LA CASA ROSADA ES ASIMÉTRICA

Los cuerpos laterales eran iguales, hasta que le rebanaron el sur para prolongar Yrigoyen.

Ahora. La sede del Gobierno en la actualidad, con un lado más largo que el otro, por una de las tantas modificaciones que se le hicieron.
Por Berto González Montaner*

La Casa Rosada es un enclave patrimonial de gran densidad histórica. Demás está decir, por los hechos relevantes que allí se suscitaron y marcaron los destinos de nuestro país. No sólo eso, también desde la arquitectura concentra récords de historia y curiosidades por metro cuadrado. Las más recientes tienen que ver con la polémica que desató la plata que se va a gastar en hacer un puñado de refacciones. Estas parecen continuar una serie de obras ya realizadas que –luego de años de abandono– a partir de 1998 recuperaron las cuatro fachadas, cambiaron su color rosa por uno más intenso y restauraron algunos de sus imponentes salones.
Aunque pocos lo sepan, el frente de la Casa Rosada alguna vez fue simétrico, con su arcada central enfatizando el acceso principal y ceremonial sobre la Plaza de Mayo. Así lo proyectó en 1884 Francisco Tamburini, el mismo autor del Teatro Colón, el Departamento Central de Policía y del Colegio Mariano Acosta, entre otras obras destacadas. En realidad, si nos retrotraemos a los orígenes, de esta barranca bañada por el río emergían las murallas del Fuerte de Buenos Aires (1594). Con el tiempo, se fueron sucediendo una serie de edificaciones como la residencia para gobernadores y el palacio para los virreyes, hasta que en 1853 sirvió como sede del Gobierno Nacional. Fue Sarmiento quien durante su presidencia promovió una gran reforma que incluyó la arriesgada decisión de pintar todo de rosa.
La historia del edificio que hoy conocemos arranca en 1876 cuando en la esquina vacante de Balcarce e Yrigoyen, Carlos Kihlberg proyecta la nueva sede para el Palacio de Correos y Telégrafos. Y calle de por medio, en la esquina de Balcarce y Rivadavia, Enrique Aberg proyecta el edificio de Ministerios, como materializando una idea expresada por Carlos Pellegrini: “Dos cuerpos de edificios simétricos y paralelos que dejen ver el Sol de América a su levantar”.
Duró poco. Las ambiciones del presidente Julio Argentino Roca eran otras. Impuso a su arquitecto personal, el italiano Francisco Tamburini, quien unifica en 1898 los dos cuerpos existentes con un arco central que le da a la sede de gobierno la pretendida configuración monumental a la altura de las declamadas transformaciones de la Nación.
La historia no queda ahí, ni tampoco el edificio. Entre los años 30 le rebanan 17 metros del ala sur para continuar Hipólito Yrigoyen hacia el río. La idea estaba dentro de un plan general que consistía en mudar la Casa de Gobierno y darle un nuevo marco a la emblemática Plaza de Mayo. De esta iniciativa queda como cicatriz la pérdida de la simetría de la Casa Rosada y la imponente presencia del Ministro de Hacienda, esa mole sobre Yrigoyen y el Bajo que aún conserva los agujeros de las balas del bombardeo militar de 1955.
En 1942, durante unas excavaciones, se redescubre la vieja Aduana en la parte posterior a la Casa de Gobierno. Había sido proyectada en 1855 por el ingeniero Edward Taylor con forma de hemiciclo y fue demolida en 1894 cuando el puerto pasó a ser Puerto Madero. Este hallazgo fue el puntapié para la creación del Museo de la Casa de Gobierno en 1957 y luego la construcción del flamante Museo del Bicentenario, inaugurado en 2011. La Presidenta, haciendo uso de su declamada vocación arquitectónica, puso mano en el proyecto del estudio B4FS y mandó a trasladar a este sitio el famoso Mural de Siqueiros que había estado arrumbado por años en unos contenedores.
Los arquitectos en general quedaron chochos con esta obra singular. Los que no quedaron muy conformes fueron los arqueólogos: protestan porque al hacer el nuevo edificio cementaron la oportunidad de develar las capas de historia que quedaron enterradas en sus entrañas. Aseguran que, exigidos por los tiempos de la obra, las exploraciones arqueológicas se hicieron contrarreloj, dejando de hacer trabajos más detallados. Y, lo más lamentable, se taparon sectores que presentaban un potencial arqueológico único.

*Editor general ARQ.

Fuente: clarín.com

¿El Mundo de la Fantasía de Disneylandia? ¿La Mansión de Barbie?  Lo berreta sale caro.
                                                                                                                                                                      Foto Oliver Kornblihtt - AFV
                                                                                                                              

COMENTARIOS A ESTA NOTA:
Pedro Baliña · Comentarista destacado · Trabaja en Decoración, Iluminación y Puesta en Valor de Obras de Arte

Un capítulo especial merece la nueva iluminación, con la que se ha conseguido que la que siempre había sido la Casa Rosada, haya pasado ahora a ser la nacarada, iridiscente e irremediablemente cursi Casa Fucsia.
El cuento, en un principio, fue que esa iluminación tonalizada era para hermanar a Buenos Aires con otras grandes ciudades del Mundo por el tema de la concientización de las mujeres en pro de la conveniencia de un diagnóstico precoz del cáncer de mama. La citada iluminación iba a ser temporaria y uno, sólo desde ese punto de vista, podía llegar a aceptar esos espantosos y gigantes tachos plateados, como los que se alquilan para 'eventos' y desfiles de modelos, y esos cables negros gordísimos, como ristras de oscuras morcillas, con los que está hecha. Ésa fue la excusa para encajarnos de prepo esa espantosa iluminación con la que se ha tratado a la sede del Poder Ejecutivo Nacional.
Se ha tirado una millonada enorme de pesos para conseguir ese horrible resultado: uno no sabe ahora si está ante nuestra Casa de Gobierno, frente a uno de los tantos moteles por horas de la Panamericana o ante una disco de las tantas que hay cuando va partiendo de viaje de Buenos Aires hacia Mar del Plata. Tal el grado de la vulgaridad lograda. Síntoma y reflejo de la época.
Y como si lo recién descripto fuera poco, a la sede central del Banco Nación, una de las obras emblemáticas de ese gran artista -escultor-pintor-arquitecto- que fue Alejandro Bustillo, le han 'pintado' su frente con una iluminación tonalizada con un color azul más que inapropiado, lo que, unido a la 'nueva' Casa Fucsia, completa esa tan lograda atmósfera chabacana bien de bailanta tropical que tiene desde hace un tiempo el Casco Histórico céntrico de la Ciudad. ¿Puede ser que nadie objete tanto mal gusto junto?
¿Puede ser que la compulsión argentina en dirección al mamarracho sea tan fuerte, tan irrefrenable? ¿Puede ser que el respeto por nuestros edificios históricos y patrimoniales brille tanto por su ausencia? Es comprensible, hasta esperable, que las empresas proveedoras traten de hacer su propio negocio... ¿Pero los expertos y asesores de la Comisión Nacional de Museos, Monumentos y Lugares Históricos no deberían expedirse en estos casos y poner las cosas en su justo punto haciendo comprender que esa "chabacanización" del Casco Histórico es absolutamente inadmisible cualquiera sea el punto desde el que se la mire?
¡Cómo se nota que en el Antiguo Egipto, a sus arquitectos, no les enseñaban Iluminación!
  • nmtservice· Comentarista destacado
    Cuestión de gustos. A mi me parece que tiene una muy linda vista nocturna. Sin iluminación sólo parece un edificio viejo y aburrido.
    No estaría mal que cada tanto la modifiquen, eso sí.
  • nmtservice· Comentarista destacado
    Y me gustaría conocer tu opinión sobre la iluminación de la torre Eiffel, hablando de "bailanta tropical"...

  • Pedro Baliña · Comentarista destacado · Trabaja en Decoración, Iluminación y Puesta en Valor de Obras de Arte

    Desconozco la normativa francesa para la Torre Eiffel y para sus monumentos históricos nacionales, edificios patrimoniales, etc. pero sí puedo asegurar que en Francia, como por lo general ocurre con los otros países del Primer Mundo en serio, las leyes y normativa respecto de los monumentos históricos y edificios patrimoniales, se hacen para ser cumplidas y respetadas. Aquí, desgraciadamente, sabemos de memoria, que las leyes y normas se hacen sólo para fregarse en ellas. Y que los gobiernos de todo signo y color, en vez de dar el ejemplo, son los primeros en transgredir y avasallar esas leyes y normativa específicas.
    Por otro lado, no creo que sea comparable el caso de la Torre Eiffel con el de nuestra Casa de Gobierno. A mi entender, podría sólo podría ser equiparable con nuestro Obelisco, puesto que los dos son ya símbolos icónicos, respectivamente de la capital francesa y de la Ciudad de Buenos Aires. Pero la Torre Eiffel no es la sede física dentro de la cual ejercen sus cargos los presidentes de la República Francesa, como sí lo es nuestra Casa de Gobierno. Aparte, la Torre Eiffel, me parece que ha sido tratada lumínicamente con criterio visual y buen gusto. Pero lo hecho en nuestra Casa de Gobierno, me parece un verdadero desastre, un monumento al mal gusto y al cocoliche. Creo que es un gran error sumar iluminación tonalizada a la arquitectura y a la escultura. En el caso particular de nuestra Casa de Gobierno, en la época de De La Rúa, ya se le había cambiado el color, oscureciéndoselo y llevándolo a un muy riesgo color frambuesa demasiado pigmentario. Ese nuevo color, sumado a que la sede de nuestro de gobierno ya es visualmente bastante pesada, le daban ese aspecto como de gran torta muy teñida de colorante artificial. Si a éso, encima se le suma iluminación tonalizada color fucsia, se consigue el bodrio actual. Sólo faltaría ahora instalar unos parlantes y tocar cumbia las 24 horas del día.
    Y ya la cosa estaría completa.
    La explicación del color rosado con el que, históricamente, desde la época de la colonia, se pintaban muchas de las casas viejas urbanas y rurales nuestras, está en que ese color se fabricaba con cal teñida con sangre de vacunos. Pero sus calidades quedaban medio desparejas, "como de acuarela", no con la uniformidad y "perfección" con la que quedan las pinturas tecnológicas actuales.
    Creo que sumarles iluminación tonalizada a la arquitectura y a la escultura, no sólo es modificarlas, desvirtuando los verdaderos colores propios de los materiales que las constituyen, sino que es agregarles una anécdota innecesaria, distractiva del propósito o fin para el cual han sido creados.
    Esa iluminación tonalizada, creo que sin duda resta en vez de sumar.
    Una iluminación de arquitectura interior o exterior o de escultura está bien hecha cuando pone en valor y de relieve las características propias de la obra iluminada, no cuando los efectos lumínicos se destacan en sí y se "leen" en forma separada de la obra que deben destacar.
    La iluminación bien hecha, en definitiva debe servir y estar subordinada a la obra iluminada y de ninguna manera competir con ella. Lo que en el teatro, se llama "problemas de cartel": cuando dos figuras se pelean por encabezar una cartelera. Si la iluminación "triunfa", aplastando o comiéndose a la obra, en vez de ponerla de relieve, será porque no está bien resuelta. Ésto es lo que creo que ha ocurrido con la nueva iluminación tanto de nuestra Casa de Gobierno como del Banco Nación central. Para mí, no han sido encaradas con verdadero criterio visual, ni buen gusto y mucho menos con refinamiento, de ahí los deplorables resultados obtenidos. La gracia de una buena iluminación de arquitectura o de escultura, es en definitiva, prolongar los efectos benéficos del día solar, incluso aumentándolos, puesto que al Sol, por los movimientos de rotación y traslación de la Tierra, uno no puede manejarlo a su antojo y, en cambio, a la iluminación sí. Uno, con la iluminación puede acentuar la dramaticidad y espectacularidad de ciertas obras o conseguir determinados efectos que no podría obtener con la luz solar.

  • Pedro Baliña · Comentarista destacado · Trabaja en Decoración, Iluminación y Puesta en Valor de Obras de Arte


    Y me permito diferir absolutamente con nmtservice, cuando dice que es una cuestión de gustos. No depende sólo de éso.
    Creo haber fundamentado más que ampliamente porqué no me parece bien encarada ni criteriosa la nueva iluminación de la Casa de Gobierno.
    Me parece que se podrían haber respetado la arquitectura, la rica historia y la tradición, amén de la normativa vigente para los monumentos históricos nacionales y edificios patrimoniales y significativos y no haber caído en la vulgaridad, en la baratura y el mal gusto del efecto conseguido.
    Con éso también se hace docencia, se instruye y se da el ejemplo al soberano.
    Dentro del mundillo de la iluminación, hay un conocido dicho que dice que "alumbrar, alumbra cualquiera, pero iluminar, sólo el que puede".
    Creo que es obvio que, a quienes diseñaron e instalaron la nueva iluminación de la Casa de Gobierno, les importaba un rábano el respeto por nuestros monumentos históricos, por nuestro patrimonio edilicio y por el Casco Histórico. Y, aparte de éso, se me ocurre pensar que no tienen una formación o entrenamiento estéticos que los respalde. Lo que se llama "un ojo entrenado" y que "sabe ver".
    En definitiva: no se puede pretender que el olmo nos dé peras.

Raquel Casas Arauz · Diseño Publicitario


¡¡¡Menos mal que alguien se percató de semejante espanto!!!
Te lo agradezco como argentina, Pedro Baliña, ya que has plasmado con tus palabras mi pensamiento.
Es tal cuál como decís: no han tenido el más mínimo criterio al iluminar semejantes edificios que hacen a nuestro patrimonio histórico y nacional.
Cuando vi la Casa Rosada, en ese colorinche fucsia, me revolvió el estómago, sumado, al azul del otro edificio. Resultado: un bodrio.
¡¡¡Adhiero totalmente a tu opinión!!!
Es increíble que no haya alguien que asesore correctamente a quien tuvo esta pésima idea.
A veces, menos es más...

PREMIO PARA EL MALBA

El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires fue elegido como el ganador del Premio Década 2002-2012, que contó con el arquitecto noruego Andreas Gjertsen como único jurado.

PREMIO DÉCADA. El Malba fue la obra galardonada en la edición 2012.
El Premio Década 2002-2012 ya tiene a su ganador. En base a la decisión del arquitecto noruego Andreas Gjertsen, del estudio Tyin (todas las ediciones del concurso han tenido un solo jurado), el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), del estudio AFT, fue reconocida como el edificio más importante de los últimos 10 años. El evento sirvió también como lanzamiento del de la XIV Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires, que se llevará a cabo el año que viene. 

PREMIO DÉCADA. El hall central del Malba, el espacio principal del museo.

Además del premio a la obra del estudio AFT (formado por los arquitectos Gastón Atelman, Martín Fourcade y Alfredo Tapia), fueron entregados cinco diplomas:

Monasterio de Santa Mónica (Mederico Faivre)

Salón de Usos Múltiples del Club de Campo La Martona (Estudio KLM, Federico Kelly-Paula Lestard-Hernán Maldonado)

Casa en Talar de Pacheco (Hampton+Rivoira+Arquitectos)

Centro Cultural de la Cooperación (Estudio Gerra-Vahedzian-Moller)

Casa en Bajo Belgrano (Estudio Rietti Smud & Asoc.)

El Premio Década, en su octava edición en el país, fue organizado por el Centro de Arte y Comunicación (CAYC) y Pichon Riviere & Diaz Bobillo Consultores (PR&DB).
  PREMIO DÉCADA. Alfredo Tapia, del estudio AFT, autor del Malba, junto a Andreas Gjertsen.
PREMIO DÉCADA. Andreas Gjertsen dio una conferencia donde repasó su obra.
 
 Fuente: Arq Clarín

EL CENTENARIO DE LA LIBRERÍA EL ATENEO

Cultura / Un símbolo de Buenos Aires

La editorial y librería fundada por Pedro García es un faro literario indiscutido, por el que han pasado los más notables autores argentinos; el festejo central se desarrollará en la sucursal de la avenida Santa Fe, considerada una joya mundial.


Hoy y ayer: El Ateneo se instaló en Florida 371 en 1936 y pocos años más tarde cruzó la peatonal y se ubicó en el 340.

Por Maria Elena Polack / LA NACIÓN
Que una librería y una editorial celebren sus cien años de vida ininterrumpida en una nación que recién lleva 200 años es un hito histórico y cultural indiscutible. Y hoy, para celebrarlo, la librería y editorial El Ateneo reunirá a escritores, artistas, lectores y público en una fiesta, en su local de la avenida Santa Fe al 1800.
El Ateneo Gran Splendid es considerada una de las joyas entre las librerías del mundo. Hace poco tiempo, según un ranking mundial difundido por el diario The Guardian, estaba en el segundo puesto, detrás de la curiosa Boekhandel Selexyz Dominicanen, en Maastrich (Holanda), que ocupa una antigua iglesia de 800 años.
Fundada en 1912 por Pedro García, un inmigrante español de familia de libreros, la primera casa El Ateneo fue abierta en Victoria al 600 (actual Hipólito Yrigoyen). De allí pasó en 1936 a Florida 371 y pocos años después cruzó la peatonal y se instaló en el 340.
Si bien, y tras 100 años de crecimiento, El Ateneo cuenta con 45 sucursales en el país, la sede de Florida 340 vio crecer y triunfar a buena parte de los escritores argentinos más destacados.
De hecho, fue prácticamente la precursora de la Feria del Libro de Buenos Aires, que nació en 1974. El antecedente fue La Primavera de las Letras Argentinas, que se celebró en El Ateneo los 21 de septiembre de 1969 y de 1970.
Participaron de esas jornadas escritores destacados como Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares, Victoria Ocampo, Manuel Mujica Lainez, Leopoldo Marechal, Pedro Orgambide y Silvina Bullrich, entre muchos otros.

Hoy y ayer: El Ateneo se instaló en Florida 371 en 1936 y pocos años más tarde cruzó la peatonal y se ubicó en el 340.
El acontecimiento alcanzó un realce notable, con una extraordinaria concurrencia de lectores, ávidos de dialogar con autores prestigiosos y de llevarse un libro autografiado.
Además, los lectores podían cruzarse con el doctor Bernardo Houssay, que corregía dentro de la librería los textos originales de medicina. Es que El Ateneo ha editado tratados argentinos y del exterior sobre medicina a lo largo de su historia.
Además de los autores locales y de las publicaciones que llegaban desde el exterior, El Ateneo fue un faro de libertad editorial para Europa, especialmente durante la Guerra Civil Española, porque aquí se pudieron imprimir obras prohibidas por el franquismo.
Los sucesores de García, que murió en noviembre de 1948, fueron sus hijos Pedro y Eustasio, quienes impulsaron la apertura de sucursales en las principales capitales de América del Sur y hasta tuvieron librerías en Barcelona, Houston y México.
Casi al fin del siglo, se fusionaron las librerías El Ateneo y Yenny, merced a una inversión del Grupo Ilhsa, que maneja los destinos actuales de este conglomerado de librerías que alcanza a 45 sucursales en todo el país y que cuenta además con su tienda online www.tematika.com.
Sólo en nuestra ciudad, El Ateneo cuenta con cuatro sucursales en la ciudad de Buenos Aires -Florida 340 y 629, Juramento 2093 y Santa Fe 1860- y el resto están distribuidas entre el conurbano bonaerense y buena parte de las capitales del país.
El director comercial del Grupo Ilhsa, Jorge González, conoce bien el crecimiento de El Ateneo, ya que en la empresa trabaja hace 28 años y en el rubro editorial supera los 45 años.

El Ateneo del ex cine y teatro Gran Splendid, que sorprende a propios y extraños.
"Pasé de ser un adolescente y lector al mundo del libro casi sin darme cuenta. Estar en este momento festejando los 100 años de El Ateneo desde adentro es como mínimo un gran privilegio. Es una combinación de mucho orgullo y una gran responsabilidad. Ser un referente tan clásico y tener el desafío de estar siempre en la vanguardia en todos los aspectos del mundo del libro no es una tarea fácil, pero sí muy gratificante", confiesa González.
Llegar a los 100 años no sólo es una ocasión para rememorar la trayectoria, sino para proyectarse hacia al futuro. "La compañía tiene como visión llegar a cubrir todo el país. Hoy tenemos entre el Ateneo y Yenny 45 sucursales y si las condiciones económicas nos acompañan seguiremos en ese camino; todavía hay muchos lugares donde el libro falta", añadió.
Luz Henríquez, directora de Editorial El Ateneo, trabaja con la mira puesta en los proyectos, entre los cuales se cuentan la inclusión de biografía de intérpretes de música de géneros variados, libros sobre divulgación histórica y publicaciones sobre autoayuda, en especial para la educación de los hijos. ¿El libro electrónico? "Es una realidad innegable, aunque en la reciente Feria del Libro de Fráncfort la presencia del libro papel ha sido enorme y no se ve competencia directa con el libro electrónico.".

Del editor: por qué es importante

No son muchos los comercios porteños que han sabido perdurar en el mercado y mantener su vigencia como foro cultural.

Fuente texto y fotos 1 y 2: lanacion.com

UNA CARTA DE NAPOLEÓN,
ESCRITA EN CLAVE,
SUBASTADA POR MÁS DE 180.000 EUROS

Una carta en clave en la que Napoleón anuncia que quiere destruir el Kremlin fue adjudicada este domingo por 187.500 euros en una subasta cerca de París, donde otro manuscrito del emperador francés alcanzó una suma récord de 375.000 euros.

Por Kenzo Tribouillard

Una carta en clave en la que Napoleón anuncia que quiere destruir el Kremlin fue adjudicada este domingo por 187.500 euros en una subasta cerca de París, donde otro manuscrito del emperador francés alcanzó una suma récord de 375.000 euros.
La carta, que salía a la venta con un precio estimado de entre 10.000 y 15.000 euros, generó mucho interés entre los coleccionistas internacionales, entre ellos varios rusos, pero finalmente quedó en manos del Museo de Cartas y Manuscritos de París.
"Hago explotar el Kremlin el 22 a las tres de la mañana", escribe Napoleón en esta carta, redactada en clave el 20 de octubre de 1812, en plena campaña de Rusia.
La misiva, dirigida a Hugues-Bernard Maret, su ministro de Relaciones Exteriores, y que lleva la firma "nap", fue redactada cuando el emperador acababa de salir de un Moscú en ruinas para replegarse en los alrededores de la ciudad.
En la misiva Napoleón pide a su ministro que consiga más víveres y caballos a causa del frío siberiano que asola Moscú. "Mi caballería se queda sin monturas, se mueren muchos caballos", escribe el emperador.
La orden de destruir el Kremlin fue finalmente ejecutada por el mariscal Mortier, que hizo volar las torres del palacio pero que luego fueron reconstruidas rápidamente igual que las anteriores.
Otro documento de Napoleón, dictado en la isla de Santa Helena donde fue desterrado por los británicos, fue adquirido por 375.000 por el mismo museo francés, un récord para una carta del empereador.

Fuente: AFP

DERRUMBE DE UN PEDAZO DE MURALLA
DE UNA VILLA DE POMPEYA

Parte de una muralla de una villa romana de Pompeya (cerca de Nápoles, sur) se derrumbó este viernes, indicó la dirección del sitio, casi dos años después de que estallara una polémica sobre el mantenimiento de ese conjunto único que forma parte del Patrimonio Mundial de la Humanidad de la UNESCO.

Por Carlo Hermann

Parte de una muralla de una villa romana de Pompeya (cerca de Nápoles, sur) se derrumbó este viernes, indicó la dirección del sitio, casi dos años después de que estallara una polémica sobre el mantenimiento de ese conjunto único que forma parte del Patrimonio Mundial de la Humanidad de la UNESCO.
El derrumbe se produjo en una zona de la ciudad antigua "prohibida al público desde hace tiempo", precisó en un comunicado la misma fuente.
Un plan para garantizar la seguridad del inmenso parque arqueológico fue programado ya y la licitación será abierta en pocos días, anunció la dirección.
Desde hace dos años se han registrado desmoronamientos en el sitio provocando fuertes polémicas con el gobierno por la falta de cuidado de uno de los grandes tesoros de la península.
En 2010 la Casa de los Gladiadores -una de las construcciones más conocidas- se derrumbó. El 30 de ese mismo mes se cayó un trozo de la pared de la Casa del Moralista. Las autoridades habían explicado este derrumbe por las fuertes lluvias y una renovación anterior hecha con cemento.
A inicios de septiembre de este años en la Villa de los Misterios un viga cedió.
La Unión Europea desbloqueó un financiamiento de 105 millones de euros para la restauración en los próximos cuatro años del sitio.
Situada cerca de Nápoles, Pompeya fue sepultada por la violenta erupción del Vesubio el 24 de agosto del año 79 y su descubrimiento en 1738 permitió tener un cuadro exacto de la vida romana durante el siglo I.
Desde 1997 está inscrita en la lista del Patrimonio Mundial de la Humanidad de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO).


Fuente: AFP

ROBAN EN PARÍS UN CUADRO DE DELACROIX
VALORADO EN MÁS DE 600.000 EUROS

Un cuadro del pintor Eugène Delacroix, cuyo valor se estima en 600.000 euros (780.000 dólares) fue robado este viernes en una galería parisna por un desconocido, informó una fuente cercana a la investigación.

Por Eric Feferberg

Un cuadro del pintor Eugène Delacroix, cuyo valor se estima en 600.000 euros (780.000 dólares) fue robado este viernes en una galería parisna por un desconocido, informó una fuente cercana a la investigación.
La obra robada, un pequeño lienzo (15 cm de alto x 19 cm de ancho) pintada en 1833 y llamada 'Los árabes de Orán', era exhibida en una galería de la calle Saint-Honoré, en el centro de París.
Según los primeros elementos, una empleada de la galería de arte supuestamente se dio cuenta a comienzos de la tarde de que el cuadro no estaba en su lugar. Un desconocido pudo haber logrado desprender la tela y huir con ella, según esa misma fuente.

Fuente: AFP

SUBASTA DE RAROS OBJETOS PRECOLOMBINOS
DE LA CULTURA PERUANA CHAVÍN EN PARÍS

Una parte de la colección de arte precolombino del suizo Benditch Rudolf Wagner, entre ellas obras raras de la muy antigua cultura peruana Chavín (900-200 antes de JC) serán subastadas el lunes en París, anunció este viernes la casa de remates Hôtel Drouot.

Por Ernesto Benavides

Una parte de la colección de arte precolombino del suizo Benditch Rudolf Wagner, entre ellas obras raras de la muy antigua cultura peruana Chavín (900-200 antes de JC) serán subastadas hoy lunes en París, anunció este viernes la casa de remates Hôtel Drouot.
Cerca de 260 objetos, valorados en total entre 800.000 y 1,2 millones de euros (entre un millón y un millón y medio de dólares), entre ellos varios en oro y terracotas, serán puestas en venta, según el experto Serge Reynes.
La cultura Chavín es la primera civilización peruana que trabajó el metal, el oro, la plata y el cobre.
Benditch Rudolf Wagner (1928-2012), quien vivió en Perú, era un gran coleccionista de arte precolombino.

Fuente: AFP

CON ACENTO ESPAÑOL Y ALGO MÁS

El edificio del Club Español, una obra de arte con raíces holandesas, francesas y argentinas.

Con acento español y algo más.
Por Eduardo Parise

Si se tiene en cuenta quiénes participaron en su construcción y decoración, se lo puede considerar como un edificio de nacionalidades unidas que confluyeron allí para darle a Buenos Aires una obra de arte. Veamos: lo diseñó un arquitecto holandés; tiene trabajos realizados por españoles de distintas regiones; en uno de sus sectores trabajó una artista francesa que fue la primera mujer admitida en la Academia de Bellas Artes de París y, como no podía ser de otra manera, en su pinacoteca hay una obra de uno de los argentinos más brillantes: Benito Quinquela Martín.
El edificio fue inaugurado el 8 de mayo de 1911 y ocupa dos lotes que, en un remate realizado en 1907, compró el Club Español, invirtiendo $ 160.000. Está en Bernardo de Irigoyen 172 (la calle se llamaba Buen Orden), tiene cuatro plantas y la consideran la sede de la más antigua sociedad de emigrantes españoles que existe en el mundo.
El Club Español fue pensado por el arquitecto Enrique Folkers, nacido en Groningen (Holanda), en 1873. Folkers llegó a la Argentina en 1907 y ese mismo año ganó la licitación internacional convocada para hacer ese edificio, que, según los especialistas, puede inscribirse en la categoría de Art Noveau, aunque el resultado final tenga sumados rasgos del Modernismo catalán, con toques de corrientes austriacas y alemanas. La construcción se hizo en apenas 28 meses y la dirigió el ingeniero Ernesto Gramondo.
Describir todas las riquezas estéticas de este palacio llevaría un espacio ilimitado. Por eso la mención es para algunos detalles que se destacan. Por ejemplo, los tres arcos de estilo mudéjar recubiertos con mosaicos venecianos. O la espectacular escalera de honor de la entrada. Realizada con mármoles traídos de Italia y España, muestra calados y tallas hechas a cincel. Un párrafo aparte merece el actual Salón Alhambra que reproduce sectores de la famosa construcción que está en Granada. En esa área se luce la obra que hicieron el artista español Francisco Villar y su esposa, la francesa Lèonie Mathis, aquella mujer pionera mencionada al principio. Y en la nutrida pinacoteca del tercer piso, entre consagrados de distintos orígenes, está “Elevadores”, una obra de ese genial artista que empezó dibujando en la carbonería de su padre adoptivo en La Boca y después el mundo conoció y reconoce como Benito Quinquela Martín.
Pero el símbolo del Club Español está en el exterior. Es su impactante cúpula, de un color entre dorado y cobrizo, donde se luce “Genio alado”, una obra de Torcuato Tasso y Nadal, artista que nació en Barcelona en 1852 y murió en Buenos Aires en 1935.
Se recuerda que en una mano sostenía un farol que se encendía en fechas especiales, como el 12 de octubre. Suyas también son otras dos obras del edificio: “La Navegación” y “La Recolección”. Las rejas originales de bronce que cubrían la parte baja de la balaustrada fueron robadas hace diez años. Las reemplazaron por unas de hierro, pintadas de dorado.
Con una biblioteca que supera los 20.000 libros, este club del barrio de Monserrat, (declarado en 2004 sitio de interés cultural de la Ciudad) también supo tener tres ascensores hechos en hierro y madera y considerados obras artísticas por su diseño y calidad. Fueron donados en mayo de 1910 por la Infanta Isabel de Borbón cuando visitó el país en los festejos del Primer Centenario de la Revolución de Mayo. Dos siguen funcionando allí. El tercero se le regaló al Gobierno Nacional, fue instalado en la Casa Rosada y lo usan los Presidentes. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

PAUL FRIEDLANDER:
"QUIERO EXPRESAR MI AMOR POR EL COSMOS"

En una conferencia en ArtFutura, el artista británico presentó en Buenos Aires sus esculturas de luces en movimiento que buscan traducir en una experiencia perceptible los secretos revelados del universo que, de otra manera, sólo entenderían los científicos. 


Por MARCELA MAZZEI

Cuando tenía seis años, un joven Paul Friedlander vio el lanzamiento del Sputnik por televisión. “Fue el primer satélite, y la primera noticia que comprendí completamente y me impactó”, recuerda hoy el artista británico aquel episodio que transformó su vida. Recuerda, incluso, el ruido de las ondas de radio que llegaban con interferencias y la tapa de su primer libro de astronomía. En una visita fugaz, llegó a Buenos Aires para presentar sus obras de arte lumínico y cinético en una conferencia de ArtFutura, el festival internacional de cultura y creatividad digital, donde también hizo una demostración de sus luces voluminosas que adquieren cuerpo girando sobre sí mismas; mientras que en la edición uruguaya del evento montó una enorme instalación luminosa que conjuga sus pasiones: la ciencia y el arte.
Hombre de su época, Friedlander abrazó con pasión la era espacial en la que le tocó crecer. Fascinado, soñaba desde niño con fabricar su propio aparato para viajar por el espacio. “Fue una época muy especial, donde el optimismo respecto al futuro hacía creer que para el año 2000 íbamos a estar viviendo todos en la Luna”, admitió el artista que se graduó en física y matemática, y luego dedicó su vida a darle forma visual y asequible por los sentidos a los millones de datos duros que los cosmólogos y astrónomos descubren del universo. “Es una forma particular de amor a la naturaleza”, dijo en diálogo con Ñ Digital, después de la conferencia.
La cosmología, explicó, es la disciplina que estudia todo el universo y hace preguntas como: ¿es el espacio finito o infinito? “No hago mis propias investigaciones, soy un artista, pero también soy un hombre de ciencia, y puedo interpretar los datos, como las 25 mil galaxias que Michael Longo compartió conmigo, que me permitió crear la instalación de Uruguay”. Lo que el desconocido profesor de Física de la Universidad de Michigan descubrió fue que las galaxias espirales prefieren girar en un mismo sentido. “Siempre me fascinó la cosmología, el estudio del origen y la naturaleza global del universo, y este descubrimiento tal vez es uno de los desarrollos más importantes en este campo”, dijo sobre la materia prima de Cosmos Spinning.
En un viaje de exploración a la capital inglesa, Friedlander descubrió cuando aún era un estudiante el arte lumínico y cinético. Conoció la obra de Nicholas Schaffer, que lo inspiraría al igual que László Moholy-Nagy y Dan Flavin, entre otros. Y antes de convertirse en artista, trabajó en el diseño de iluminación de conciertos de música de vanguardia y puestas de teatro. La música lo seguiría acompañando en sus presentaciones artísticas como una forma más de hacer perceptibles las fuerzas energéticas del universo, que se comportan de forma caótica y armónica a la vez, y “provocan una profunda paz espiritual” en los espectadores. “Mi amor por el cosmos es lo que quiero expresar”, confesó.
En 1993, recibió reconocimiento internacional: un premio en una muestra de arte futurista en Canadá; en 1998 creó su primera gran instalación sobre astronomía y cosmología, y ahora se encuentra trabajando en un gran proyecto: la representación física a través de sus maleables luces de colores de la magnetósfera de la Tierra. Una animación que elaboró como maqueta permite tener una experiencia perceptible de las tormentas magnéticas mientras los satélites las van captando. Allí está él para leer todas las variables y magnitudes.
“Desde que Copérnico explicó que la Tierra gira y por eso tenemos la noche y el día, sabemos que todo en el cosmos gira”, explicó Friedlander, hacia el final de su conferencia. Y describió la multitud de objetos del universo que giran. La novedad, aseguró, es que si se mira la suficiente cantidad de galaxias se advierte que no giran al azar sino con un patrón: el universo tiene un eje, así como la Tierra tiene un eje con polos norte y sur. “Hasta ahora no tenemos información suficiente para saber dónde está el eje del universo, pero se puede saber que en el hemisferio norte las galaxias giran en el sentido de las agujas del reloj, mientras que en el sur la tendencia es a girar en contra del sentido de las agujas del reloj. Este resultado es una sorpresa, algo totalmente inesperado para la comunidad científica: no hay manera de saber cuáles serían las consecuencias”.
-¿Por eso giran sus esculturas?

-El desafío ahora es encontrar evidencia científica para probar que el universo está girando. Las razones que yo tengo para sospechar esto son un poco técnicas, pero sucede que hace muchos años estoy creando instalaciones de luz que involucran movimientos giratorios, para mí hay una hermosa coincidencia entre el descubrimiento científico y mi arte. 
-¿Todavía es optimista respecto al futuro?
-Es una palabra importante, el optimismo, para el presente; aunque la época sea muy diferente, con muchas dificultades. Pero no es bueno focalizar en las dificultades, sino en las posibilidades que presenta el futuro. En aquella época también teníamos dificultades, claro, desde la guerra fría al temor a las armas de destrucción masiva.

Fuente: Revista Ñ Clarín

LA INFATIGABLE LUCHA DE UN FOTÓGRAFO POR LA ATENCIÓN

Un libro reconoce el "estilo guerrillero" de Joel Meyerowitz, un artista que lleva cinco décadas de carrera como fotógrafo urbano en busca de hallazgos visuales.

Por RANDY KENNEDY - The New York Times

"Lo llamo la campana zen", dijo hace poco el fotógrafo Joel Meyerowitz al describir la persistente compulsión de iniciar un proyecto a largo plazo sobre bancos luego de la Gran Recesión. "Escucho el llamado constantemente, de modo que voy a prestar atención".
Durante una carrera que este año cumple cinco décadas, el trabajo de Meyerowitz con frecuencia ha parecido ser producto de más de una persona: la Quinta Avenida de Manhattan, donde se convirtió en un fotógrafo urbano conocido a principios de los años 60; Cape Cod, donde sus fotos del cielo y la luz artificial contribuyeron a incorporar el uso del color en el mundo de la fotografía artística en blanco y negro; Europa, donde sus complejas escenas urbanas ejercieron influencia en una generación de fotógrafos más jóvenes; la ground zero después de los atentados del 11 de septiembre.
La publicación este mes de "Taking My Time", una extensa retrospectiva en dos tomos, reúne esos trabajos en un mismo lugar por primera vez.
Contiene numerosas fotografías inéditas y es probable que contribuya a redefinir la carrera de un artista innovador que tiene una tendencia a disolverse en el conjunto.
Para quienes reconocen su nombre sobre todo debido a "Cape Light", el libro de 1979 que fue pionero en el uso del color, el nuevo libro y una muestra relacionada en la Howard Greenberg Gallery de Nueva York sin duda constituirán una sorpresa.
En muchas de sus primeras fotos de la calle, los Estados Unidos son un lugar de engañoso vértigo al borde de la convulsión de fines de los años 60.
En una fotografía de 1963, una mujer pálida de ojos cerrados transmite un mensaje paranoico: "Se han producido partes electrónicas del tamaño de una cabeza de alfiler".
"Una cámara podría pasar por una aguja hueca", agregó.  Pronto `Big Brother’ podría sentarse frente a su televisor y ver o escuchar".
En otras fotos, un niño apunta una pistola de juguete contra un bebé; sobre un televisor, la cabeza de Jacqueline Kennedy se cierne plañidera sobre una multitud; dos vagones de tren de juguete se inclinan a un lado detrás de casas vetustas en un desolado paisaje del oeste.
"Nadie daba tanto dramatismo como Meyerowitz a ese tipo de estilo guerrillero de fotografía de la calle que él llevó de los años sesenta al trabajo en color de los setenta y los ochenta", dijo Brian Wallis, el principal curador del Centro Internacional de Fotografía de Nueva York.
"Nunca entendí por qué no ha tenido el debido reconocimiento".
Ve la influencia de Meyerowitz en el trabajo de fotógrafos de tendencia social como Paul Graham y Alec Soth.
Rineke Dijkstra, conocida por sus grandes retratos en color, dijo que el trabajo de Meyerowitz le abrió los ojos cuando era una estudiante en Amsterdam en la década de 1980.
Al igual que muchos fotógrafos jóvenes europeos, ella trabajaba en blanco y negro, pero el complejo trabajo de Meyerowitz con la luz la ayudó a entender la fuerza del color.
"Había un bello silencio sin gente", dijo Dijkstra al hacer referencia a muchas de las imágenes más conocidas de Meyerowitz.
"Pero también, en cierto sentido, trataba de componer la realidad".
Meyerowitz, que tiene setenta y cuatro años, dijo que nunca se ha considerado otra cosa que un miembro de "la generación que respeta el cuadro y se atiene a lo que ve".
"Lo que siempre pensábamos era: `¿En qué medida podemos absorber y abrazar un momento de la existencia que desaparecerá en un instante?’" dijo, y agregó: "Era una dimensión que bordeaba lo moral".
Abandonó su trabajo en una agencia de publicidad y se dedicó a la fotografía de la calle. "Lo único que sabía en aquel momento era que necesitaba estar en la calle", declaró.
"Me interesaba mucho la perspectiva de la escuela Ashcan de la realidad, o su complejidad y confusión".
Muchos fotógrafos artísticos de ese momento consideraban que el color era algo comercial, pero eso nunca constituyó un problema para él.
"El hecho era que proporcionaba más información, y yo quería más información".
Para mediados de los años setenta había empezado a sacar lo que llamaba fotografías de campo, en las que trataba de ver más allá de un solo lugar de acción y disparar desde mucho más atrás a los efectos de abarcar escenas más complejas.
"Quería una fotografía que no se revelara de inmediato, que no se entregara. Pero eso siempre es arriesgado, ya que se trabaja con el temor de que, al tratar de conseguir demasiado, tal vez no se consiga nada".
En los últimos años se ha dedicado a fotografías que ilustran los elementos clásicos: tierra, fuego, agua y aire.
"La verdad es que una foto de tierra puede ser muy aburrida", declaró.
"Me pregunto si no es una locura, si es un callejón sin salida o punto de entrada. Todavía estoy tratando de averiguarlo". 

Fuente: Revista Ñ Clarín.

URRA, UNA RESIDENCIA DONDE SE PONE EL CUERPO
Y SE DEJAN AFUERA LOS PREJUICIOS

En su tercera edición, la residencia internacional de arte recibió durante un mes entero en su sede de Almagro a un grupo que atraviesa las disciplinas como el mundo entero: de la performance al site specific, y de Hong Kong a San Pablo. Hoy presentan su trabajo en un estudio abierto.


Hace tres años que la residencia de arte URRA reúne durante el mes de noviembre a artistas locales y extranjeros. La información es correcta aunque no sería del todo preciso referirse a locales y extranjeros en este grupo que claramente viene a desafiar lo que entendemos por territorialidad. Sonia Abian, por ejemplo, es nacida y criada en Posadas pero desarrolló casi toda su obra en Barcelona. Xi Zhang es un chino de Denver, Colorado. La canadiense Karen Kipphof tiene domicilio en Bergen, Noruega y trabaja con instituciones de Oslo, Estocolmo, Berlín, Hong Kong y Jerusalén. Hay un salteño, Javier Soria Vázquez, que vive en Tucumán. Y porteños, como la mendocina Marcela Astorga, el neuquino Ariel Mora, el cordobés Fabián Nonino y el colombiano Luis Hernández Mellizo, quienes hace ya varios años adoptaron a la reina del plata como su ciudad.
Decimos entonces: pasajeros en tránsito, por Buenos Aires, donde hace 30 días comparten hotel y taller en el porteñísimo barrio de Almagro. Hoy, por única vez, el galpón de Gascón 104 abre sus puertas para mostrar sus producciones. Para el caso: obras en tránsito.
EL TALLER. Durante el Estudio Abierto, se puede visitar los talleres y ver los proyectos de los artista.
MOMENTO INFORMAL. Además de trabajar, durante URRA los artistas participan de visitas a colecciones, galerías y talleres de artistas.

Todos practican el cruce de disciplinas. Hay coincidencia en la performance, y es que el término ya no se refiere específicamente a un acting escénico o a algún tipo de improvisación sino al solo hecho de poner el cuerpo para una acción concreta que puede ser o no el resultado final. Otro concepto que se repite es el de sitio específico o todo lo que se relaciona con el lugar donde uno está: sus olores, sus colores, sus sonidos, la dimensión espacial, histórica y cultural. Entre estas dos ideas –el estar y el dónde estar– todo lo que sucede puede ser, y de hecho, será arte, si es que está documentado. El brasileño Guilhermen Peters, por ejemplo, sale a recorrer San Pablo con su patineta y se saca fotos trepando a las grandes esculturas de arte concreto que le dieron fama a su país. Esa es su obra. Acá, en Buenos Aires dice que hizo algo con "una escultura controvertida", y es imposible no pensar en el monumento a Roca, aunque también podría ser El pensador de Rodin, porque si algo queda claro es que para entrar a URRA, como artista o visitante, habrá que poner a andar la cabeza. Las ideas preconcebidas, acá, no van.

URRA

Residencia de Arte en Buenos Aires
Open Studio 29 de Noviembre
Gascón 104, de 18 a 22


Fuente: Revista Ñ Clarín

 

LOS DRAMAS ÍNTIMOS DE UNA CHICA MALA

Cinco videos confesionales integran la primera muestra en América de Tracey Emin, que se exhibe en el Malba. Son obras de los 90, cuando junto con Damien Hirst y otros “Young British Artists” emergió a la escena internacional.

Las noticias sobre los escándalos protagonizados por Tracey Emin se superponen. Unos cuentan que se emborracha, otros que gritó y abandonó un panel de televisión diciendo que le importaba un carajo, que tropezó con una alfombra roja, que vomitaba sus resacas delante de todos y que convirtió en obra la lista de toda la gente con que se acostó. Ciertas y no, su presentación en Buenos Aires estuvo precedida de esa bien ganada fama de chica maldita. Acaso la más mala de los Young British Artists, lo que ya es mucho decir. Todos chicos malos de los noventa, devenidos señores célebres en lo que va del nuevo siglo. La artista contemporánea que hoy goza del mayor pico de popularidad en el Reino Unido inauguró el jueves pasado en el Malba su primera muestra en América y, como tal, se prestaron a acompañarla el director del British Council y una corte de circunspectos funcionarios de la Embajada británica. En tanto, ella misma, botas vaqueras y bonito vestido de nuevo diseño británico, se parecía un poco a Miss Amelia, la desafortunada chica de la Balada del Café Triste, finalmente congraciada con una vida que le ha empezado a sonreír tras haberla tenido a los tumbos por años .
¿Pero es cierto que la vida finalmente le sonríe a Tracey?
De sus éxitos, desventuras y de la íntima relación que todo ello mantiene con su obra, habló en una entrevista pública que ofreció en el auditorio del Malba al día siguiente. Colmado de gente que conocía más las anécdotas sobre su persona que su obra misma. Aunque en verdad poco importa la diferencia entre ambas ya que son parte de la misma herramienta con que moldea un proceso creativo, que es inseparable de su propia persona.
Solitaria, furiosa y frustrada, rica, sexy, inteligente y talentosa, un buen sentido del humor. Así empezó por definirse. En el mismo tono confesional que desliza en sus obras y en especial en los videos que integran el conjunto que presenta en Buenos Aires, Emin se fue descubriendo ante el público como un ser vulnerable, necesitado de amor pero lo suficientemente fuerte como para enfrentar los ribetes más problemáticos de sí.
POR QUE NUNCA LLEGUE A SER BAILARINA, 1995.
POR QUE NUNCA LLEGUE A SER BAILARINA, 1995.

Para expresar todo esto Emin se ha valido indistintamente de pinturas, dibujos, objetos, letreros de neón, performances e instalaciones, como “Mi cama”, que trasladó al Premio Turner el desquicio de su intimidad. Pero son los filmes los que le permitieron desplegar la faceta narrativa de enorme potencial afectivo que se muestra ahora en el Malba. Emin empezó a hacer filmes al promediar los 90 y desde entonces ese capítulo de su producción quedó marcado por la singular aptitud de narrar que posee. De todas las cuestiones que revela esta exhibición acaso la más interesante sea su talento para la escritura, que hizo popular a través de sus periódicas columnas en The Independent, junto a un gran manejo de los tiempos narrativos y de los tonos de su propia voz.
Los cinco filmes elegidos por el curador Philip Larratt Smith dan cuenta de esos recursos que la artista pone sabiamente en juego. Reforzados en este caso por un diseño de montaje que compone una suerte de collage de situaciones simultáneas en la penumbra al no separar en espacios cerrados cada proyección. Así se produce una convivencia significativa de imágenes y sonido. De manera tal que el drama íntimo que la artista devela con insospechada franqueza en su doble rol de directora y protagonista, se potencia con el sonido de lo que se proyecta alrededor, que a su vez, forma parte de la misma saga personal. Por momentos una música contagiosa y por momentos un grito desgarrador.
Uno de los más crudos y conmovedores es el que da nombre a la exhibición, How it feels. Originalmente llamado Abortion, How it feels. (Aborto, lo que se siente), Este corto que dura veintidós minutos y fue realizado en 1996, abre con una placa que dice: Esta es la verdadera historia aunque mi interpretación personal de acontecimientos que tuvieron lugar en la primavera de 1990. Lo que le sigue es una larga caminata por la ciudad durante la cual la artista va relatando las circunstancias que se fueron encadenando desde que supo que estaba embarazada cuando jamás imaginó que podía llegar a estarlo, hasta que tomó la decisión de hacerse un aborto con las complicaciones que atravesó antes y después. Vestida como si fuera un muchacho, pelo corto, pantalones, saco y camisa a rayas avanza a paso firme mientras la cámara la sigue.
HOW IT FEELS, 1996.
HOW IT FEELS, 1996.

Desde un punto de vista dramático-religioso, esa caminata podría asimilarse a la tradición del vía crucis que la lleva a detenerse básicamente en un par de estaciones: las escalinatas de la iglesia donde supo que estaba embarazada y el hospital, donde se le practicó el aborto y luego el raspaje en que derivó por haber sido mal hecho.
Emin cuenta todo serenamente, sin golpes bajos, como una simple conversación con una amiga que ocasionalmente cuestiona sus conclusiones pero por sobre todo la ayuda a pensar. Por momentos se detiene y continúa su marcha como si en esa actitud corporal reflejara la decisión de seguir firme, adelante. O también un particular modo de canalizar el enojo consigo misma. Lo interesante de la reflexión que ocupa los veintidós minutos de duración del filme es que no culpa a nadie. Incluso trata de entender los argumentos de los otros, tan diferentes de los de ella.
Como si la mujer sola, que se sentía incapaz de sostener a un hijo no deseado y el médico cristiano que intenta persuadirla de lo contrario desde su cómoda situación económica y su vida feliz, sólo fueran parte de una coincidencia fatal. Hay algo que le permite desdoblarse y presentar las cosas así. Privilegiando la estrategia del narrador en medio de la bronca que impulsa su enérgica caminata. El recorrido es también el doloroso camino hacia sí misma que se animó a remontar recién años después.
La palabra aborto finalmente desapareció del título. La juzgó restrictiva. Así quedó simplemente “Lo que se siente”, que va más allá de este episodio, crucial y por cierto definitivo en su vida. Es una reflexión sobre la frustración, o como ella misma lo expresó: sobre “el sentimiento de fracaso al mirarse a uno mismo en retrospectiva y lo que se siente al ser un artista”. Todo eso se cruza en “How it feels” de un modo seco y perturbador. El calor, la bebida fría y los calmantes que tomó en medio de la fiebre que tuvo tras la intervención mal hecha y la enorme sensación de pérdida.
 “Dejé la pintura, dejé el arte, dejé de creer, dejé la fe… concluye en la última confesión que cierra el filme. “Me di cuenta de que había una idea mejor de la creatividad. Mejor que cualquier otra cosa que yo podía hacer con la cabeza o con las manos. Me di cuenta de que había algo, la esencia, lo más importante, el ser mismo de todo. Y me di cuenta de que si iba a hacer arte no podía ser una pinturita de mierda… Si no podía llenar al mundo con alguien a quien amar para siempre y por siempre, entonces no podía llenar el mundo con pavadas. Eso es arte”, después dijo: “Necesito al arte como necesito a Dios”.
EL AMOR ES UNA COSA EXTRAÑA, 2000.
EL AMOR ES UNA COSA EXTRAÑA, 2000.

En tanto, el relato confesional de “How it feels” se mezcla con el sonido de “Homage to Edvard Munch and All My Dead Children” (Homenaje a Edvard Munch y a todos mis hijos muertos) que se proyecta en el espacio contiguo al de la exhibición. Aquí sólo es la figura desnuda de Emin, acurrucada como un molusco en un muelle frente al mar y un grito desgarrador que no cesa y contamina a “How it feels” con un eco imposible de evitar. Sólo este ingrediente, originalmente no pensado por la artista, agrega al drama impacto adicional. Lo demás es sólo el relato desnudo y su voz.
El otro filme íntimamente relacionado con éste es, “Why I Never Became a Dancer” (Por qué nunca llegué a ser bailarina). Realizado un año antes de “How it feels”, en formato súper 8 como los otros dos, está dominado por la cautivante imagen de ella misma bailando sin parar, al ritmo “You make me feel Mighty Real”, el tema de Sylvester. La danza opera como una suerte de rito de redención a través del cual logra transformar la vergüenza y la humillación en alegría, como ha dicho Sally Munt. El filme abre con el título escrito en un tosco grafiti sobre una pared descascarada y recorre lugares significativos de su infancia y adolescencia en Margate. En ese reducto plebeyo de la costa de Inglaterra donde se crió y descubrió la vida a través del sexo, se enfrentó a la compleja situación de advertirse deseada y al mismo tiempo rechazada. El filme habla de la ilusión de superar el rechazo extendido y redimirse a través de la danza. Pero también del fracaso de esa ilusión que en última instancia la empujó a buscar horizontes fuera de Margate. A ese asunto remite también en “Riding for a Fall”, (Tentando a la suerte), 1998, que toma el título del reggae de la banda de sonido y tiene que ver con la ambición de un regreso con gloria. La vuelta triunfante al sitio de origen.
“Siempre que caí y logré reponerme, pude llegar más alto”, confesó ante una de las tantas preguntas que se le formularon el viernes pasado en el Auditorio del Malba. Su vida en ese sentido se ha parecido bastante a una montaña rusa. De las zonas más oscuras ha logrado empinarse a las más luminosas. Y no siempre está allí el amor, tópico central en su producción a través del cual ha podido canalizar reflexiones de gran hondura sobre el poder y la libertad. “Love is a Strange Thing“ (El amor es una cosa extraña), el más reciente de los videos, de 2000, remite a un sueño y alude a esa condición central en su vida y su obra. “Es una fuerza que puede transformar a Emin, escribió el curador. Estar enamorado es entrar en un grado más alto de conciencia, dependencia y vulnerabilidad extrema”. Un estado de alto riesgo que al menos hasta ahora le funcionó como fuente de su lúcida creatividad.

FICHA
Tracey Emin / How it feels

Lugar: Malba, Av. F. Alcorta 3415.
Fecha: hasta el 25 de febrero de 2013.
Horario: jue a lun y fer, 12 a 20. Miérc, hasta las 21.
Entrada: $ 30. Est, doc y jub $ 15.  Miérc, gral. $15.


Fuente: Revista Ñ Clarín

UN MODELO DE CONSERVACIÓN EN EL VESUBIO

Un emprendimiento público-privado ha tenido éxito en preservar la ciudad que destruyó la erupción del volcán en el año 79 dC. El hijo de uno de los fundadores de Hewlett-Packard ya aportó más de 20 millones de dólares.
Son instantáneas conmovedoras de una muerte repentina: restos agrupados de los que alguna vez fueron depósitos frente a la playa que quedaron inmortalizados cuando el Vesubio destruyó esta antigua ciudad romana en el año 79 dC. "Murieron por shock térmico mientras esperaban una salvación marítima", dijo hace poco el arqueólogo Domenico Camardo.
Los depósitos, que se excavaron por primera vez hace unos treinta años, incorporaron ahora sendas que brindan acceso y que pronto se abrirán al público en ocasiones especiales. Revivir la historia para un público moderno "es una de las mejores cosas que podemos hacer", afirmó Camardo, el principal arqueólogo del Proyecto de Conservación de Herculano, una iniciativa conjunta del Packard Humanities Institute, de Los Altos, California; la autoridad de patrimonio artístico local; y la British School en Roma.
El proyecto, un emprendimiento público-privado, administra el lugar desde hace más de una década. En comparación con su vecina vesubiana más conocida, Pompeya, donde los funcionarios locales –limitados por la inadecuación y la mala administración de los fondos gubernamentales– experimentan problemas para conservar y proteger el sitio al aire libre, Herculano se ha convertido en un caso de manual de conservación arqueológica exitosa.
Durante muchos años, arqueólogos y conservadores han realizado aquí lo que califican de "trabajo invisible", como la instalación de techados protectores efectivos en términos de costos o la reactivación de los desagües romanos para que las construcciones puedan volver a desagotar el agua de lluvia. En lugar de concentrarse en una serie de frescos, dicen, "razonamos en términos más amplios", señaló Camardo.

TRABAJO INVISIBLE. En Herculano, se centra en elementos estructurales, como este túnel bajo la ciudad.
TRABAJO INVISIBLE. En Herculano, se centra en elementos estructurales, como este túnel bajo la ciudad.

Los trabajos contaron también con la generosidad del filántropo estadounidense David W. Packard, hijo de uno de los fundadores de Hewlett-Packard, que ha aportado más de 20 millones de dólares al proyecto en los últimos doce años, lo que permitió crear un equipo de especialistas, casi todos italianos, para reforzar el personal local.
María Paola Guidobaldi, la funcionaria del Ministerio de Cultura que dirige el sitio, dijo que el apoyo del Packard Humanities Institute "nos permitió salvar el sitio". El gobierno italiano asigna a Herculano unos 4 millones de dólares por año, señaló, pero los fondos de Packard han permitido a los conservadores trabajar de manera más estructurada.
El desmoronamiento de paredes y otros problemas que experimenta Pompeya hacen que sus problemas de conservación no resulten muy halagadores. En 2011, la Unión Europea asignó 135 millones de dólares en un período de cuatro años destinados a la protección de Pompeya, pero los especialistas dicen que los problemas exceden la falta de fondos y comprenden cuestiones de administración e inercia burocrática.
La Unesco analiza cómo Herculano podría ser un modelo para otros sitios considerados Patrimonio de la Humanidad, sobre todo en los países árabes y del Mediterráneo.  Para los visitantes, la experiencia que permite la conservación de Herculano puede resultar visceral.
"Pompeya es espectacular. Herculano es más real", declaró la inglesa Judy Lawrence, que visitó ambos lugares este verano. "Este lugar conmueve hasta las lágrimas".

Fuente: Revista Ñ Clarín

EL MUSEO DE ARTE DECORATIVO
LUCE DESDE HOY UNA RENOVADA FACHADA

La obra, que demandó seis meses de tareas, puso en valor el frente de la emblemática residencia de Avenida del Libertador al 1900, construida entre 1911 y 1917


LANZAN UN PLAN PARA RENOVAR EL TEATRO SAN MARTÍN SIN CERRARLO


Mejorarán las tres salas principales y construirán nuevos espacios de ensayo para el Ballet Contemporáneo.

La Ciudad anunció ayer el plan de obras para remodelar y refuncionalizar el Teatro General San Martín.
Durante todo 2013, sin cerrarlo , el Gobierno porteño implementará una renovación total de uno de los edificios más impactantes de Buenos Aires, obra del célebre arquitecto Mario Roberto Alvarez.
“En el San Martín se renovó por completo la escena teatral y es de una importancia decisiva.
Las obras se realizarán con el teatro abierto y funcionando, y sin dudas es el desafío logístico más importante”, destacó Hernán Lombardi, ministro de Cultura porteño. “Para 2014 el teatro estará a nuevo”, prometió ayer Daniel Chain, titular de Desarrollo Urbano.
Sin fecha precisa, el arranque de las obras sería en los primeros meses de 2013.
Aunque no se informó cuánto costarán , parte de los trabajos deberían financiarse con el dinero obtenido de la subasta de 17 inmuebles de la Ciudad, cuya venta fue aprobada por la Legislatura en agosto con el fin de obtener recursos para ésta y otras obras en edificios ligados a Cultura.
Como pauta general de lo que será la restauración del teatro, que junto con el Centro Cultural funciona desde 1960, se aplicarán criterios de la arquitectura sustentable. En uno de los cuerpos del edificio se construirá una cubierta verde para colaborar con la mitigación del efecto “isla de calor” que se genera en las ciudades por la gran concentración de hormigón.
Otro de los puntos importantes del proyecto es la construcción de una nuevo volumen para albergar dos nuevas salas de ensayo para el Ballet Contemporáneo.
Y se adecuarán otros espacios existentes relacionados con el cuerpo de bailarines: camarines, sanitarios y oficinas de Dirección y Administración. Según confirmó ayer la Ciudad, estas obras aún se encuentra en proceso de licitación.
Finalmente todo el teatro será renovado a nivel tecnológico.
Las salas Martín Coronado, Casacuberta y Lugones se adecuarán a las normativas de seguridad vigentes, con la modernización de las instalaciones electromecánicas, eléctricas, termomecánicas, contra incendios, la iluminación, y se cambiarán también los revestimientos y las butacas. También se mejorará la fotogalería en el hall central y se actualizarán los sanitarios.
En la conferencia de prensa de ayer estuvieron presentes, además de Lombardi y Chain, el director del Complejo Teatral Buenos Aires, Alberto Ligaluppi, y Eva Soldati, presidenta de la Fundación Amigos del Teatro San Martín, entre otros. Junto con las obras, se presentó la temporada 2013 de todos los teatros gestionados por la Ciudad: además del San Martín, el Regio, Alvear, Sarmiento y De La Ribera (Ver Pág. 67 ).
En 2011 el teatro ya había recuperado el brillo de su fachada sobre la avenida Corrientes, que fue totalmente restaurada. Los trabajos respetaron los trazos que diseñó Alvarez.

Fuente: clarin.com