
Quizás por esos inevitables destellos germanófilos heredados de la Leipzig de Bach, de Mendelssohn y de Wagner a través de su familia política, propietaria de afamados viñedos en Bingen, sobre el Rhin.
O quizás de todos a la vez, en dosis cuidadosamente estudiadas y aplicadas con artesanal paciencia digna de la Gran Muralla China, con intuición de pitonisa, dedicación obsesiva y alquimia pura, propia, personal.
Viajera incansable, sensible, atenta, sagaz cazadora de objetos a quien a la vuelta de sus viajes por lo general sólo le queda una variante para ser llevada desde Ezeiza a su casa: ¡un camión de mudanzas!
Esas cajas de Pandora que son las casas de Eleonora - salió así sin la mínima intención de hacerlo en verso - son sólo posibles cuando todos esos elementos tan dispares están ligados por su singular personalidad y su osadía sin par.
Eleonora se resiste a hacer casas argentinas convencionales.
Sus casas, esas multifacéticas régies, son verdaderas torres de Babel decorativas.
Tiene Eleonora esa cuota de coraje que hace falta para llegar a lo genial.
Tiene fantasía. Y sus casas expresan su mundo. Su mundo, es el mundo de la fantasía.
Eleonora es, además de ambientadora, como suele autodefinirse, alquimista por naturaleza.
Mezcla y bate sin inhibiciones y le salen cosas como lo que documentan estas fotos: un cóctel inaudito donde cada elemento tiene una marcada intencionalidad, donde ningún accesorio tiene la condición de accesorio, donde todo es alevosamente cuidado y premeditadamente buscado, aunque ella pretenda disimularlo de una y mil maneras.
Mezcla y bate personas y personajes - ella misma es uno – en fiestas memorables por lo insólitas, divertidas, insospechadas.
Es también una consumada cocinera: mezcla, bate y dispone en bowls de porcelanas orientales traslúcidas deliciosos ingredientes multicolores – caviares rusos, negros y rojos, rosados salmones ahumados, hispánicas alcaparras – que a elección de sus huéspedes poblarán sus ya célebres blinis, a los que prepara con devoción benedictina y sirve con un riquísimo vodka casero.
Eleonora siempre busca seducir, sabe hacerlo y lo logra.
Es imposible resistirse. Como la hechicera de una tribu, mezcla y mezcla. Muebles, adornos, objetos de arte; invitados y potajes fantásticos. Ella goza al ambientar. Goza al cocinar. Goza al recibir. Goza plenamente con todo y éso se nota.
Todas sus ambientaciones, fiestas y manjares son verdaderas puestas en escena con un común denominador: el amor con que están hechos y el indeleble estilo de su calidez única y su inconfundible toque personal. Sacuden los sentidos. Podrán gustar o no, pero de lo que no cabe ni un ápice de duda es de que nos será imposible permanecer indiferentes.

                                                                                                                                                                  Pedro L. Baliña
                                                                                                                                                                         Buenos Aires, 1995

TURQUÍA, TRAS LOS MUSEOS DEL MUNDO

Turquía exige la devolución de tesoros que fueron hallados en excavaciones en su territorio y hoy se exhiben en diferentes partes del mundo. Los museos reaccionaron y acusaron al país de "chantaje cultural".  

Por DAN BILEFSKY - The New York Times / Estambul

La enérgica campaña que desarrolla Turquía en reclamo de antigüedades, que según sostiene le fueron robadas, derivó en la reciente devolución de una antigua esfinge y de muchos tesoros del rico pasado de la región. Pero también ha generado críticas por parte de algunos de los museos más grandes del mundo, que califican la campaña de chantaje cultural.
La última medida de los funcionarios turcos fue presentar este verano (boreal) una protesta ante el sistema judicial de su país en la que solicitan se investigue lo que señalan fue la excavación ilegal de dieciocho objetos que se encuentran ahora en la colección Norbert Schimmel del Metropolitan Museum of Art de Nueva York.
Los funcionarios turcos recordaron que el año pasado el director general de museos y patrimonio cultural de Turquía, Murat Suslu, había dado un sorprendente ultimátum a los funcionarios del Metropolitan: que presentaran pruebas de la procedencia de antiguas esculturas y vasijas doradas porque, de lo contrario, Turquía podría suspender el préstamo de tesoros.
Turquía dice que ya se ha instrumentado la amenaza. "Sabemos que todos los objetos que están en el Met son de Anatolia", la región turca conocida por sus antiguas ruinas, dijo Suslu, que es arqueólogo. "Sólo queremos que nos devuelvan lo que es nuestro".
Los intentos de Turquía han desencadenado un debate internacional sobre la propiedad de las antigüedades luego de siglos de fronteras en movimiento. Museos como el Met, el Getty, el Louvre y el Pergamon de Berlín dicen que las tácticas de Turquía ponen en peligro su misión de exponer tesoros artísticos globales.
Los directores de museos afirman que el intento de repatriación busca modificar prácticas aceptadas, como una convención de la Unesco que permite a los museos adquirir objetos que se encontraban fuera de su país de origen antes de 1970.
Si bien Turquía ratificó la convención, ahora cita una ley de la era otomana de 1906 ­que prohibía la exportación de objetos­ como base para hacer sus reclamos.
Egipto y Grecia han planteado demandas similares, e Italia convenció al Met de devolver en 2006 una antigua vasija conocida como la Vasija de Eufronios.
Pero las enérgicas tácticas de Turquía han generado alarma en los museos. Los funcionarios locales se niegan a prestar tesoros, retrasan la autorización de excavaciones arqueológicas y critican públicamente a los museos.
"Los turcos impulsan la polémica y una política desagradable", dijo Hermann Parzinger, presidente de la Fundación Patrimonio Cultural Prusiano, que supervisa el Pergamon. "Deberían cuidarse de hacer acusaciones morales cuando sus museos están llenos de tesoros robados" que adquirieron los otomanos durante los siglos que gobernaron partes de Oriente Medio y el sudeste de Europa, declaró.
Un ejemplo es un valioso sarcófago destinado a Alejandro Magno que se descubrió en Sidón, El Líbano, en 1887, y en la actualidad se encuentra en el Museo Arqueológico de Estambul. Suslu dijo que el sarcófago es propiedad legal de Turquía porque se lo había excavado en territorio que en aquel momento pertenecía al país.
La campaña turca, sin embargo, ha tenido un éxito notable. El Pergamon aceptó el año pasado devolver una esfinge de tres mil años de antigüedad del imperio hitita que, según sostenía Turquía, se había trasladado a Alemania en 1917 para su restauración.
En septiembre de 2011, el Museo de Bellas Artes de Boston devolvió la mitad superior de una estatua de 1.800 años, "Heracles cansado".
A los efectos de presionar al Met, los funcionarios turcos declararon que se habían negado a hacer préstamos para una exposición del museo de este año.
El Met negó que le hubiera pedido a Turquía piezas para la muestra. Su director, Thomas P. Campbell, señaló que el Met consideraba que Norbert Schimmel había adquirido de forma legal los objetos que reclamaba Turquía en la década de 1960, antes de donarlos al museo en 1989, por lo que se inscribían en el acuerdo de la Unesco. "Si surgen pruebas de que los objetos fueron producto de excavaciones ilegales o de saqueos, analizaremos el tema caso por caso", dijo Campbell.
Agregó que el argumento de que siempre había que devolver los objetos a su país de origen era dudoso. "Estamos celebrando la cultura turca", afirmó, "y son las grandes exposiciones en Londres, París y Nueva York las que alientan a la gente a visitar Turquía y explorar su patrimonio cultural en lugar de limitarse al sol y la playa".
Suslu, por su parte, declaró que nada justificaba el robo.

Fuente: Revista Ñ Clarín

YELLOWISM, EL MOVIMIENTO ARTÍSTICO QUE DESTRUYÓ UNA PINTURA DE ROTHKO PARA "APROPIARSE" DE ELLA

Para impulsar su propia corriente artística, un dúo de polacos el domingo pasado pintó una pintura clásica de Mark Rothko que exhibía la Tate Modern de Londres. Uno de ellos está detenido y clama su inocencia: "Yo no soy un vándalo", dice.


Por Marcela Mazzei

El domingo pasado, un hecho violento sacudió las agencias de noticias y cerró la galería Tate Modern de Londres. Un joven visitante que había estado un rato observando los murales de Mark Rothko, se acercó a Negro sobre marrón y con una brocha con pintura negra escribió sobre la pintura en un área pequeña: “Vladimir Umanets, una posible pieza de Yellowism”. Por supuesto que el sospechoso, que salió rápido de la galería de arte contemporáneo más visitada del mundo –que recibe 4,7 millones de personas al año y tiene entrada gratuita– fue y continúa detenido. Y la búsqueda de las motivaciones del delincuente, casi un género narrativo en sí mismo, enseguida guió a los observadores a esa extraña palabra: ¿qué significa Yellowism? ¿Por qué alguien cometería ese acto brutal en su nombre?
"Algunos piensan que estoy loco o que soy un vándalo, pero mi intención no era destruir la pintura", dijo el detenido Wlodzimierz Umaniec, el joven polaco de 26 años conocido también como Vladimir Umanets, que dice ser estudiante de arte y uno de los fundadores del Yellowism (algo así como Amarillismo). "Yellowism no es arte, y tampoco está en contra del arte", le aclaró Umanets al Telegraph británico el unes. "Es un elemento de la cultura visual contemporánea. No es un movimiento artístico. No es arte, no es la realidad, es sólo Yellowism. La diferencia principal entre Yellowism y el arte es que en el arte hay libertad de interpretación, en Yellowism no hay libertad para interpretar, todo se trata de Yellowism. Eso es todo".
Grandilocuente y fundamentalista, su discurso no conformó a los que seguían detrás de las motivaciones: por qué alguien escribiría una suerte de etiqueta o tag graffitero sobre una pintura de 8000 dólares sin ningún remordimiento. Umanets admitió haberlo pintado pero negó que su intención fuera dañar el mural del artista de origen ruso que a los diez años emigró a Estados Unidos y llegó a convertirse en uno de los referentes del expresionismo abstracto.
Entonces aparecieron algunas pistas. Yellowism tiene un sitio web, un canal en Youtube y una página de Facebook. El movimiento –o como sea que se llamen a sí mismos– al parecer comenzó el 15 de noviembre de 2010 en Giza, Egipto, donde el dúo formado por Umanets y su compañero Marcin Lodyga inauguró su primera exposición, Flattened to Yellow, en una galería de 15 Damasco Street. En fotos de la exposición se puede ver una habitación pintada de amarillo con las palabras "Jamon Jamon" pintado en una pared (el nombre de una de las primeras películas de Penélope Cruz). El subtítulo de la muestra, "Natalia Vodianova Cámara Yellowistic", en referencia a una top model rusa, los revela mundanos.
Unos cuantos manifiestos después, se llega a entender que un objeto o una obra de arte que participa en una exposición de Yellowism pasa a formar parte del movimiento; y lo mismo sucede cada vez que firman una obra con el nombre del movimiento. No importa de qué obra se trate. La significación que tenía hasta entonces, hasta convertirse en un trabajo de Yellowism, desaparece. Así sea parte de la serie "Seagram", realizada por encargo por Rothko en los años 60 para el hotel Four Seasons de Manhattan (donde nunca se instaló) y valuada en 80 millones de dólares.
Para algunos, Yellowism es una actualización del Situacionismo y del arte de la apropiación. Para otros, en todo caso, una actualización equivocada, violenta y aborrecible. Mientras que Duchamp se apropió de un urinario y, con su firma, creó una obra de arte, Umanets cree que cualquier obra de arte existente se puede transformar en una obra de Yellowism añadiéndole su propia firma. "Yo no soy un vándalo", le juró al Telegraph. "En Yellowism, todas las interpretaciones posibles se reducen a una, se igualan en el amarillo".
No One Lives Forever se llamó la tercera exposición del grupo, en mayo de 2001 en una antigua fábrica de cerveza en Londres. Tiene una web propia, donde se lee que entre los artistas participantes estuvieron Damien Hirst, el artista polaco Miroslaw BalKa y el diseñador Neville Brody. Una pieza de jazz suena mientras el usuario permanece allí. En alguno de los videos, los socios se pasan un rato pintando una sala de galería de amarillo; en otros, comen en un McDonald’s.
Si dentro del ámbito del arte el vandalismo es la transgresión final, donde los vándalos oscilan entre la fascinación y la repugnancia, que haya sido una pintura de Rothko para muchos es una afrenta grave. En Houston está la Capilla Rothko, un santuario para la gente que cree en Dios o simplemente en Rothko; mirar sus pinturas es una experiencia espiritual para muchos de sus seguidores. Uno, muy enojado, escribió en el muro de Facebook de Yellowism: "Felicidades, la próxima vez que vaya a una galería y tenga que ver arte a través de una vitrina de acrílico o tenga a un guardia de seguridad respirándome la nuca, destruyendo toda intimidad que se pueda tener con una pieza de arte, ya sé a quién le voy a agradecer”.

Fuente: Revista Ñ Clarín

ALBERTO GIACOMETTI:
INAUGURAN HOY UNA GRAN RETROSPECTIVA EN PROA

Con más de 130 piezas en exhibición, es la primera muestra en Sudamérica que recorre la producción de la vida del artista suizo.

Caroline, 1965. Óleo sobre tela. /FUNDACIÓN GIACOMETTI, © SUCCESSION GIACOMETTI

Llegó el día: desde hoy se pueden admirar los tótems emblemáticos del suizo Alberto Giacometti, un escultor y pintor de los más importantes del siglo pasado.
Se trata de la primera muestra retrospectiva montada en Sudamérica, con más de 130 piezas en exhibición, que recorre el derrotero del artista fallecido en 1966.
La influencia de su experiencia en África, durante los años 20 del siglo XX, se delata en las figuras que Giacometti esculpió, a cuyas cabezas prestó especial atención.
Varios de esos estudios del cuerpo humano posteriores se pueden ver en Proa, donde las obras expuestas fueron traídas desde la Fundación Alberto y Annette Giacometti, radicada en París, en una selección curada por Véronique Wiesinger.
El trabajo con el volumen de las figuras creadas, en general chatas, es una de las señas particulares de la obra de Giacometti. Otra, el minucioso trabajo sobre las cabezas de sus personajes. La curadora de la muestra, la francesa Véronique Wiesinger –también directora de la Fundación Giacometti de París–, en diálogo con Clarín , explicó la recurrencia del artista suizo en esculpir y pintar cabezas: “Encontraba la vida en las cabezas. Porque ellas tienen los ojos. Allí es desde donde la energía se dispersa. Ese era el foco al que Giacometti atendía. Porque él intentaba capturar la vida como estaba dentro del modelo en ese momento, a través de los ojos.” Esculturas como El hombre que camina se convirtieron en íconos del siglo XX. Pero además, podrán verse, desplegadas en seis salas, algunas pinturas del suizo, así como utensilios diseñados por él –algunos para la familia argentina Born– y trabajos encuadrados en su época surrealista.
Una muestra excepcional en esta parte del mundo.

Fuente: clarin.com

 

EL MERCADO MUNDIAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO
RESISTE A LA DESALERACIÓN ECONÓMICA



Una obra del artista estadounidense Jean-Michel Basquiat, titulada 'Guerrero', en la casa de subastas Sotheby, el 14 de junio de 2012 en Londres. Basquiat es el artista que más ingresa, según una clasificación publicada por Artprice este martes en Londres.

Por Leon Neal

El mercado del arte contemporáneo, impulsado por China, resistió a la desaceleración económica mundial en 2011/2012, logrando "el tercer mejor resultado" de su historia a pesar de sufrir una contracción del 6%, según un informe presentado este martes en Londres por la empresa Artprice.
Las obras de arte contemporáneo vendidas en subastas en todo el mundo generaron conjuntamente unos ingresos de 860 millones de euros entre el 1 de julio de 2011 y el 30 de junio de 2012, frente a los 915 millones del año anterior, considerados "excepcionales".
Para Artprice, sin embargo, esta caída del 6% no es "nada alarmante", dado que 2011/2012 "se impone como el tercer mejor resultado de la historia" de este segmento por detrás de 2010/2011 y del récord establecido en 2007/2008, con 976,9 millones de euros.
"Cuando uno mira lo que está pasando en el mundo, no está nada mal", señaló Martin Bremond, del departamento de estudios económicos de esta empresa francesa, que tiene la mayor base de datos sobre el mercado del arte.
China, que concentra un 38,79% de las ventas, es el principal impulsor del mercado del arte contemporáneo, que representa actualmente un 11% de todo el mercado del arte y superó en 2011 al de las obras antiguas en rentabilidad.
Estados Unidos es el segundo mayor mercado para las obras de artistas nacidos a partir de 1945, con un 26,11% del total, seguido de Reino Unido, con un 22,1%.
El continente asiático fue también el que más obras compró por encima de 100.000 euros, 662 (incluidas 37 por encima del millón), contra 382 en Estados Unidos y 324 en Europa, en un mercado en el que la mayoría de las piezas se venden por menos de 5.000 euros.
En cuanto a los artistas, el estadounidense Jean-Michel Basquiat (1960-1988) vuelve a encabezar la clasificación de Artprice con unos ingresos acumulados en el período de 79,9 millones de euros y una obra subastada en 14,3 millones de euros (sin contar las comisiones).
Lejos le siguen el chino Zeng Fanzhi (1964), con 33,2 millones, y el también estadounidense Christopher Wool (1955) en esta clasificación de 500 artistas en la que hay un 41% de chinos, muchos de ellos desconocidos en Occidente.
Este fenómeno se explica, según Martin Bremont, por el hecho de que "el mercado de las galerías en China no está todavía establecido, por lo que los artistas van directamente a las subastas".

Fuente: AFP

LAS ÚLTIMAS OBRAS DE RICHARD HAMILTON
EXPUESTAS EN LONDRES


Llenas de referencias a Marcel Duchamp o al arte del Renacimiento, una veintena de obras del artista británico Richard Hamilton, uno de los pioneros del pop art fallecido en 2011, pueden verse a partir de este miércoles y hasta el 13 de enero en la National Gallery de Londres.

Por Justin Tallis

Llenas de referencias a Marcel Duchamp o al arte del Renacimiento, una veintena de obras del artista británico Richard Hamilton, uno de los pioneros del pop art fallecido en 2011, pueden verse a partir de este miércoles y hasta el 13 de enero en la National Gallery de Londres.
Los desnudos femeninos y la iconografía cristiana están también muy presentes en estos 19 cuadros que mezclan pintura, fotografía y técnicas digitales, realizados en su mayoría en los diez últimos años de vida.
El artista revisita el tema de la Anunciación en "The Passage of the angel to the virgin", donde el arcángel Gabriel y la Virgen son representados como dos mujeres desnudas, y en "An annunciation", donde una mujer, también desvestida, recibe una llamada telefónica sentada en un sillón en una habitación con decoración minimalista.
Richard Hamilton utiliza las reglas de perspectiva del Renacimiento en sus cuadros de interiores más recargados, en lo que el ojo a veces se pierde, como en "Lobby", inspirado en la entrada de un hotel de Berlín.
La influencia de su amigo, el artista surrealista franco-estadounidense Marcel Duchamp (1887-1968) aparece en varias de sus obras, como "Descending nude" que recuerda a "Nu descendant un escalier" (1912).
La exposición "The Late Works", que Richard Hamilton empezó a preparar antes de su muerte, presenta también la última obra del artista británico, en forma de tríptico: "La obra maestra desconocida", un desnudo femenino bajo la mirada de los maestros Poussin, Courbet y Tiziano.
Richard Hamilton, que murió el 13 de septiembre de 2011 a los 89 años de edad, fue uno de los fundadores del pop art británico en los años 1950. Se hizo famoso con sus pinturas, collages y esculturas, en las que ridiculiza los símbolos de la sociedad de consumo. También fue el artífice de la tapa inmaculada del "White Album" (El Álbum Blanco) de los Beatles en 1968.

Fuente: AFP