BOTERO EN BUENOS AIRES

Un visitante observa la exposición "Botero, dibujos en tela y en papel" del artista colombiano Fernando Botero en el Museo Nacional de Bellas de Buenos Aires (Argentina). EFE

Por Nury Rojas Patiño

Buenos Aires - Escondidos tras unas gafas de marco negro y lentes completamente redondos, los ojos del artista colombiano Fernando Botero son los encargados de recibir a los visitantes que desde hoy podrán ver una muestra de sus dibujos en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.

Una sala pintada de color naranja especialmente para este montaje funciona como escenario de "Botero, dibujos en tela y en papel", un grupo de cincuenta obras de la colección personal del artista colombiano, realizadas entre 1973 y 2011, que conforman la primera exposición realizada únicamente solo con sus dibujos.

"Es muy importante porque son obras que Fernando (Botero) seleccionó una a una. No se venden, son suyas y ahora tenemos la posibilidad de mostrarlas en Argentina", dijo Teresa de Anchorena, la comisaria de la muestra, en un recorrido por la exposición especial para la prensa.

Las técnicas utilizadas por Botero en estas obras donde aparecen sus tan característicos "gordos" son diversas: van desde la acuarela, el lápiz, la tinta y el carboncillo sobre papel, pasando por innovar con una poco utilizada, la sanguina (óxido férrico) sobre tela, considerada por muchos artistas y críticos como exigente y de gran destreza para desarrollarla.

Una visitante observa la exposición "Botero, dibujos en tela y en papel" del artista colombiano Fernando Botero en el Museo Nacional de Bellas de Buenos Aires (Argentina). EFE

Los trazos claros y contundentes que muestran la voluptuosidad, una característica tan particular de Fernando Botero, contrastan con el manejo que el artista hace de los colores y la luz, ya que sus obras parecen pensadas para que el espectador se sienta cómodo y en calma, aún con aquellas imágenes que hablan de la violencia.

Precisamente, en "Violencia y toros", uno de los capítulos de la muestra, los dibujos "Desplazado" y "Desplazados", ambos de 2004, llaman la atención porque evidencian el querer del autor por dar testimonio y pronunciarse ante la realidad cargada de violencia que genera el desplazamiento de los campesinos en su país natal.

La "fiesta brava", un tema continuamente trabajado por Botero a lo largo de su carrera, también está presente en esta exposición, con dibujos que representan a sus personajes principales, resaltando la figura del torero, el picador y hasta del toro mismo.

La música, otro de los temas importantes para el artista, es plasmada mediante distintas técnicas en las que el violín, por ejemplo, ha tenido uno de los papeles estelares a través de los años, ya que suele aparecer de diferentes maneras, ya sea solo, siendo interpretado, descansando en manos de un músico o sobre una mesa.

Una noche, después de cenar con su esposa y cautivado por la sencillez de un circo montado en una humilde carpa, sin lujos ni grandes avisos, Botero revivió todo aquello que sintió cuando en su niñez visitó los humildes circos de pueblo, y son esos recuerdos los que en 2006 dieron origen a "Circo", un capítulo de caballos, elefantes, payasos y color, de los que también hay ejemplos en esta exhibición, que estará abierta hasta el 30 de junio.

Un visitante observa la exposición "Botero, dibujos en tela y en papel" del artista colombiano Fernando Botero en el Museo Nacional de Bellas de Buenos Aires (Argentina). EFE

Sin embargo, el cuadro más llamativo es "Pedrito", de 1981, donde Botero, mediante acuarela sobre papel, dibuja a su hijo Pedro, quien falleció a los cuatro años, en 1974, en un accidente automovilístico, y desde ese entonces el artista dedicó gran parte de su tiempo a retratar a su hijo mediante diversas técnicas.

Artistas, música y viajes se entrecruzan en el capítulo "Vida latinoamericana", que da cuenta de distintas escenas que, en sus recorridos por América Latina, Botero considera significativas para contar y que, a su vez, decide plasmar ya sea en un lienzo o una tela, para detener en el tiempo y compartir con todo aquel que tenga la oportunidad de acercarse a su obra.

"Queremos que todo el país disfrute de la obra de un gran artista que con orgullo podemos decir que es latinoamericano, porque siendo mundialmente reconocido, Botero nunca se ha apartado de sus raíces", destacó Teresa de Anchorena.


Fuente: EFE

ABRE ART BASEL EN HONG KONG

Artistas, coleccionistas, galeristas y amantes del arte se reunirán a partir de este jueves en Hong Kong, en el marco de la primera edición de la feria de arte contemporáneo Art Basel, que confirma el estatuto de Hong Kong en el mercado del arte asiático.

Por Philippe López

Artistas, coleccionistas, galeristas y amantes del arte se reunirán a partir de este jueves en Hong Kong, en el marco de la primera edición de la feria de arte contemporáneo Art Basel, que confirma el estatuto de Hong Kong en el marcado del arte asiático.

Unos 2.000 artistas y 245 galerías de prestigio internacional participarán durante cuatro días en la primera edición de esta feria en Asia, que se celebró ya en Suiza y Estados Unidos.
"Art Basel contribuye a sellar en el espíritu de las personas el estatuto de Hong Kong como el destino (principal) del arte en Asia", declaró a la AFP el director de la feria, Magnus Renfrew, que hasta ahora presidía la feria Art HK (Hong Kong).
El auge del mercado del arte en Asia llevó a Art Basel, la mayor feria de arte contemporáneo del mundo, a convertirse en accionista mayoritario de Art HK, que este año se desarrollará por primera vez bajo un nuevo estandarte.
Al cambiar de nombre y al convertirse en una feria mundial, el evento atraerá este año a nombres aún más prestigiosos, sostiene Magnus Renfrew.
La excolonia británica ocupa el tercer puesto a nivel mundial en el mercado de las subastas, detrás de Nueva York y Londres, gracias a adinerados chinos, principalmente de China continental, que se disputan grandes vinos, joyas y obras de arte.
"Hay un enorme potencial en Asia, donde hay más multimillonarios que en Europa", indica el director de Art Basel Asia.
Desde que Art Basel compró Art HK en 2011, once nuevas galerías han abierto en Hong Kong, añade.
En efecto, en dos años, galerías como Gagosian, White Cuba, Acquavella, Lehmann Maupin y Pearl Lam se han instalado en este territorio a pesar del precio exorbitante de los alquileres.
Varios artistas aprovecharán esta ocasión para presentar sus obras.
Los hermanos británicos Jake y Dinos Chapman, autores de controvertidas obras, expondrán por primera vez en Asia, en la galería White Cuba, mientras que el japonés Takashi Murakami expondrá su trabajo en la galería Perrotin.

Fuente: AFP

TURISMO DE GALICIA ABRE MAÑANA EN PALERMOUNA EXPOSICIÓN EN TORNO AL CÓDICE

Detalle del Códice Calixtino. EFE/Archivo

Santiago de Compostela - La exposición didáctica "Á luz do Calixtino. O Códice de Santiago" podrá verse en Palermo entre los días 24 de mayo y 19 de junio, continuando así su ruta por diferentes ciudades europeas después de hacerlo por varias de España.

A través de los objetos artísticos que se exhibirán se podrá conocer el ambiente cultural en el que nació el Códice Calixtino, la mentalidad de la época, la Catedral y la ciudad de Santiago en el siglo XII y una síntesis de la historia del Camiño de peregrinación y sus valores culturales.

La inauguración de esta exposición organizada por Turismo de Galicia a través del Xacobeo, tendrá lugar mañana viernes en la sala de exposiciones Chiesa Santa Eulalia di Catani, en el Instituto Cervantes de Palermo.

En la organización de este proyecto expositivo colaboran con Turismo de Galicia la Fundación Catedral de Santiago, el Museo do Pobo Galego y, en esta ocasión, el Instituto Cervantes de Palermo.

Antes de su llegada a Palermo, la exposición se exhibió en Nápoles, donde inició su andadura europea después de recorrer España.

Después de Palermo, la muestra seguirá por Le Puy (Francia), Munich, Berlín o Roma.


Fuente: EFE

EL PREMIO PRÍNCIPE DE ASTURIAS PARA LA FOTÓGRAFA ANNIE LEIBOVITZ

La fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz ha sido galardonada con el premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2013. El jurado, reunido en Oviedo, ha valorado a Leibovitz como "una de las dinamizadoras del fotoperiodismo mundial" así como una de las "más respetadas" en Europa y América."Nixon en el momento de abandonar la Casa Blanca, John Lenon horas antes de ser asesinado o el histórico retrato de la reina Isabel II, son sólo una pequeña muestra de su reconocida obra gráfica", ha destacado el jurado.Annie Leibovitz, en una exposición suya en el Smithsonian's Museum of American Art, en 2012 en Washington.

Annie Leibovitz tomó la fotografía más famosa de John Lennon y Yoko Ono en diciembre de 1980, unas horas antes de que el músico británico fuese asesinado. La icónica imagen fue portada de Rolling Stone en enero de 1981. (Magazine Publishers Association and American Society of Magazine Editors)

Retrato de la reina Isabel II de Inglaterra con el traje ceremonial de la Orden de la Jarretera por Annie Leibovitz. El gesto airado de la monarca se debe a que la fotógrafa le sugirió que se quitase la corona para que destacara el traje. "¿Qué se cree que significa ésto?" - espetó la reina, señalando su atuendo. (AP / BBC)

Una estilizada portada de Annie Leibovitz para un recopilatorio de Vogue.

Annie Leibovitz es la autora del retrato oficial de la Primera Familia de los EE.UU., tomada en 2009 (White House).

La fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz junto a obras suyas.

ENCUENTRAN CASI 5.000 PINTURAS RUPESTRES EN EL NOROESTE DE MÉXICO

Casi 5.000 pinturas rupestres bien conservadas fueron descubiertas en cuevas de la sierra de San Carlos, una zona del estado mexicano de Tamaulipas (noreste) donde no se conocía presencia de grupos prehispánicos, difundió este jueves el Instituto Nacional de Antropología (INAH) en su sitio electrónico

Casi 5.000 pinturas rupestres bien conservadas fueron descubiertas en cuevas de la sierra de San Carlos, una zona del estado mexicano de Tamaulipas (noreste) donde no se conocía presencia de grupos prehispánicos, difundió este jueves el Instituto Nacional de Antropología (INAH) en su sitio electrónico.

Los expertos no han logrado todavía precisar la antigüedad de las pinturas al no hallar ningún objeto que se pueda asociar al contexto de su época, pero el INAH destacó que es posible tomar y analizar muestras de los pigmentos para establecer una fecha aproximada.

Las 4.926 pinturas fueron descubiertas durante una investigación de la arqueóloga Martha García Sánchez en un área del municipio de Burgos (Tamaulipas).

Las imágenes fueron elaboradas en 11 sitios localizados en cuevas y cañadas de la sierra de San Carlos por "al menos tres grupos de cazadores-recolectores de la región: guajolotes, iconoplos y pintos", explicó el INAH.

No obstante, el Instituto apunta a que por esa zona también se movían otros grupos como los cadimas, conaynenes, mediquillos, mezquites, cometunas y canaimes.

En un solo sitio, la Cueva de los Caballos, se registraron más de 1.550 imágenes.

La arqueóloga García Sánchez, que tuvo conocimiento de la existencia de las pinturas en 2006, reveló estos detalles de su investigación durante el segundo Coloquio de Arqueología Histórica que se realiza en el Museo Nacional de Historia de México hasta el viernes.

Las imágenes fueron elaboradas en 11 sitios localizados en cuevas y cañadas de la sierra de San Carlos por "al menos tres grupos de cazadores-recolectores de la región: guajolotes, iconoplos y pintos", explicó el INAH

La importancia de estas pinturas "radica en que con base en ellas hemos podido documentar la presencia de grupos prehispánicos en Burgos, donde antes se decía que no había nada, cuando en realidad estuvo habitado por una o varias culturas", resaltó García Sánchez.

Las pinturas dejan entrever que las actividades de esos grupos nómadas se concentraban en la caza, pesca y recolección pero también se observan imágenes religiosas, astronómicas y representaciones de flora y fauna.

"La mayoría de estas pinturas tiene un grado de conservación impresionante", se felicitó la arqueóloga.

El hallazgo puede arrojar luz sobre las culturas que habitaron esa zona de México.

"Estos grupos escaparon al dominio español por casi 200 años (...) huían a la sierra de San Carlos donde tenían agua, plantas y animales para alimentarse. Los españoles no se metían a la sierra y sus cañadas", expuso la arqueóloga.

Fuente: AFP

VUELVE UN ESPECTÁCULO ÚNICO EN EL MUNDO

Vuelve un espectáculo único en el mundo, una orquesta sinfónica formada sólo por guitarras eléctricas. Música clásica con sonido moderno de las manos de 19 apasionados músicos. El espectáculo Sinfonity es una idea original de Pablo Salinas, director musical de la orquesta y creador de la misma. Compositor, intérprete de guitarra y piano, arreglista y productor, al que avalan 30 años de experiencia profesional. Desde la puesta en marcha del espectáculo en gran formato, Sinfonity ha recibido propuestas para presentarse en Argentina, Perú, Chile, Colombia, Japón, Estados Unidos, Alemania, Rusia, México e Israel. El repertorio incluye obras de Bach, Holst, Vivaldi o Falla. Sinfonity presentará su nuevo espectáculo los días 25, 26 y 27 de mayo en el Teatro Nuevo Alcalá de Madrid.
Fuente: COONIC

AES + F:LOS VANGUARDISTAS RUSOS QUE LLEGARON AL FAENA

Una video-proyección de 26 metros de largo y curva abraza al público en Puerto Madero.

Belleza de todos los colores. Los rusos apuestan a un modelo de belleza publicitario e interracial.

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

Son 26 metros de largo: eso ocupa la enorme video-proyección panorámica ante la que nosotros –como público– nos sentimos inmersos. Y tiene un detalle para nada menor: la superficie sobre la que se proyecta es curva. Esto hace que el gran video nos abrace, nos contenga prácticamente en su interior, al igual que la escala de las figuras y personajes que aparecen, que son ENORMES (sus brazos pueden medir 7 u 8 metros). Nosotros, como espectadores, no estamos acostumbrados a manejar semejante punto de vista de la realidad. Y todo es inusual en estos videos tan especiales que son el trabajo del grupo de artistas rusos AES + F –el nombre responde a las siglas de sus nombres, Tatiana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky y Vladimir Fridkes–, que se presenta por primera vez en la Argentina, en el Faena Arts Center, Aimé Paine 1169, Puerto Madero. Si puede ir a verlo, vaya: es poco frecuente ver este tipo de obras de arte contemporáneo por aquí y también por el mundo en general, debido a su producción técnica tan compleja. Estos videos son elaborados en base a la unión y edición digital de más de 100 mil fotografías digitales, tomadas durante períodos largos, de meses, contra un telón gris de fondo frente al cual los artistas dirigen a un grupo de actores y modelos. En el caso de lo que puede verse en el Faena, el este proceso dio como resultado La trilogía del espacio liminar, es decir, algo así como la trilogía del espacio que es umbral, que es puerta de entrada hacia otra cosa, hacia otro espacio. Esta trilogía comprende tres obras, tres videos distintos, llamados “Ultimo motín”, “La fiesta de Trimalchio” y “Allegoria Sacra”, y cada uno se proyecta en una fecha determinada.

Las obras –curadas por Sonia Becce– aluden al Infierno, el Paraíso y el Purgatorio. Sin embargo, cuando usted las observe, más que seguir un hilo argumental o temático claro y determinado, déjese llevar por la propia cadencia visual, la de las imágenes y el tiempo del video: es mucho más interesante ésto, en el trabajo de los AES + F, que lo que pretenden decir a través de cierto argumento. La gran seducción de las imágenes que crean estos artistas quizás se deba a ese pequeñísimo efecto –percibible sólo si presta mucha atención- de ir “para atrás” y “hacia adelante” con las imágenes (algo así como rebobinar, casi constantemente y en un mínimo fragmento de segundo, cada una de sus fotografías, para luego volverla al presente). El otro secreto del enorme impacto de estas obras se esconde en su escala: las proyecciones miden generalmente unos 25-30 metros de largo como mínimo, y los detalles de los videos son vistas a las que no estamos acostumbrados. Esto nos fuerza a construir nuestra mirada de otra manera, para poder observar y comprender todo lo que se presenta.

Además la trilogía tiene esa presencia multirracial, de personajes de todo el mundo, casi siempre muy jóvenes; muchos podrían ser modelos. Así, aúnque las escenas tengan algún ribete dramático, no son oscuras: siguen el estándar de lo que es la “belleza” ligada a la publicidad. Las obras responden a cánones tradicionales y a una estética de “perfección”, muy acorde con los tiempos que corren: toda realidad se mejora con Photoshop. Aun la del propio infierno .

Fuente: clarin.com

INAUGURA ARTEBA:UNA OPORTUNIDAD PARA INICIARSE EN EL COLECCIONISMO

Cultura / La feria que interpela a los sentidos

Esta noche será el acto de apertura y desde mañana el público podrá visitar más de 50 galerías, muchas de ellas extranjeras, y acercarse al arte contemporáneo

Algunos stands terminaban anoche de montar la exhibición de sus propuestas artísticas.Foto: Ignacio Coló

Por María Elena Polack / Para LA NACIÓN

Nadie debería irse con las manos vacías, aunque las obras permanezcan colgadas hasta el cierre de la exhibición. Porque es una feria y a las ferias se va a mirar, a sentir, a sorprenderse y a comprar. ArteBA, que esta noche tendrá su inauguración oficial y mañana abrirá al público general, en esta 22a edición seducirá con una propuesta amplia, variada, con fuerte presencia latinoamericana y con una mezcla de artistas jóvenes y consagrados que marcan el ritmo del arte contemporáneo.

Instalaciones, pintura, escultura, videos, fotografía... todos los formatos tradicionales y muchos que buscan marcar que el arte es la manifestación completa de una cultura, con sus alegrías y sus desgracias. No falta nada y encima se compra en pesos, en estos días de dificultades para tener dólares a mano y convertirlos en ahorro a resguardo.

Desde mañana y hasta el lunes, de 13 a 21, en los pabellones Azul y Verde de La Rural (entrada general 70 pesos; con Citi y Club LA NACIÓN, 2 x 1), el público podrá acercarse a las nuevas tendencias en las 56 galerías, 16 de ellas extranjeras, que estarán presentes.

Presidente saliente y presidente entrante de la Fundación arteBA, Facundo Gómez Minujin y Alec Oxenford, respectivamente, ponen el foco en la profundización del coleccionismo con la convicción de que comprar arte no es exclusivo de adinerados, sino que es posible para todas las billeteras y para todos los gustos.

Difícil guiar al lector sobre lo que no debe dejar de ver en esta edición de arteBA. Los más jóvenes y los "cazatalentos" probablemente optarán por visitar el Barrio Joven Chandon como primera escala. Es el área más provocativa de la feria, en la que todo es arte y cultura. Es el espacio donde se ve lo más arriesgado y donde el esfuerzo artístico está puesto en la necesidad de expresarse más que en pensar si le gustará al mercado.

Varios galeristas y artistas que hoy se exhiben en el sector "adultos" de arteBA iniciaron su camino en el Barrio Joven y fueron creciendo a lo largo de estos años. En ese ámbito, es probable que la galería Militantes despierte sentimientos encontrados con sus propuestas como Urna , de Santiago Rey, y Homenaje , de Daniel Leber.

La bienvenida al Barrio Joven la da Temperantia, instalación de Leo Batistelli, inspirado en las burbujas de champagne. La obra es inédita y fue especialmente creada para esta feria. En Cerâmica Luiz Salvador, en Brasil, tomaron cuerpo los líquenes, los brotes y las esporas. En la Argentina, la instalación se completó con el trabajo de Cristalería Vitrofin, donde se soplaron las burbujas de cristal, y de Porcelanas Verbano, donde se crearon los líquenes azules y ocres, los luminosos y las filtraciones.

Entre los artistas argentinos consagrados, hay que hacer un alto en el stand de Aeropuertos Argentina 2000 para ver las obras de Gyula Kosice, que cumple 70 años de trayectoria y exhibe trabajos de todos los tiempos que cada vez parecen más actuales. En este espacio se presentan seis obras que marcan la obsesión de Kosice por la luz, el agua, el movimiento, los sonidos y los espejismos.

En el espacio de Ro Galería de Arte, Marta Minujín y Rogelio Polesello impactan con una creación de este año: Dream walls , un acrílico tallado, con cotín, pintura flúo y laca de pequeño formato (43 x 37 x 30 cm).

El espacio U-Turn Project rooms by Mercedes-Benz alberga a 25 artistas de nueve países representados por 12 galerías de nuestro país, de Alemania, de Brasil, de España, de México, de Perú y de Suiza.

Además de exhibir sus obras, estarán de visita en arteBA los artistas Alexander Wagner (Alemania), Marcelo Cidade, Guillermo Peters y Roberto Winter (Brasil), y Sophie Erlund (Dinamarca) y Daniel Jackson (Estados Unidos).

Un capítulo especial merecen los diez años del Premio Petrobras, que se anunciará mañana y que, por primera vez, tiene un curador extranjero, el mexicano Cuauhtémoc Medina (investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universdad Nacional Autónoma de México), que planteó un desafío muy interesante: el del exilio. Esta edición se llama Desplazamientos y pudieron participar artistas argentinos emigrados o extranjeros radicados en nuestro país, que reflejen en sus obras la problemática de la identidad de lo local o las marcas que generan los exilios. Se presentaron 400 proyectos y fueron seleccionados cinco. Faltan pocas horas para develar la incógnita.

El público, además, podrá participar del concurso Arcos Dorados, que, por cuarto año seguido, selecciona la obra ganadora con el voto directo de los visitantes, además de la opinión de los expertos.

Sugerencias para ver

Diez obras de referencia del arte contemporáneo.

• Homenaje a Moholy-Nagy
  Autor: Gyula Kosice
  Galería: AA2000

• Lamento dorado
  Autor: Gonzalo Lebrija
  Galería: Travesía Cuatro

• Homenaje
  Autor: Daniel Leber
  Galería: Militantes

• Ambiente en estéreo
  Autor: José Carlos Martinat
  Galería: Revólver

• Sicaria
  Autor: Ana Gallardo
  Galería: Ignacio Liprandi

• Sin título
  Autor: Znort
  Galería: Choque frontal

• Cristal
  Autor: I. Navarro-P. Pulido
  Galería: Isabel Aninat

• Dream walls
  Autor: Marta Minujin y Rogelio Polesello
  Galería: Ro

• Evita, fotos y videos
  Autor: Nicola Costantino
  Galería: Castagnino Roldán

• Organic Chandelier
  Autor: Sophie Erlund
  Galería: PSM

Del editor: por qué es importante.
ArteBA, una feria que cada año recibe más visitantes, es el punto culminante de la temporada de arte en la ciudad.

Fuente: lanacion.com

LA TRANSFORMACIÓN DEL PUNK CULMINA EN LA ALTA COSTURA

El disfraz de la anarquía llegó con su propio reglamento. El Met de Nueva York exhibe "Del caos a la alta costura", una muestra que conecta los puntos entre las innovaciones del punk contra todo lo formal y los elementos que la alta moda tomó ­o directamente copió­ del movimiento.

Ejemplo del legado de la moda punk están expuestos en el Metropolitan Museum de Nueva York desde el 9 de mayo. Johnny Rotten en 1976 y una línea de Junya Watanabe.

Por Jon Caramanica
The New York Times

En Inglaterra, en los años 1970, todos ­skinheads, teddy boys, mods, rockers­ tuvieron una apariencia coherente y comprensible. Los punks mezclaron lo que encontraron, lo cortaron en pedazos y lo cosieron de otras maneras. Fue un corte de manga al prolongado legado del uniforme ­salvo por el hecho de que, obviamente, a su modo también lo era. El uniforme contra lo uniforme se convirtió en el legado estético más estentóreo y perdurable, probablemente en su detrimento.
Fue una caricatura fácil, una expresión fácilmente reproducible de la angustia de la clase trabajadora. Punk: Chaos to Couture (Del caos a la alta costura), la exposición del Metropolitan Museum of Art en Nueva York que se inauguró el 9 de mayo, conecta los puntos entre las innovaciones del punk contra todo lo formal y los elementos que la alta moda tomó ­o directamente copió­ del movimiento.
El título es, de todos modos, un poco engañoso. Ciertamente, la decadencia y el desorden fueron centrales en la ideología del punk, pero el caos fue siempre controlado y el caos fue siempre "couture". El punk podrá haber sido una de-construcción pero no fue un accidente. Yuxtaponer las viejas prendas con los tributos, como hace la exposición, pinta los artículos del punk como piedras preciosas rescatadas y resucitadas por diseñadores de mirada muy afilada con habilidades tradicionales ­una erupción de casualidad en la corriente dominante.
Sin embargo, en el reglamento del punk ­su disfraz de anarquía­ era muy potente aun antes de que alguien lo mirara. La profanación de logos e imágenes, la construcción deliberadamente harapienta, la mezcla de referencias, el énfasis en lo duro como también en lo blando ­fueron principios claves del estilo que exigía adhesión. Eran estilos para usar, y también modelos para vivir. Y estas visiones avanzaron rápidamente, creando apariencias que se establecieron con diferentes niveles de intensidad a ambos lados del Atlántico.
En Nueva York, los modelos dominantes fueron el taciturno corte sartorial de Richard Hell, que reprodujo la frase "Mátenme por favor" en una camiseta, o el chic gastado de los Ramones, con sus camperas de cuero negro y los jeans ajustados rotos. Discretos y harapientos, eran sorprendentemente elegantes y comunicaban una plétora de cosas con unos pocos gestos apenas.
El punk como expresión espectacular prendió más en Inglaterra, en gran medida con Malcolm McLaren de los Sex Pistols y la diseñadora radical Vivienne Westwood en su influyente tienda en King’s Road que en un momento se llamo Sex, y después, Seditionaires, entre varios otros nombres. Tomaron algunos de los gestos de desdén del estilo de Nueva York y los hicieron estallar, imprimiéndoles una actitud rutilante. De golpe, el punk se transformó en un conjunto de elementos incendiarios diseñados para generar una provocación máxima.
Las remeras, en su mayoría moderadas para los criterios modernos, eran rabiosas y caprichosas, llenas de ataques a distintos logos e imágenes: la Reina de Inglaterra, cowboys desnudos, Jesús, esvásticas y cruces de hierro. McLaren y Westwood demostraron que la historia estaba para ser reinterpretada. Pero la legibilidad y la coherencia eran la clave de esa propuesta. Por eso, el punk se convirtió fácilmente en marca y en producto ­divorciado de su ideología original, sin duda, pero reproducible para siempre.
Transcurridas casi cuatro décadas, el punk evolucionó ­como palabra, como género, como estilo. En la moda, es simplemente una referencia más en la cual abrevar, tan válida en su negación de la estructura como cualquier otra cosa fundada en la estructura. El punk moderno, si es que todavía existe, quedó osificado en las remeras ajustadas y el pelo con laca; debe muy poco a sus antepasados. De todos modos, el género se individualiza por la profundidad de su influencia en la alta moda.
El hip-hop también dejó una marca, aunque ha sido poco uniforme y débil. El grunge tuvo sus momentos a lo largo de los años, pero fue menos una cosmovisión que una protección. Si hay acaso un movimiento musical con el potencial de sostener una exposición como ésta en el Met después de varios decenios, tal vez sea la cultura rave y sus numerosos afluentes, con sus ideas sobre silueta, sobre estructura, sobre tamaño, sobre color que son a la vez sui generis y virales. El rave sabe lo que sabía el punk: la ropa siempre fue para mostrar.
El hecho de que las prendas de vestir pudieran alguna vez ser consagradas ­¿enclaustradas?­ en el mismo museo que también alberga colecciones apiladas de obras de arte del Renacimiento, objetos egipcios y demás, constituye probablemente el final lógico de la ideología nihilista de Hell, el sueño de la insistencia vendedora de McLaren.
Una exposición así no sería posible sin el desmantelamiento sistemático de las murallas que rodean la cultura alta y la cultura baja que el punk contribuyó a derribar con más fuerza todavía que sus predecesores, sin hablar del turismo cultural al que inevitablemente lleva.

Gritar tan alto como el público y ser escuchado ­ése fue, todo el tiempo, parte del objetivo. Y da lugar, como mínimo, a una fértil renovación del debate: ¿la infiltración corrompe o los corruptos se infiltran?

Fuente: Revista Ñ Clarín

AUTORRETRATO FUSILADO, CON DISPAROS Y OTRAS FORMAS DE LA MEMORIA

Fotografías de Marcelo Brodsky, registros de El Siluetazo y una selección de obras de las colecciones del Castagnino-Macro con foco en la memoria se exhiben hasta el 21 de mayo en el museo de Rosario.

AUTORRETRATO CON DISPAROS. La figura acribillada de Oscar Bony irrumpe en el límite difuso entre fusilamiento y suicidio.

Por Marina Oybin

Un grupo de pescadores conversa. Desde Parque España es posible caminar por la costanera, atravesar senderos, entre sauces y palmeras, y llegar al Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro), un antiguo silo, a orillas del Paraná.

El museo tiene una estructura que incluye ocho cilindros que originariamente se usaban para el almacenamiento de granos. Cuenta con diez pisos, una explanada, un túnel, además de depósitos de obras, y una tienda de venta de libros.

Por estos días el híper colorido Macro está copado por tres muestras que ocupan los siete pisos del museo. Arbol/Archivo + Polípticos reúne fotografías de Marcelo Brodsky. “La mirada se va construyendo en relación con lo real y con lo vivido. Arbol /Archivo es la constatación de la relación de mi mirada con la naturaleza a través de ese itinerario visual”, dice el artista.

Ese camino comienza en el exilio en Barcelona, en 1979, con su autorretrato fusilado en la Plaza de San Felipe Neri, en la que el régimen franquista llevó a cabo innumerables ejecuciones en la Guerra Civil Española, y termina en el mismo sitio veinticinco años después, con otro autorretrato frente al mismo árbol.   

Brodsky seleccionó fotos de toda su vida y desató un diario íntimo paradojal que va de la muerte a la vida. Desde ese primer “Autorretrato fusilado” que tomó el joven Brodsky después de abandonar el país cuando intentaron secuestrarlo en 1977, y antes de la desaparición de su hermano Fernando, hasta la última toma frente a ese árbol, hay un proceso que el artista denomina de sanación. Una especie de catalizador para elaborar dolores y pérdidas. Cuenta el artista que junto con la naturaleza, su mujer, a quien conoció en el exilio, y su hijo, serán parte de la “reconstrucción de la vida”.

En esta intensa crónica visual uno se encuentra con el reflejo del edificio Le Parc que se desvanece por efecto del viento en esa fotografía que es la que inició la intensa conversación visual entre Marcelo Brodsky y Manel Esclusa. Algunos árboles parecen fugar al cielo, otros tienen protuberancias, extrañas malformaciones. Cerca está el río de los vuelos de la muerte, devenido en “tumba inexistente”, como lo llamó el artista en su libro Buena memoria.

EL SILUETAZO. Una acción colectiva de arte, el 21 de septiembre de 1983. (Foto:Alfred)o Alonso. Archivo Cedinci

Están los árboles que plantaron los familiares de desaparecidos en el Bosque de la Memoria, en la Universidad de Tucumán. “Este árbol crecerá, dará flores, en sus ramas mil aves trinarán. Hijo mío, eternamente vivís en el corazón de tu madre, tu hija y tus hermanos”, dice un papel, ya casi deshecho por la lluvia, que cuelga de uno de los árboles.

Uno intuye que para el artista seleccionar imágenes de su archivo implicó encontrarse con la mirada de ese joven que fue. Hay que animarse a darse una vuelta por el pasado. Es que desde su serie Buena memoria, en sus fotografías siempre está en carne viva su propia historia de vida. Resulta difícil olvidar aquella imagen con sus compañeros de clase del Colegio Nacional de Buenos Aires, los círculos rojos sobre los que ya no están vivos. Esa foto, que acaba de comprar la Galería Tate de Londres para su colección, y las que integran ese fotorreportaje que termina con un capítulo dedicado a su hermano, son estremecedoras. Desde las fotos familiares hasta la última de Fernando en la ESMA.

Dos muestras con obras de la colección del museo acompañan a la de Brodsky. Con documentos, fotografías y textos, El Siluetazo recuerda la gran acción colectiva que arrancó aún en democracia, un 21 de septiembre de 1983, por iniciativa de los artistas Rodolfo Aguerreberry, Julio Flores y Guillermo Kexel. Participaron agrupaciones estudiantiles de centros universitarios (todavía prohibidas) como la de la escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, la de Arquitectura, Filosofía y Letras, Sociología y Farmacia, y todos los que fueron a la movilización convocada por Madres de Plaza de Mayo. Aquella intervención urbana se propuso “reclamar por la aparición con vida de los desaparecidos, darle a la movilización otra posibilidad de expresión y perdurabilidad temporal, crear un hecho gráfico que golpee al gobierno a través de su magnitud física y desarrollo formal, y por lo inusual, renueve la atención de los medios de difusión y provoque un aglutinante que movilice muchos días antes de salir a la calle”.

En Legajos se exhibe una selección de 16 obras de las colecciones del Castagnino - Macro. “Se buscó poner el foco en la memoria de las piezas” dice Nancy Rojas, del equipo curatorial del museo. Cada obra va acompañada por su correspondiente legajo técnico que integra el archivo del museo. En el séptimo piso uno se encuentra con el inolvidable video “Granada” de Graciela Taquini. A partir del relato videográfico de la artista Andrea Fasani, secuestrada durante la dictadura militar, Taquini desata una obra potente.

CRONICA VISUAL. El reflejo del edificio Le Parc se desvanece por efecto del viento en esa fotografía de Marcelo Brodsky.

Recuerdo y olvido se alternan en un sino tortuoso. ¿Por qué es tan atrozmente selectivo el recuerdo?

En otra sala, está uno de los músicos de espuma de poliuretano de León Ferrari. Hay textos, poesías, libros y carteles postales de Mirtha Dermisache. Su invención de una forma de escritura provoca un efecto de extrañeza: crea un lenguaje que es pura forma vaciado de contenido. Está también el anteproyecto de cárcel subterránea para la ciudad de Buenos Aires y el de cárcel flotante para el Río de la Plata de Horacio Zabala. Hay, entre otras, obras de Víctor Grippo, Feliciano Centurión, Egar Murillo y Oscar Bony.

De las obras de esta última muestra, una en particular lleva de nuevo al autorretrato fusilado de Brodsky. Las esquirlas del díptico “El asesino” de Oscar Bony quedan clavadas en la retina. Provocan una impresión de desgarro tan intensa como ese fusilamiento en la Plaza de San Felipe Neri. Bony sabía acribillar a balazos. Destrozó certezas: miró y pensó la obra en el entramado político y social. Estaba convencido: “El artista asume una responsabilidad: la de redefinir cada vez la naturaleza del arte teniendo en cuenta su tiempo”. Y no dudó: expuso en vivo “La familia obrera” ante los ojos incrédulos de la familia clase media. Y, entonces, disparó una vez más: hizo estallar alusiones políticas, estéticas, de relaciones de explotación y sujeción. Tras presentarla, tuvo una crisis profunda: comenzó a indagar acerca del rol social del arte, y decidió abandonar la producción artística durante años.

Es curioso: su primera serie de fotografías baleadas se llamó “Obras de amor y violencia”. Se entiende: ira de amor, la más pasional, irracional y, acaso, justificada de todas. Su figura acribillada irrumpe en el límite difuso entre fusilamiento y suicidio. Bony tensó el dispositivo estético: convirtiéndose en víctima y victimario; verdugo y fusilado. Los suyos son suicidios heroicos. Más aún: irrumpe desafiante. 

Esos retratos perforados con envidiable pasión son actos de resistencia. Le daba miedo la muerte a Bony. Y a quién no. Difícil olvidar su furiosa conjura, en su sótano-taller, con su revólver Smith & Wesson 32 en mano.

FICHA

Arbol/Archivo + Polípticos

El Siluetazo

Legajos

Lugar: Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO)

Estanislao López 2250 (Bv. Oroño y el Río Paraná, Rosario)

Fecha: hasta el 21 de mayo

Horario: jueves a martes de 14 a 20; miércoles cerrado

Entrada general: $5; menores de 12 años, gratis.

Fuente: REvista Ñ Clarín

LA FRACTURA SOCIAL ARGENTINA RECORRE EL MUNDO EN IMÁGENES

"Fractura Expuesta 2001-2011", la selección de trabajos del fotógrafo Pepe Mateos se pueden ver en estos días en Instituto Iberoamericano de Berlín, para después trasladarse a Barcelona. Un documento inquietante, ahora expuesto a los ojos extranjeros.

PEQUEÑAS HISTORIAS. Mientras unos manifiestan contra la exclusión, dos señoras toman el té en un bar tradicional.

Los programas culturales rescatan datos quizás obvios. Para el Instituto Iberoamericano de Berlín, donde se inauguró el 14 de mayo pasado Fractura Expuesta 2001-2011, la exhibición es un documento del clima social y político en la Argentina después de la crisis de 2001, que comenzó "tras la renuncia de Fernando de la Rúa" y a la que le siguió "una fase de pérdida de fe en el liderazgo político e inestabilidad económica". El fotógrafo estuvo presente y escuchó atento las palabras de la antropóloga Bárbara Gobel, que contextualizaron para el público presente el trabajo de Mateos, bien arraigado en una realidad extraña a la mirada alemana. En el edificio ubicado en la zona más nueva de la ciudad, rodeada de rascacielos espejados, destacó en las imágenes una visión objetiva de los hechos y a la vez intervenida por la subjetividad del fotógrafo.

ANIVERSARIO. Frente al mural que homenajea a Kosteki y Santillán, víctimas de la represión.

Hasta junio podrán verse en Berlín las escenas más escalofriantes de violencia, los piquetes y la huella que deja la exclusión, a través de la mirada de Mateos, reportero gráfico de Clarín y distinguido en 2003 con el Premio Internacional Rodolfo Walsh de Periodismo por la cobertura de estas mismas protestas. Tras el 2001 –dice el programa– surgieron diversas formas de protesta social, como los llamados cacelorazos (ruidosas manifestaciones golpeando cacerolas), pero esta situación cambió con las elecciones nacionales de 2003", agrega. Los estados de ánimo y los acontecimientos en las calles de Buenos Aires aparecen con igual intensidad en las fotografías de Pepe Mateos, que participa de la acción pero en simultáneo mira con distancia, casi con ironía, como queda de manifiesto en la imagen de las señoras que toman el té de las cinco ante la mirada de los que quedaron del otro lado del vidrio.

AL CALOR DE LA PROTESTA. Una impactante imagen tomada el 19 de diciembre de 2001.

Desde el 28 de mayo, el centro cívico Pati Limona de Barcelona recibirá a la exhibición itinerante, con el título Fractura expuesta. Fotografías de una década. Esta vez, el programa rescata en las imágenes, más que su contexto, los detalles. "Es una serie de fotografías de Pepe Mateos con escenas y personajes situados en los márgenes de los eventos que habitualmente cubre un fotoperiodista”. La realidad más conocida, la de la crisis, da paso a la interpretación: se percibe el recorte, con cierto escepticismo, en las imágenes que expresan visualmente la complejidad de las situaciones en las que fueron capturadas, unas veces de forma ambigua, otras explícitas. Son todas imágenes que consiguen inquietar aunque no siempre explican por sí mismas todo, aunque sea un argentino conectado con la realidad el que las mira. “En el estilo personal que ha desarrollado –describe el programa en catalán–, el registro crudo de los hechos, convive con imágenes que ofrecen diferentes lecturas, siempre cruzadas por un clima de tensión, desesperanza y violencia".

EN BERLIN. Pepe Mateos junto a Bárbara Gobel, directora del Instituto Iberoamericano de esa ciudad.

Fuente: Revista Ñ Clarín

EL LIBRO DE ARTISTA YA TIENE SU SEDE EN LA ARGENTINA

La primera muestra de un centro dedicado a esa disciplina se realiza en Santa Fe, con obras de 60 artistas de todo el país.

GRUPO ESCOMBROS. "Llegamos al futuro sin nada que perder", 2009, escultura en caja y papel metalizado.

Por Marina Oybin

Hay que caminar por una gran sala en cuyo centro hay una fuente para llegar a ver los sesenta libros de artistas de nuestro país que integran la muestra inaugural del Centro Argentino del Libro de Artista (C.A.L.A.), en el Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez, en Santa Fe. Pelusa Borthwick es la directora y curadora del flamante C.A.L.A, un emprendimiento patrocinado por el Ministerio de Innovación y Cultura de la Provincia de Santa Fe, que apunta al federalismo.

Los antecedentes del libro objeto, escribe Graciela Marotta, en El libro del libro de artista, hay que buscarlos en la Columna de Trajano, en los libros célticos de Irlanda y en el Libro de las Horas del Duque de Berry, luego, la lista sigue, entre otras, con las propuestas dadaísta y surrealista.

En las salas del museo, hay obras de artistas consagrados y emergentes. Las técnicas y soportes son variados: desde papel hasta libros-video; desde grabado y fotografía hasta vidrio o tejidos endurecidos en azúcar; desde dibujo, pintura y escultura hasta objetos e intervenciones.

Guantes en mano, es posible mirar, tocar y hojear los libros. Con tiras de papel con litografías, “Ríos de leche”, de Silvia Brewda, es una bella forma ondulante que el espectador va modificando. Matilde Marín, que viene fotografiando faros (“Pharus”, en griego: luz que guía el destino de los hombres) desde que leyó en el diario que “todos los faros del mundo se desconectarían por los GPS”, presenta “Mitos de creación”.

Diego Melero resignificó dos libros subrayándolos del mismo modo que muchos lo hacemos naturalmente para remarcar frases importantes. Eligió dos íconos: Facundo. Civilización y Barbarie, de Sarmiento, y Dogma Socialista, de Echeverría.

A unos pasos, uno se encuentra con una caja forrada con terciopelo rojo de Margarita Paksa que lleva sin escala a las experiencias visuales del Di Tella en 1968. “Comunicaciones” se presentó con un arenero con dos siluetas humanas. Dos tocadiscos reproducían un disco titulado “Comunicaciones”. Con auriculares, se escuchaba “Santuario del sueño”, descripción repetitiva de un ambiente y “Candente”, la respiración de una pareja haciendo el amor.

MARGARITA PAKSA. "Comunicaciones", 1968/2008, caja que contiene el disco Comunicaciones y 4 impresos enmarcados.

En tres salas se proyectan videos en loop con libros de artista. “Parahereges” se llama el de León Ferrari. En bellos collages, mix de grabados de Durero e imágenes eróticas orientales, Ferrari vuelve a interpelar sobre religión, arte, política, sexo y goce.

Se exhiben, entre muchos otros, libros de Gyula Kosice, Rodolfo Agüero, el Grupo Escombros, Carlos Gómez Centurión, Gabriela Aberastury, Estela Pereda, Pedro Roth, Mónica Goldstein (con un libro-video) y de los fotógrafos Oscar Pintor y Alejandro Montes de Oca.

El libro de Ataúlfo Pérez Aznar es una joyita. Se trata de una selección de 160 fotos de Todos somos argentinos, que se publicará este año. Es un vertiginoso caleidoscopio social que incluye marchas contra el divorcio, personajes pura fauna del hipódromo, gitanos, los primeros travestis que salieron a reivindicar sus derechos en La Plata, el circo y las vacaciones en Mar del Plata. Ataúlfo ausculta y retrata, con precisión de cirujano, a la clase media y los sectores populares de la sociedad argentina. Su cámara captura miradas y cuerpos que lo dicen todo.

“El desnudo me parece fascinante porque es donde se evidencia la problemática que le tocó vivir a nuestra generación”, dice Ataúlfo. Nada de modelos. Sus personajes son de carne y hueso: mujeres simples, en casa, en el living, en un cuarto precario, junto a la heladera. Son desnudos con efecto paradojal: hay en esos cuerpos, que se escapan de la pose tradicional y que por la forma de pararse parecen estar vestidos, algo provocador. Hay allí una reivindicación orgullosa, y acaso no buscada, ante el espectador: “Esto es un desnudo, ¿y qué?” parecen gritar esos cuerpos.

Seguimos. Mireya Baglietto invita a soplar unas plumas en una hermosa caja espejada para generar un océano magenta. Algunos libros tienen algo de diario íntimo: como si el artista se animara a contar de manera más explícita una experiencia de vida, acaso compartida con el espectador. “Area restringida”, de Alicia Díaz Rinaldi, es un libro clausurado con candado, con tapa de corazón de cerámica de tamaño natural, cubierto con alambres.

CAMILA VALDEZ. "Bombonita", telgopor, fibra de vidrio, resinas epoxi, pintura.

Con una mezcla de imágenes que incluye clásicos, folletines y óperas con tramas kitsch, Ana Tarsia desata la fotonovela “Mentir por amor”, basada en La dama de las camelias. Osvaldo Borda cuenta que hizo dibujos en marcador sobre papel mientras acompañaba a su esposa gravemente enferma: “Son pequeñas obras que nunca usaré como bocetos”, cuenta el artista.

Diana Chorne se mete con “Lo indecible”. José Berni, hijo de Antonio Berni, presenta un libro con fotos que ponen el foco en el espacio público, con textos de Luisa Futoransky. “Más allá de las trampas de la luz y del olvido contamos con atrapar lo no dicho, residencia principal de la emoción”, señalan. Es posible encontrar en esas imágenes la palabra “amor” estampada en una hoja de aloe vera peligrosamente pinchuda y sanadora.

Hay desde libros de vidrio soplado hasta otros con plumas que se vuelven, tan sólo con un suspiro, océano magenta. Algunos libros de artista surgieron de cuentos de Borges o de poemas de Baudelaire. Los hay inspirados en viajes, mitos, en el mundo del trabajo… O en el inconfundible universo Kosice que desata inolvidables sitios “para la evocación paralela del verbo amar con el fulgurante hidroamor correspondido” o espacios “para establecer coordenadas sentimentales, corporales, copulativas, sexuales y eróticas en levitación sublimada” y otros lugares “para chapotear en la espuma del lenguaje”, “dirigir ideogramas multicolores visualizables por inmersión” y “empaparse de poesía por simple impresión digital de años luz”.

FICHA
Muestra fundacional
Lugar: Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez, 4 de enero de 1510.
Fecha: hasta 12 de mayo.
Horario: lun a vier, 8 a 12; 16 a 19; sáb y dom, 16 a 19.
Entrada: gratis.