HALLAN VESTIGIOS DE UN CEMENTERIO INCAEN EL SANTUARIO MACHU PICCHU

Unos arqueólogos peruanos encontraron restos óseos de tres personas de la época incaica en una zona cercana a Machu Picchu, al sureste de Perú, que al parecer forma parte de un cementerio inca, informó el responsable de esa ciudadela de piedra.

Por Alejandra Brun

Unos arqueólogos peruanos encontraron restos óseos de tres personas de la época incaica en una zona cercana a Machu Picchu, al sureste de Perú, que al parecer forma parte de un cementerio inca, informó el responsable de esa ciudadela de piedra.

"Los restos, en buen estado de conservación, se hallaron en dos cuevas mortuorias en una zona conocida como Salapunku, que es la parte de ingreso a la ciudadela incaica", dijo a la AFP Fernando Astete, arqueólogo responsable del santuario de Machu Picchu.

"Se trata de un cementerio construido en una zona rocosa, donde las osamentas estaban cubiertas de textiles de la época incaica junto a vasijas de cerámica", añadió el experto. Los textiles que cubrían los restos estaban confeccionados con fibras vegetales y de camélidos sudamericanos, añadió.

Astete señaló que seguramente se trate de un cementerio de campesinos que vivían en las inmediaciones del complejo de Machu Picchu y que no estaba destinado para los nobles que vivían en la ciudadela, descartando que se trate de sacrifios humanos. "Lo importante de este hallazgo es que ayudará a determinar el modo de vida de la gente de campo, la dieta que utilizaban e incluso algunas enfermedades que pudieran haber predominado en esa época", refirió.

En la misma zona de Salapunku, el equipo de arqueólogos encargado de las excavaciones encontró en marzo pasado siete sepulturas.

La arqueóloga Daisy Baca, integrante de ese equipo, sostuvo que el entierro data probablemente de hace 600 a 700 años y que el envoltorio que protegía los cuerpos permitió su conservación.

Machu Picchu, la mayor joya turística de Perú, ubicada en lo alto de una montaña en la ceja de selva de Cusco, fue dada a conocer a la comunidad internacional por el explorador estadounidense Hiram Bingham en julio de 1911. La edificación incaica ya había sido descubierta por el hacendado peruano Agustín Lizárraga nueve años antes, en julio de 1902, según los historiadores.

Fuente: AFP

BASTÓN Y SOMBRERO DE CHARLIE CHAPLINVENDIDOS POR US$ 60.000

Foto de archivo de Charles Chaplin, 1889 - 1977. El bastón y el sombrero bombín que han caracterizado al famoso actor y humorista desde hace un siglo fueron vendidos por 62.500 dólares en una subasta en Los Ángeles el 18 de noviembre de 2012.

El bastón y el sombrero bombín que han caracterizado al famoso actor y humorista Charles Chaplin desde hace un siglo fueron vendidos por 62.500 dólares en una subasta este domingo en Los Ángeles, informó una portavoz.

La firma internacional de subastas Bonham vendió los artículos de colección a un comprador cuya identidad no reveló durante un remate de su casa en Hollywood.

"Tras 98 años, el sombrero bombín de Charlie Chaplin y su bastón se vendieron por 62.500 dólares", señaló la firma, que preveía subastarlos por entre 40.000 y 60.000 dólares.

Hace casi un siglo, el creador de clásicos del cine mudo como "Tiempos Modernos" y el "Gran Dictador" decidió usar el sombrero, que intencionalmente le quedaba muy chico, del suegro de su colega Fatty Arbuckle.

Chaplin (1889-1977) completó improvisadamente el resto de su atuendo en un estudio en Hollywood: tomó prestados los enormes pantalones de Arbuckle, una chaqueta que le quedaba pequeña de Charles Avery, un par de zapatos talla 14 que intencionalmente usaba al revés y un bigote diseñado para otro actor.

Otros artículos vendidos el domingo fueron un autorretrato erótico de John Lennon con su esposa Yoko Ono (USD 25.000), un archivo de fotografías originales de Marilyn Monroe (USD 21.250) y tres pinturas de Frank Sinatra, la más cara de las cuales se vendió por 10.625 dólares.

Fuente: AFP

RELOJES BLANDOS, VIOLENCIA CANÍBAL Y UNA PUESTA 'DALINIANA'

La mayor exposición dedicada al surrealista español Salvador Dalí en 30 años abre sus puertas el miércoles en el Centro Pompidou de París, con la pretensión de revelar las mil y una facetas de una de las figuras más fascinantes y polémicas del arte del siglo XX.

Por Francois Guillot

Dalí y sus grandes bigotes enroscados en una especie de huevo, que simboliza la vida intrauterina, en la entrada; los relojes blandos de 'La persistencia de la memoria' y otros grandes lienzos en los lados, y más lejos, la famosa instalación 'Mae West': la exposición en el parisino Centro Pompidou declina todo el universo 'daliniano'.

El arquitecto, diseñador y pintor español Óscar Tusquets, amigo del artista catalán y miembro de la Fundació Gala-Salvador Dalí -uno de los tres depositarios del legado Dalí- ha diseñado una puesta en escena laberíntica, pero que permite que resalte el contenido excepcional de la muestra, que estará abierta hasta el 23 de marzo.

La retrospectiva, que viajará luego al museo madrileño Reina Sofía, del 23 de abril al 2 de septiembre, cuenta con las piezas esenciales para tratar de entender la visión del mundo de Dalí, maestro de lo que llamó el "placer aristocrático de desagradar".

'Metamorfosis de Narciso' (1937), de la Tate Modern de Londres, y 'El gran masturbador', de 1929, que se conserva en el Reina Sofía, han hecho el viaje al Pompidou, que le dedicó hace 33 años una retrospectiva a Dalí que fue vista por 840.000 personas en los cuatro meses que permaneció abierta, un récord que no ha sido superado. (Y que no lo será, por las restricciones de afluencia que existen ahora.)

No podía faltar "la violencia caníbal" reflejada, en palabras de la comisaria Montse Auger, en el lienzo de 1936 'Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la guerra civil)'. Ese cuadro excepcional, que anticipa toda la crueldad de la inminente Guerra Civil, ha sido prestado excepcionalmente por el Museo de Arte de Filadelfia.

El director del Museo de Arte Moderno del Centro Pompidou, Alfred Pacquement, y uno de los comisarios, Thierry Dufrêne, subrayaron en la presentación a la prensa que la escenografía de esta ambiciosa exposición, titulada solamente 'Dalí', se inspira en un deseo del propio artista.

En 1979, para la exposición que le dedicó el Pompidou, que reunió 168 pinturas, 219 dibujos, 38 documentos y unos 2.000 documentos, Dalí había pedido que se construyuera un "ambiente daliniano", recordó Dufrêne.

El artista, nacido en Figueras en 1904, anhelaba, dijo el comisario del Centro Pompidou, que el público pudiera "abrazar" toda la exhibición al entrar, de una sola mirada.

Ahora, Tusquets (Barcelona, 1941) ha intentado acatar ese deseo, diseñando un espacio dividido en siete secciones temáticas y cronológicas. A los lados, cuelgan las obras de mayores dimensiones. En el centro, se presentan sus obras relacionadas con el teatro, el espectáculo y las técnicas audiovisuales.

Dalí participó en dos películas con Luis Buñuel, 'El perro andaluz' (1929) y 'La edad de oro' (1931), extractos de las cuales figuran en la muestra del Pompidou, así como otras películas en las que colaboró.

A la salida de la exposición, Tusquets ha creado una sala que aspira a ilustrar el cérebro de ese personaje fascinante, controvertido y manipulador que fue Dalí, quien dijo una vez: "A los siete años, quería ser Napoléon. Pero mi ambición ha crecido desde entonces".

Fuente: AFP

OFRECEN RECOMPENSAPOR PETROGLIFOS ROBADOS EN CALIFORNIA

Un grupo de vándalos robó al menos cuatro grandes piedras antiguas con grabados, al parecer utilizando sierras especiales para cortar cemento, con el fin de extraerlas de un valioso lugar arqueológico en California, afirmaron expertos:

Por Michael Thurston

Arqueólogos ofrecieron una recompensa de 1.000 dólares el martes por cualquier información que conduzca al arresto de los vándalos que robaron cuatro petroglifos en el desierto de California.

La Oficina estadounidense de control de tierras (Bureau of Land Management, BLM) calificó las rocas, al parecer robadas utilizando sierras especiales para cortar cemento, una "parte irreemplazable de nuestra herencia cultural nacional".

"El sitio dañado es un prístino ejemplo del arte de la Gran Cuenca y de las actividades de caza, religiosas y domésticas", dijo Greg Haverstock, un arqueólogo de la BLM en Bishop, al este de California.

Los petroglifos, grabados por antiguos cazadores hace 3.500 años, han sobrevivido a vientos, inundaciones y terremotos durante todo ese tiempo, pero fueron extraídos de la pared en cuestión de horas.

Un quinto bloque de piedra sufrió cortes profundos mientras que un sexto fue extraído, pero se rompió y quedó abandonado cerca de un estacionamiento en el desierto de Eastern Sierra. Decenas de otras piedras grabadas fueron dañadas con golpes de martillos.

La BLM informó que está "ofreciendo una recompensa de 1.000 dólares por información que conduzca al arresto o sentencia de los individuos responsables".

"Las personas que hicieron esto no eran cirujanos, sino que rompieron y se llevaron" las piezas, explicó Haverstock al diario local Los Angeles Times.

"Éste es el peor acto de vandalismo nunca visto" en los 750.000 acres de terreno público administrado por su oficina en Bishop, afirmó.

Las piezas robadas se encontraban a cuatro metros y medio de altura y se requirieron escaleras y generadores eléctricos para el uso de las sierras.

Las esculturas mostraban círculos, serpientes, ciervos, así como cazadores con arcos y flechas.

Las piezas fueron extraídas de un lugar conocido como "Volcanic Tablelands", 600 kilómetros al este de San Francisco, y uno de los terrenos considerados sagrados por la tribu india estadounidense Paiute-Shoshone.

"Fue la llamada más difícil que he tenido que hacer", afirmó Bernardette Lovato, la autoridad del BLM que informó a los líderes de la tribu del robo descubierto por visitantes el pasado 31 de octubre.

"Su cultura y creencias espirituales han sido horriblemente violadas. Haremos todo lo posible para devolver las piezas", añadió.

El arqueólogo David Whitley, que colaboró para que el lugar se convirtiera en un sitio histórico en el registro nacional, afirmó que el robo expone la vulnerabilidad de estos tesoros y la dificultad de gestionarlos.

"¿Los mantenemos en secreto con la esperanza de que no los vandalicen? ¿O los abrimos al público?", se preguntó.

Fuente: AFP

LO OTRO, EL VUELO DE LAS MOSCAS

Una exposición de Silvia Rivas muestra cómo un solo tema, lo incontrolable, puede tener significados casi opuestos en dos soportes diferentes.

DINÁMICAS. De la serie Zumbido, 2012. Video monocanal multidisplay.

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

Zzzzzzzz zzz: Zumbido. Con la obra de Silvia Rivas, las moscas invadieron la Fundación Alon. Delicadas pero insistentes, pequeñas manchas oscuras que aparecen por todos lados. Pegajosas, irritantes, molestas, siguen y persiguen las manos filmadas que se mueven en los videos, dibujos e impresiones digitales que la artista realizó.

¿Qué son las moscas?

“Son una metáfora del afuera de uno –responde Rivas–, son todo aquello con lo que uno interactúa, sobre lo que uno no tiene control. Y aunque reaccionamos sobre eso y siempre hay una respuesta, nunca es permanente.” En el video monocanal (un solo video) multidisplay (proyectado en más de una pantalla) “Dinámicas”, las moscas forman una nube, persiguiendo las manos que quieren sacárselas de encima. El fondo del video es blanco, impecable. Prácticamente todas las obras que Rivas presenta aquí tienen un fondo blanco virgen, perdido, una gran zona desconocida. Es curioso, esto me hace pensar que en los años 80 esas “zonas desconocidas” que los artistas dejaban en los videos y en las pinturas eran todo lo contrario, rotundamente negras. En “Dinámicas” es central el ritmo. Y lo hipnótico, el sonido. Ese zzzzzz zzzzzzzzz que inmediatamente remite a la siesta, a los pinos, las frutas, al verano… A todo eso que cautiva y adormece, pero sólo porque le ocurre a otro, porque las moscas están filmadas. Porque la pantalla obliga a la distancia.

El video comienza con uno de estos insectos y sigue con muchos. La masa crece, y va y viene. Se junta y separa de forma rápida, armando áreas de valores, áreas de puntos, en las que cada mosca pasa a ser casi un elemento gráfico, una excusa para que Rivas componga en tiempo y espacio, a través de diferentes planos, dentro de la bidimensión de la pantalla, de manera similar a cómo después compone en el papel con los dibujos y con la línea. Es decir, todos son trabajos monocromáticos –blanco y negro–, tendientes a la abstracción de sus elementos, y de sutilezas tonales.

RECORRIDO-ACELERACIÓN 1. 2012, de la serie Zumbido, grafito sobre papel Schoeller, 109,5 x 32,5 cm.

Lo que se ve en “Dinámicas” son dos manos –las de la hija de la artista– en todo el campo de dos pantallas de plasma, que intentan sacarse las moscas de encima. Aunque a veces pareciera que las dirigen, como a una orquesta. Lento, moderatto, prestissimo: las moscas se mueven al compás de la carne, de los gestos, del aire entre los dedos. Se escabullen y vuelven.

Los dibujos muestran otra cosa: los vuelos de las moscas, sus destinos. En algunos dibujos Rivas hizo una sola mosca. Por cada papel, un vuelo. Como si fueran el comienzo de una vida, que se enrula, se complica, se alarga, se desliza, se relaja, se vuelve a complicar y termina. Eso es lo bueno del dibujo y de la línea, en especial, en estos formatos de papel que la artista eligió, alargadísimos, de más de un metro de largo por unos treinta centímetros de alto. Es decir, un tipo de formato que ayuda a la expansión de la línea y a una narración del vuelo de una o más moscas (es la liberación del gesto, en estos dibujos, muchas veces de forma rabiosa).

Los nudos y rulos de estos trabajos de Rivas fueron hechos, además, sobre un papel Schoeller, compacto, poco rugoso, que opone resistencia al grafito, al trazo, pero que no los frena: un papel de cuerpo, aunque sin mucho soporte.

Imaginar el vuelo de una mosca es, sin dudas, una excusa perfecta para que una artista-dibujante pueda disfrutar a sus anchas de todas las posibilidades que una línea continua puede otorgar. Imaginemos: si se quiere –tal como lo quiso la artista aquí–, se podría hacer la revolución de la línea recta, con la excusa de la mosca y su vuelo. De repente, la línea puede hacer todas las vueltas que quiera. Para una dibujante –como lo es, de base, esta artista, que durante los últimos años se dedicó casi de lleno al video pero que comenzó dibujando–, dibujar los vuelos de las moscas es dar rienda suelta a muchas sensaciones internas, a muchos impulsos, que prescinden de la figuración y que hablan por sí solos, a través del trazo, de su intensidad.

Nubes, nubes de moscas invaden la Fundación Alon. Arman núcleos oscuros sobre las paredes, en los papeles, en los videos. Vuelan despiadadamente. Mantienen rutas. No prioridades.

FICHA
Silvia Rivas
Zumbido (Odisea invisible)

Lugar: Fundación Alon (Viamonte 1465, piso 10).
Fecha: hasta el 30 de noviembre.
Horario: lunes a viernes, 14 a 19.
Entrada: gratis.

Fuente: Revista Ñ Clarín

EL BAROLO, UN ÍCONO PORTEÑO CON HISTORIA DE PELÍCULA

Fue inaugurado en 1923 y está inspirado en la “Divina Comedia”.

1934. El Barolo es testigo del paso del Graf Zeppelin por Buenos Aires.

Mañana se estrena “El Rascacielos Latino”, una película basada en la historia del Palacio Barolo, un ícono porteño que además de ofrecer vistas privilegiadas de la Casa Rosada y el Congreso, es objeto de mitos y leyendas, sobre todo por su estrecha relación con la Divina Comedia, de Dante Alighieri.
En Avenida De Mayo 1370 (e Hipólito Yrigoyen), fue construido a pedido del empresario italiano Luis Barolo y el autor fue Mario Palanti (también hizo el palacio Salvo, en Montevideo), ambos fanáticos de la obra de Alighieri.
El documental, dirigido por Sebastián Schindel, intenta descifrar los misterios alrededor del palacio. Basta con echar un vistazo a su infraestructura para descubrir que existen coincidencias con la Divina Comedia. El Barolo está dividido en tres partes: Infierno, Purgatorio y Paraíso, tal como en la obra de Dante. También tiene nueve bóvedas de acceso que representan los nueve pasos de iniciación y las nueve jerarquías infernales. En lo más alto, el faro que ilumina a la Ciudad de Buenos Aires representa los nueve coros angelicales. Además, tiene cien metros de alto, la misma cantidad de cantos de la obra de Dante y cuenta con veintidós pisos, como las estrofas en los versos de la Divina Comedia.
“Toda la vida conocí las leyendas alrededor del Barolo. Siempre me fascinó la arquitectura, más que nada como un aficionado de esos a los que les gusta caminar mirando para arriba. Antes de dedicarme al cine estudié filosofía y el Barolo, aparte de estar relacionado con la Divina Comedia, es uno de los edificios más impactantes del centro de la Ciudad”, aseguró Schindel.
Con la participación de reconocidos arquitectos, historiadores y descendientes de los primeros habitantes del Barolo, Schindel intenta develar, entre otras cosas, el por qué del robo de una valiosa escultura, y se permite cuestionar si los restos mortales de Dante Alighieri descansan ocultos en algún rincón del misterioso palacio. Es que esa, según la leyenda, era la intención de Barolo.
“La idea de la película surgió medio en broma, medio en serio, mientras hacía la investigación que duró dos años. Me ayudaron dos profesionales y gran parte del mérito de todo lo que encontramos se lo debo a ellos”, contó el cineasta, y agregó que todo el trabajo se basó en hacer conocer un poco más la cultura de las calles porteñas. “Muchas veces caminamos por la vereda y no estamos ni enterados que pasamos por un edificio repleto de historia”, disparó Schindel.
Las proyecciones comienzan hoy en el Centro Cultural San Martín, a pocas cuadras del Barolo, hoy ocupado por oficinas. Quizá, hasta coinciden los horarios para ver el filme y luego recorrerlo.

Lucas Vigiani

Fuente: clarin.com

EL "PENACHO DE MOCTEZUMA" DESATA PASIONES EN AUSTRIA Y EN MÉXICO

Cargado de mitos y leyendas, el 'Penacho de Moctezuma', un tocado de plumas de quetzal que pudo haber sido usado por el emperador azteca Moctezuma II, continúa desatando pasiones tanto en Austria, donde esta semana volvió a ser expuesto en Viena tras una larga restauración, como en México.

Por Sim Sim Wissgott

Cargado de mitos y leyendas, el 'Penacho de Moctezuma', un tocado de plumas de quetzal que pudo haber sido usado por el emperador azteca Moctezuma II, continúa desatando pasiones tanto en Austria, donde esta semana volvió a ser expuesto en Viena tras una larga restauración, como en México.

Algunos afirman que el penacho imperial fue traído a Europa por el conquistador español Hernán Cortés a principios del siglo XVI, mientras que otros estiman que pertenecía a un importante sacerdote azteca.

México, que desea recuperar el objeto, y Viena, que estima que es muy frágil para transportarlo, se disputan desde hace años el penacho.

"No cuestionamos la propiedad o la posesión. Pero si fuimos capaces de trabajar juntos para restaurar o estudiar el penacho, deberíamos poder hallar una solución para enviarlo a México", explicó a la AFP Alfonso de María y Campos, director del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) de México en una presentación en Viena de la exposición.

Para los expertos, el penacho es uno de los pocos ejemplares del arte de la pluma de las civilizaciones precolombinas. Se lo menciona por primera vez en una colección del archiduque Fernando II de Tirol en 1596.

A pesar de su antigüedad (más de 500 años), el penacho conservó sus colores: verde, azul, rojo y marrón.

Unas 450 plumas verdes de quetzal fueron necesarias para constituir el objeto, de un metro y medio. Fue embellecido con piedras preciosas doradas y pequeñas plumas azul turquesa, rojas y pardas.

El objeto podría dañarse fácilmente si se lo expone a vibraciones como las que podría sufrir en un viaje, según un estudio de la Universidad Técnica de Viena, "elemento esencial" de un expediente para el ministerio austríaco de Relaciones Exteriores.

"Todo depende del hecho de saber si puede ser transportado. Si la respuesta es no, no hay una segunda o tercera pregunta que hacer", como si Austria estaría dispuesta a devolver el objeto a México, precisó a la AFP el portavoz del ministerio, Martin Weiss.

"México debería poder compartir la obra, si hallamos la mejor manera de enviarla a México totalmente protegida de cualquier daño", explicó Alfonso de María y Campos.

¿Mito o realidad ?

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Para los partidarios del préstamo del penacho, el estudio de la Universidad de Viena se basa en un viaje por avión y deja la puerta abierta a otros medios; la técnica podría progresar en el futuro.

El expresidente de México, Vicente Fox, pidió la devolución del penacho a su homólogo austriaco, Heinz Fischer, en su última visita a México en 2005 y los indígenas mexicanos hacen habitualmente esta petición de la que consideran como "la corona sagrada de Moctezuma".

México, sin embargo, nunca ha llegado a pedir una restitución permanente y el director del INHA ha privilegiado hasta ahora la vía de un "préstamo durante largo tiempo".

A su juicio, el penacho "pertenece a Moctezuma, no cabe duda". Es también "muy probable" que fuera traído a Europa por Hernán Cortés.

Otros expertos son menos categóricos: "Se trata de un mito, de una fábula", estima así Gerard van Bussel, conservador del Museo de Etnología de Viena (Museum für Völkerkunde).

Durante los dos últimos años, un amplio equipo de historiadores, arqueólogos y ornitólogos de Austria y México han estudiado el penacho y lo han restaurado para que recobre su belleza original.

Está ahora expuesto junto a obras de arte excepcionales de civilizaciones precolombinas, incluido un escudo o un inmenso abanico.

El penacho está colocado en un mostrador de presentación especialmente concebido para resistir a las vibraciones de los pasos de los visitantes y es la principal curiosidad de la exposición.

"Es como mirar a la 'Mona Lisa': desprende tal potencia que deja en la sombra a otros objetos", se entusiasma Alfonso de María y Campos.

- 'Penaco Pracht und Passion' ('Penacho, esplendor y pasión'), exposición permanente, ww.ethno-museum.ac.at/

Fuente: AFP

UN PALACIO Y UNA ESTAFA DE LEYENDA

Cómo la venta de un auto y una apuesta burrera cambiaron la historia del Palacio Alcorta.

De época. Se lo conocía como Edificio Chrysler porque allí funcionaba la concesionaria. Toda la terraza era una pista para probar autos a alta velocidad.

Por Eduardo Parise

En Buenos Aires, cuando se habla de palacios, la asociación inmediata pasa por recordar los que enmarcan a la avenida Alvear, o los que están junto a la plaza San Martín. También, algunos de la zona de Palermo Chico. Sin embargo, en este último sector, hay uno de esos edificios majestuosos al que no se suele contabilizar: es el que ahora se conoce como Palacio Alcorta, una construcción que en 1994 se transformó en la sede de costosos lofts. Pero no siempre fue así.

Proyectado en 1927 e inaugurado el 1 de diciembre de 1928, aquel palacio tuvo como destino original ser la sede de una concesionaria de autos que, como representante autorizado de una empresa estadounidense, armaba y comercializaba la marca Chrysler en la Argentina. Se llamaba Resta Hermanos y su edificio símbolo era ese que, a la altura del 3300 de la avenida Figueroa Alcorta, ocupaba y aún ocupa toda una manzana.

Se lo conocía como Edificio Chrysler, aunque aquella empresa nunca fue su dueña. En la planta baja, sobre la avenida, estaban el salón de venta y las oficinas y detrás, el área de montaje y fabricación de repuestos. En el primer piso, se ubicaban los talleres de retoque, terminación y depósito de vehículos. Pero la mayor curiosidad estaba en la gran terraza: una pista circular, de más de 1.700 metros de extensión y curvas peraltadas, que se usaba para probar los autos a alta velocidad. Inclusive, alguna vez se la usó para hacer carreras de motos, ya que tenía tribunas con capacidad para hasta 3.000 espectadores.

Dicen que aquella empresa dueña del lugar tuvo un duro final, a raíz de una jugada que hábiles estafadores le realizaron en 1931. Cuentan que todo empezó cuando en la tardecita de un viernes, un hombre llegó, compró un 0 kilómetro que pagó con un cheque y se fue con el auto. A la mañana siguiente, sábado, un hombre pidió un servicio de auxilio y, cuando lo asistieron, vieron que era el auto comprado el día anterior, pero con otro dueño. Lo había adquirido en efectivo, casi por la mitad de su valor.

Lo primero que se pensó era que el cheque aquel no tenía fondos y había que detener al presunto estafador. Lo encontraron a bordo del Vapor de la Carrera, el barco que, viajando toda la noche, hacía el cruce hacia Montevideo. El hombre alegó que había “reventado” el auto porque necesitaba juntar dinero que apostaría al día siguiente en el hipódromo de Maroñas a un caballo de gran sport. Como no le creían, hizo labrar un acta con el capitán del barco diciendo a qué caballo y qué cantidad importante iba a apostar. Después, lo bajaron del barco y lo detuvieron.

La leyenda dice que el domingo el caballo no sólo ganó, sino que pagó una fortuna. Y que el lunes, cuando fueron a la ventanilla a cobrar el cheque emitido el viernes, el cajero también pagó el importe sin problemas. Dicen que la concesionaria tuvo que afrontar peso sobre peso lo que hubiera ganado aquel apostador. Y que por eso la empresa fue absorbida por otra llamada Fevre y Basset, que se hizo cargo del edificio. Después, el palacio pasó a manos del Comando de Arsenales del Ejército y fue sede del Registro Nacional de Armas. Hasta que en 1994 lo reciclaron y se convirtió en sede de esos lujosos departamentos actuales.

El majestuoso Palacio Alcorta es obra de Mario Palanti, un famoso arquitecto milanés que vivió entre 1885 y 1979. Había llegado a la Argentina en 1909 y su talento está presente en muchos de los edificios que diseñó. Obviamente, el más famoso es uno que fue y es un símbolo de la Ciudad: el Palacio Barolo, de la gran Avenida de Mayo. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

UN HOMENAJE MUTUOENTRE EL ARTISTA GUILLERMO ROUX Y EL BARRIO DE FLORES

Como vecino, ahora contó desde el arte la historia de esas calles. El dice que allí está la esencia de su pintura.

En la estación. Por ley, debía tener una estética vinculada al desarrollo de la vida en el barrio. Por eso convocaron a Roux./ROBERTO PERA

Por Einat Rozenwasser

Es un homenaje recíproco: del barrio al vecino histórico, del vecino a su historia. La reproducción de 21 pinturas de Guillermo Roux en la estación San José de Flores de la línea A del subte (todavía sin inaugurar), sella un vínculo que se nutre de aromas, colores, olores y sabores de las calles en las que creció. “En Flores está la esencia de mi pintura: comencé pintando con emoción aquel mundo ya desaparecido”, resume el reconocido artista plástico, de 83 años. Es la introducción al viaje en el que recorrerá postales y sensaciones de ese “remanso florido, sereno y silencioso”, que está “allí” cada vez que lo necesita (ver Flores...) La Ley 2.841 establece que la estación debe considerar “una estética cultural y un desarrollo temático vinculado con la vida del barrio de Flores”. Por eso eligieron a Roux, famoso por sus murales en las Galerías Pacífico, el Hyatt y en la torre que César Pelli diseñó para el ex BankBoston, en Catalinas Norte. Las reproducciones, cuyos derechos cedió gratuitamente, ya están colgadas debajo de la Plaza Flores, en Rivadavia y Artigas. Se exponen tres gigantografías: La Orquesta de Blum, El ángel de Flores y La constitución guía al pueblo. Y otras 18 obras, entre ellas las acuarelas premiadas en la Bienal de Sao Paulo en 1975 y murales como el de la Constitución, que terminó el año pasado para la Legislatura de Santa Fe. “No quiero olvidar al querido Profesor Sciarillo, puro entusiasmo y alma del proyecto”, destaca Roux.

“Cuando tuvieron la deferencia de elegir mis trabajos sentí una profunda alegría, porque estaba representando lo que para mí fue y es Flores, aún con sus cambios”, reflexiona el artista. Y agrega: “Los que eligieron mis pinturas quizás sintieron esto mismo que no estaba dicho. Estamos unidos en la pertenencia a un sentir profundo y todos queremos que el sentimiento no pase. Porque nuestro lugar, nuestro perfumado Flores, nos pidió secretamente el testimonio. ¡Doy las gracias que en mi vejez me hayan permitido hacerlo!”.

Aunque la estación está lista desde hace años, el servicio sigue sin llegar hasta ahí porque faltan vagones, una situación que se complicó con el demorado traspaso de la red a la Ciudad. Sin sumar vagones es imposible mantener la frecuencia, y todavía no hay fecha prevista para la inauguración.

Flores, según el relato de Roux

Nací en Flores en una época de quintas y jardines. Era parte lejana de la Ciudad, un barrio de los alrededores. Casas bien construidas, adornadas, grandes ventanales, rejas bien talladas y también casitas bajas, blancas, chatas y de tanto en tanto, una torre o un molino. No era Buenos Aires, era un remanso florido, sereno y silencioso, perfumado de jazmines del país y de enamorados en los zaguanes. En verano los vecinos tomaban cerveza en la vereda, sentados en sillas de paja, los hombres en pijama y las mujeres con vestidos abotonados adelante. Esa clase media de persianas entrecerradas, patios sombreados por el toldo, mesas largas con abuelos en la cabecera.
Avellaneda era tan arbolada como ahora sólo que por allí corría el tranvía 99 a Plaza Lavalle. Por Artigas, un pequeño ómnibus azul y ruidoso venía desde Gaona. En las esquinas, de tanto en tanto, un guardia sonaba un pito al que respondía otro más lejano. Un farol con bombita a mitad de cuadra, otro en cada esquina, con pantallitas de hierro que se sacudían con el viento. Sobre el empedrado o el moderno asfalto de Aranguren (antes San Eduardo), el círculo de luz en donde los chicos jugábamos. De tanto en tanto, apoyada en un trípode, la enorme bandeja con fainá que se vendía al corte. Algún vecino compraba la leche recién ordeñada de las vacas que paraban en la puerta. El tarro llegó después.
La casa de mis padres está aún a mitad de Aranguren entre Fray Cayetano y Artigas, blanca y chiquita. Zócalo de mármol, zaguán, cortinas al crochet. El arbolito recién plantado ahora es un árbol. Ahí viví hasta más o menos los 22 años, en que tomé el vapor Salta y me fui a Europa. Toda mi historia infantil en Flores gira alrededor de la bicicleta. Era mi pasión. Tenía un farolito a dínamo lleno de firuletes que en mi primera caída se rompió. Siempre extrañé ese farolito roto. Los chicos no teníamos mucha oportunidad de ir más lejos de la cuadra. Raramente a la Plaza, con compañía, allí, en la esquina: “La Perla de Flores”, sobre Rivadavia, a comprar cubanitos de dulce de leche.
Hice los primeros grados en la Nº 12. Recuerdo a Benito el portero, el pancito dorado a la salida, el cuadriculado del piso, la profesora de 2º grado. El maestro Alamprese que me cambió la letra y me dio las primeras lecciones de hombría. Y Sívori, que pintaba con lápices de color los árboles de Buenos Aires. Si el estudio iba bien podíamos ir al cine. El Rex, para todo el mundo; el Pueyrredón, más caro; y el San Martín, carísimo, casi no se podía ir. Allí vi Casablanca y no dormí varias noches. Yo quería vivir algo así. ¿Es que el mundo sería así?
En Flores está la esencia de mi pintura: comencé pintando con emoción ese mundo desaparecido. En el arte argentino no había antecedentes de exaltar todo aquello y por lo tanto, al principio no fue entendido. Así y todo, aquellas sensaciones alimentaron todo lo que hice. Flores con sus veredas flojas fue mi sostén, mi razón de ser y cada vez que lo necesito está allí para siempre en el tiempo.
Aunque no lo haya pintado está el espíritu de Palmieri, el librero que me vendía los primeros lápices; el alma nobilísima de Angiolino, el zapatero italiano que en el garaje, en su sillita chata de paja y hundido en montañas de zapatos reparaba suelas y ponía chapitas en la punta; y el repartidor de carne, siempre al trote porque se entrenaba para boxear en Castro Barros. La protectora cercanía del Alvarez, donde a pesar de los esfuerzos denodados de los médicos se nos fue Jorgito al caer de una azotea. Casas misteriosas, que aún están, y chicas inalcanzables para mí, que sufría al verlas en el cine con el novio oficial. Toda una íntima poesía, hecha también de dolores, por ese camino va lo que hago.

Fuente: clarin.com

LA TATE LIVERPOOL HOMENAJEA EL DIBUJO QUE MARCÓ EL SIGLO XX, DE PICASSO A WARHOL

Una mujer observa dos obras del pintor español Pablo Picasso. EFE/Archivo.

Liverpool,16 - Dibujos con los que forjaron su estilo artistas como Pablo Picasso, Andy Warhol o Henry Moore se exponen desde hoy en la Tate Liverpool, que analiza en una muestra el papel de esta disciplina en el arte del siglo XX.

"Rastreando el siglo: El dibujo como catalizador para el cambio" recopila en esa galería de la ciudad inglesa un centenar de obras de los más famosos artistas del siglo XX, que construyeron desde el dibujo un discurso que posteriormente trasladaron a la pintura, la escultura o la fotografía.

"Los dibujos pueden revelar algo sobre el proceso de creación de un artista; por ejemplo, en el caso de Moore se observan las tendencias hacia lo inquietante que vemos en algunas de sus esculturas", aseguró a Efe el responsable de muestras de la Tate, Gavin Delahunty.

El británico Moore retrata en sus dibujos expuestos en Liverpool la oscura espera de la población que se refugiaba en los túneles del metro de Londres para dormir durante los bombardeos que asolaron la ciudad en la Segunda Guerra Mundial (1939-45).

Andy Warhol también enseña en sus dibujos, mucho más sencillos y diáfanos, lo que luego buscó reflejar en sus obras de arte pop.

Expuestos junto a ejemplos de sus conocidas series fotográficas, en sus obras "se puede ver el trazo que luego está debajo de la fotografía", como explicó el responsable de la exposición.

La muestra, que recorre el movimiento oscilante entre lo figurativo y lo abstracto que se produjo en el dibujo durante el siglo XX, pretende reivindicar la importancia de una disciplina considerada en ocasiones un paso previo a la obra final, que a menudo se desecha.

"Es una herramienta que les ayudaba a pensar en tres dimensiones, una forma maravillosa de capturar sus ideas, y es interesante ver ese proceso por primera vez", apuntó Delahunty, que destacó la importancia de la minoritaria presencia española en la muestra.

Pablo Picasso (1881-1973) y Julio González (1876-1942) son los protagonistas españoles de la muestra, en la que ocupan un lugar destacado.

"Dora Maar Seated" (Dora Maar sentada), obra del pintor malagueño que permanece inacabada en su parte inferior, es, en palabras de Delahunty, "un retrato congelado en el tiempo" y uno de los mejores ejemplos para comprender el proceso de creación de Picasso.

Junto a ella, destaca el viaje de lo figurativo hacia lo abstracto de González, que proyectó "Profil de jeune fille à la coiffe" (Perfil de joven con gorro), dos retratos de la misma mujer con treinta años de diferencia (uno perteneciente a cada estilo), que la galería Tate ha escogido para encabezar la exposición.

"Es increíble ver este cambio dentro de un mismo artista", dijo Delahunty, que consideró que lo figurativo y lo abstracto "bailaron juntos" durante el siglo XX en función de las necesidades de cada autor.

En este sentido, destacó la muestra de dibujos de William Orpen (1878-1931) "Anatomical Studies" (Estudios anatómicos), mostrada por primera vez, en la que puede verse con detalle los músculos, tendones y huesos que componen el cuerpo humano.

Originalmente, fueron utilizados para enseñar a los estudiantes de medicina a principios de siglo, una intención que, al alejarse del provecho individual del artista para beneficio de otros, constituye una rara excepción en cuanto al dibujo del siglo pasado.

La muestra incluye obras que van desde Paul Cézanne (1839-1906), que asistió a los primeros movimientos de siglo, hasta más recientes de Francis Bacon (1909-1992), uno de los artistas más cotizados en los últimos años.

La exposición de la Tate Liverpool podrá verse hasta el 20 de enero en su sede en el muelle de la ciudad inglesa.

Fuente: EFE

VISITAR EL MUSEO THYSSEN SE CONVIERTE EN UNA EXPERIENCIA MULTIMEDIA

Vista general de una de las salas de exposición del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. EFE/Archivo

Madrid, 16 - Las audioguías pronto se convertirán en la alternativa más arcaica para visitar un museo, al menos en el Thyssen-Bornemisza, donde acaba de estrenarse la guía multimedia Smartguide, un dispositivo táctil que multiplica la experiencia sensorial del visitante.

Se trata de una nueva forma de conocer el museo y sus obras que emplea los últimos avances en tecnología y que convierte al Thyssen en pionero, sólo seguido de cerca por el Louvre de París.

Con una apariencia muy similar a la de un "smartphone" (Samsung es el proveedor del dispositivo), las ya tradicionales explicaciones en audio de las obras pasan a ser una función casi anecdótica en este servicio de factura 100% española.

Entre las más llamativas están la de "signoguía", especialmente diseñada para personas con deficiencias auditivas, ya que ofrece los detalles de las obras en lenguaje de signos.

En el aspecto multimedia, el visitante podrá ver vídeos de entrevistas a conservadores y comisarios del museo, así como explicaciones de técnicas pictóricas y de conservación.

Además, el visitante podrá conocer la relación que existe entre algunas obras y profundizar en el autor, la época o el estilo de cada una de ellas; y podrá hacerse mientras se escucha una obra musical relacionada con cada periodo artístico.

Para acceder a contenidos extra, la guía multimedia puede conectarse a la red wifi del museo, permitiendo así la geolocalización del dispositivo para moverse por el edificio, comprar productos de la tienda y compartir la experiencia a través de las redes sociales.

Uno de los grandes avances de este dispositivo se encuentra en el sistema de navegación, ya que cuenta con una sistema óptico artifical que le permite identificar una obra simplemente enfocándolo frente a ella.

Los visitantes que lo deseen podrán hacerse temporalmente con la guía de forma gratuita. Será así hasta que el museo evalúe el impacto y la opinión que suscita el nuevo dispositivo, según ha explicado el director gerente del Thyssen, Evelio Acevedo; pasado el periodo de prueba, el alquiler será de seis euros, dos más que la tradicional audioguía.

Parte con un registro de 25 obras de la colección permanente del museo, que se ampliarán al doble a partir de enero, según la jefa del área de educación del Thyssen, Ana Moreno.

De momento sólo podrá disfrutarse en español, pero ya se contempla la traducción a los cinco idiomas con los que ya cuenta la audioguía, así como la incorporación de audiodescriptores pensados para los invidentes.

Fuente: EFE

LA AUTOBIOGRAFÍA HECHA ARTE DE LA BRITÁNICA TRACEY EMIN LLEGA A BUENOS AIRES

Fotograma del filme "El amor es una cosa extraña" (2000) de la artista británica Tracey Emin, quien expone en Buenos Aires (Argentina) su primera muestra en solitario en el continente americano. EFELa artista británica Tracey Emin. EFE/Archivo

Buenos Aires, 17 - "Era como si me hubieran triturado las entrañas, sentía un dolor insoportable y un calor increíble", asegura la artista británica Tracey Emin al recordar su aborto en un desgarrador vídeo que forma parte de su exposición en Buenos Aires, la primera en solitario en el continente americano.

Esa tormentosa experiencia, que millones de mujeres de todo el mundo sufren en silencio, Emin decidió grabarla y hacerla pública en 1996, una decisión que no solo tuvo un efecto catártico, sino que trazó el camino que la catapultaría a la cima del arte británico a finales de los noventa.

El vídeo, que bautizó como "How it feels (Lo que se siente)", da título también a la exposición que acoge el Museo de Arte Latinoamericano (Malba) de la capital argentina, comisariada por el canadiense Philip Larrat-Smith, y en el que se exhiben otras cuatro cintas con tintes autobiográficos, grabadas entre 1995 y 2000.

"Gritaban pu-ti-ta, pu-ti-ta. Al final ya no podía escuchar la música ni la gente que aplaudía, la cabeza me daba vueltas y lloraba. Había perdido", dice Emin en otro de los vídeos, "Why I never become a dancer (Por qué nunca llegué a ser bailarina)".

En la obra, la artista británica recuerda los abusos sexuales que sufrió cuando tenía 13 y 14 años pero los exorciza en un baile final desenfrenado al ritmo de "You make me feel (Mighty Real)", de Sylvester.

Han pasado casi dos décadas desde que Emin, de 49 años, grabase los vídeos que ahora expone el Malba, y aseguró que le resulta extraño volver a ver este material ahora.

"Es muy extraño verme tan joven porque ahora actúo y pienso como una persona mucho mayor, pero al mismo tiempo es bueno porque sigo reconociéndome en estas ideas", declaró la artista a Efe horas antes de la inauguración.

Fotograma del filme "El amor es una cosa extraña" (2000) de la artista británica Tracey Emin, quien expone en Buenos Aires (Argentina) su primera muestra en solitario en el continente americano. EFELa artista británica Tracey Emin. EFE/Archivo

La recogida melena rubia que la estrella británica lucía el jueves en Buenos Aires contrastaba con el pelo corto y moreno con el que aparece en las cintas, pero más allá de los cambios físicos y estéticos, Emin aseveró que se alegra de "ya no sufrir así y estar en el lado positivo de la vida".

Emin admitió que en los últimos años se ha desdibujado la frontera entre público y privado y señaló que ahora le parecen "inocentes" obras suyas que escandalizaron hace años a la sociedad, como "Mi cama", la instalación en la que exponía una cama rodeada de botellas de vodka, colillas, condones usados, tampones y ropa interior y con la que fue nominada a los premios Turner en 1999.

"Sí, ahora, con Facebook, Youtube, ya no hay nada privado sobre nadie. Pero hace 20 años no era así: los británicos no decían lo que pensaban, lo que sentían, tenían que parecer invulnerables y yo, en cambio, era vulnerable", aclaró.

Pese al cambio de mentalidad, el arte de Emin, una de las exponentes más exitosas del grupo conocido como "Young british artists" (jóvenes artistas británicos) en los noventa, mantiene la capacidad de provocar y de generar admiración o repulsión entre quienes se enfrentan a sus obras.

En declaraciones a Efe, el comisario Larrat-Smith indicó que la selección de vídeos que pueden verse en el Malba hasta finales de febrero es una buena representación de "la voz compleja de Emin", que a veces "es más humorística, otras más trágica y otras lírica".

La artista coincidió con él y subrayó que considera que se trata de "un espectáculo perfecto para Argentina, ya que los argentinos son muy expresivos, muy libres a la hora de hablar de sus sentimientos, de contar qué les ocurre".

En Argentina solo podrá contemplarse material audiovisual, pero la polémica artista, titular de dibujo en la Royal Academy of Arts de Londres, ha recurrido también a la fotografía, al dibujo e incluso al bordado para convertir sus pulsiones vitales en arte.

Mar Centenera

Fuente: EFE

EL TALENTO PRECOZ DE VAN DYCKEXPUESTO EN EL MUSEO DEL PRADO

El talento del precoz pintor flamenco del siglo XVI Antoine Van Dyck se expone desde la próxima semana en el museo del Prado de Madrid, en una muestra bajo el título 'Retrato de un artista adolescente' que podrá verse hasta el 3 de marzo de 2013.

Por Dominique Faget

El talento precoz del pintor flamenco del siglo XVI, Antoine Van Dyck, los años de aprendizaje en Amberes y la emancipación de su maestro Rubens, se exponen a partir de la próxima semana en el museo madrileño del Prado.

"La única cosa que quería hacer cuando era joven era dibujar, sólo dibujar", explicó el comisario holandés Friso Lammertse, al presentar este viernes la exposición de más de 90 obras, pinturas y también dibujos, firmados entre 1615 y 1621, año en el que Van Dyck partió hacia Italia.

Antoine Van Dyck (1599-1641) tenía entonces entre 16 y 22 años, pero ya se expresaba con una madurez y talento sorprendentes.

"Desde los 17 o 18 años, parecía tener un control de sus pinceles como soñaría cualquier otro artista", añadió el comisario.

"En cuatro o cinco años, llegó a un pleno dominio de su pincel, pintando todo lo que quería".

"La búsqueda de su propio estilo da lugar a unas obras de juventud muy personales", destacó.

Van Dyck, en esa época, se repartía entre su propio taller en Amberes y el de Rubens: seis años particularmente prolíficos, durante los cuales firmará más de 160 obras.

Ante la dimensión "absolutamente abrumadora" del maestro Rubens, el joven pintor "tiene la mano para pintar muy bien, sin embargo, siendo muy joven, tiene que fijar su propio estilo", explica el comisario español de la exposición, Alejandro Vergara.

Porque, como destacó Friso Lammertse, "el joven Van Dyck no se comprende sin conocer a Rubens. Quiere realmente ser diferente a su maestro, pero al mismo tiempo es capaz de pintar casi como Rubens".

La influencia de Rubens (1577-1640) se combina entonces con un lenguaje muy personal, transmitiendo el gusto de Van Dyck por las texturas rudas, las telas ricas de rojo impactante, la piel o los cabellos y una representación muy realista del cuerpo humano.

La exposición 'Retrato de un artista adolescente', se inicia con un autoretrato de un Van Dyck de rasgos juveniles, con sólo 16 años, y "supone un jalón en el reconocimiento del talento juvenil del pintor", destacó el director del museo del Prado, Miguel Zuzaga, en la presentación.
La muestra permanecerá abierta hasta el 3 de marzo 2013.

La exposición, "El joven Van Dyck" es una de las mayores reunida en el mundo y la primera que se celebra en España dedicada a su pintura y dibujos. Patrocinada por la Fundación BBVA, está centrada en la obra de juventud de Anton Van Dyck y abarca a través de casi un centenar de pinturas y dibujos el periodo comprendido entre 1615, cuando el artista contaba 15 años, hasta su marcha de Amberes a Italia en 1621. Durante estos seis años de producción temprana, Van Dyck pintó unos 160 cuadros, muchos de ellos bajo la tutela de quién fue su maestro: Rubens. Muchas de estas obras de aprendizaje muestran una tensión entre la necesidad de absorber el talento de su mentor y la necesidad de encontrar un lenguaje propio.

Fuente: AFP

PREMIO PARA UN ROBIN HOOD DEL ARTE

Lo ganó Franco Vico por la idea de hacer otro concurso y repartir el dinero. Alan Faena se siente identificado.

Premio para un Robin Hood del arte

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

No hay muchos concursos de arte que ofrezcan tanto dinero como el Premio Faena a las Artes; 75.000 dólares. Y para sorpresa de muchos, lo ganó un artista de 27 años, bastante desconocido, nacido en Santa Fé: Franco Vico. Seleccionado entre más de 837 proyectos, el de Vico trata sobre Bairoletto, un personaje que durante la primera mitad del Siglo XX daba vueltas por nuestro país robándoles a los ricos para darles a los más pobres. Era conocido como el “Robin Hood de las Pampas” o, también, el “Robin Hood criollo”.

Cuando se enteró de su premio, Vico se asombró. Y no es para menos: las dos menciones de honor –los premios que le siguen– fueron otorgadas a dos muy conocidos artistas: el español Santiago Sierra y Sebastián Díaz Morales, un videasta argentino exquisito, sutil y profundo.

“No fue fácil”, comenta Ximena Caminos, coordinadora del jurado. “Los jurados Carlos Basualdo, Inés Katzenstein y Caroline Bourgeois(que estuvo a cargo de la colección de arte del millonario Francois Pinault, en Venecia) discutieron largo rato. Finalmente citamos a Vico, para que explicara su obra. Y eso fue determinante.” “¿Pero cuál es la obra?”, se preguntará usted. ¿Quisiera verla? Bueno. Imposible. Todavía no hay obra . Hay sólo proyecto. Y esto responde a una modalidad de muchos artistas contemporáneos.

En el caso de “Fundación Vairoletto” –el trabajo premiado– la cosa será así: Vico usará, de los 75 mil dólares, 25 mil para organizar un nuevo premio, que tendrá 25 ganadores a 1000 dólares cada uno. Con otros 25 mil dólares, hará la producción de la “Fundación”, la campaña de difusión de su premio, el marketing. De los 25 mil restantes, donará la mitad a organizaciones benéficas y se quedará con lo demás. Con todos estos procesos, el artista deja al descubierto sistemas, usos, funciones, y estructuras del sistema del arte y del mundo en general.

“Si bien mi base es la pintura, hacía rato que yo venía haciendo performances así, donde repartíamos cosas, junto con otros artistas”, explica Vico, “pero nunca algo de esta envergadura.” “De alguna manera, siento que hago lo mismo que lo que este artista pone al desnudo con su obra, al aportar plata para los artistas, para concretar ideas, sueños”, dice Alan Faena, presidente del Faena Group.

Habrá que esperar un año para ver la obra de Vico realizada. Ahora empieza el momento del taller o, mejor dicho, de la producción.

Fuente: clarin.com

FRAGMENTOS DE UNA OBRA POLÉMICA

Fuente: lanacion.com

COMIENZA PINTA, LAGRAN APUESTA EN NUEVA YORK DEL ARTE LATINOAMERICANO

Expectativa por las ventas que se alcanzarían en la muestra, en una temporada marcada por los récords.

 

Hombre con hacha, de Liliana Porter, una de las obras que se exhibirán. Foto: Pinta

Por Juana Libedinsky / LA NACIÓN

NUEVA YORK.- En el cocktail que sigue a toda noche de estreno de Broadway, hay una imagen que se repite. La de los productores (no sólo los grandes nombres de las marquesinas, sino los cientos de personajes ignotos que invirtieron en la obra), los invitados "del ambiente", todo el staff, los actores de reparto e incluso los protagonistas, chequeando sus iPhones y Blackberries. ¿Qué esperan con tanta ansiedad? Que aparezca online la crítica de The New York Times sobre la obra, que definirá su éxito y, ni que hablar, el clima desaforadamente festivo, o simplemente correcto, del encuentro.

Algo parecido ocurría en el cocktail de preinauguración de Pinta que brindó María Estrany, representante del Centro Cultural Borges, en su departamento del Upper East Side neoyorquino. Pero, esta vez, lo que esperaban los invitados no era una nota periodística, sino los resultados de los remates de Christie's y Sotheby's que cerraban una semana de récords para el arte contemporáneo. "En un mundo con tan pocos indicadores concretos y tangibles para definir la cotización de un artista -explicó Jeannette van Campenhout, directora del programa VIP de la Pinta-, los remates de otoño son un fuerte determinante de la salud y fortaleza del mercado". Esta definición vale doble para Pinta, concentrada en el segmento latinoamericano, que tiene en la subastas de Sotheby's y Christie's un barómetro necesario.

En la temporada 2012 los números no defraudaron. Todo lo contrario. Después de que Sotheby's concretara el martes la venta más suculenta de sus 268 años de historia, Christie's dio el batacazo y antenoche vendió 67 obras por 412,2 millones de dólares, récord absoluto para una sesión de subasta. Así que el champagne circuló libremente y las expectativas para la edición 2012 de Pinta se dispararon. También mucho tuvo que ver con la alegría imperante, por supuesto, el entusiasmo que generaron las novedades de lo que propone la feria en su sexta edición, como la inclusión del artistas de España y Portugal, y una sección especial dedicada a espacios alternativos de América Central.

Pinta continuará mostrando los Art Projects individuales que ya hacen tanto a su identidad, esta vez con la curaduría del prestigioso crítico brasileño Jacopo Crivelli Visconti, y será la consagrada Liliana Porter -argentina residente en Nueva York- la artista invitada de la feria.

La Argentina está representada, además, por las galerías Arte x Arte, Carmen Sandiego, Document Art Gallery, Espacio Makarius, Teresa Anchorena y Praxis International Art.

Aunque es demasiado pronto para hablar de puntos rojos (señal de obra vendida) mucho interés despertaron las obras de Martha Boto, Antonio Asís, Julio Le Parc, Raúl Lozza, Víctor Magariños, Nicolás García Uriburu, Horacio Zabala, Manuel Espinosa, Marta Minujín, Carlos Silva, Luis Tomasello, Nicolás Guagnini, Antonia Guzmán y Juan Andrés Videla, entre otros. Una selección que destaca el interés por el arte concreto y cinético, tan en boga en los últimos años tras la legitimación impulsada por la coleccionista Patricia Cisneros, el MoMA de Nueva York y el Fine Arts Museum de Houston.

Respecto de las tendencias de esta edición, Diego Costa Peuser, director de Pinta, anticipó: "Seguimos dando campo al afianzamiento de la fuerte corriente de la geometría abstracta continental, acogiendo el arte normativo español, pero también a las expresiones de la nueva geometría en América latina. Además, hay un espacio creciente para el arte conceptual, que a partir de la década de 1970 tuvo un papel clave en la producción latina y que define las exploraciones de las actuales generaciones".

En cuanto a los compradores, van "desde los coleccionistas latinoamericanos que han alimentado el reconocimiento de la abstracción geométrica continental hasta un público de enorme diversidad", dijo Costa Peuser.

"La feria se ha convertido en una cita donde pueden descubrir nuevos talentos iberoamericanos y encontrar obras muy seleccionadas de maestros ya consagrados, pero también descubrir artistas emergentes", agregó Costa Peuser, en su doble condición de director de Pinta y de Editorial Arte al Día.

Mención aparte merece la obra de Mariano Ferrante que ha producido para esta edición de Pinta una gran instalación presentada por el gobierno de la ciudad de Buenos Aires.

Abierta hasta el 18, Pinta está decidida a consolidar su posición de punto de encuentro entre curadores latinos, coleccionistas norteamericanos y europeos, y los compradores argentinos que han hecho de esta cita una oportunidad para sintonizar con la producción de los artistas latinoamericanos.

Fuente: lanacion.com

EL LADRÓN QUE SOLDI ADMIRÓ

De la cárcel al libro

El autor de esta nota cuenta cómo escribió Un caballero en el purgatorio, la azarosa vida de Carlos Frattini.

Por Alejandro Parisi / Para LA NACIÓN

Él y Cristina, su mujer, viajaron a Buenos Aires varias veces para que yo pudiera entrevistarlo. Nos encerrábamos a hablar durante horas. Pronto, entre los dos se dio todo eso que yo buscaba: confianza, confesiones, detalles. Frattini se reveló como un extraordinario narrador. Para escapar de los puños de su padre, se había tenido que acostumbrar a vagabundear por las calles llenas de inmigrantes y desocupados que malvivían la depresión de los años 30. A veces, permanecía escondido debajo de la casilla del conventillo esperando que la puerta se abriera. Pero esa puerta nunca se abría, así que él entraba a los edificios para robar las monedas que la gente dejaba debajo de los sifones vacíos.
A los quince años, sin previo aviso, su padre lo encerró en un reformatorio. Lo retiró un año más tarde y le dijo que si no trabajaba se fuera. De inmediato, Frattini se convirtió en cadete de una carbonería, pescadero, canillita. Hizo de todo para convencer a su padre de que sería un buen hijo. Pero eso no alcanzaba, ni alcanzaría nunca.
Un día se reencontró con un antiguo compañero del reformatorio, que le enseñó que robar billeteras y carteras era más productivo que escarbar debajo de los sifones. Con aquella primera sociedad, Frattini pasó de tener un hobby a ser un profesional. Pronto, dejaron el arrebato y se convirtieron en "escruchantes". Robaban sin violencia. Se limitaban a tener decenas de llaves que les permitían abrir las puertas de la ciudad cuando los dueños estaban ausentes. Entraban, buscaban joyas y dinero, y se marchaban en silencio sin que nadie los viera.
"Eran otros tiempos", decía Frattini en las entrevistas, con pesar. "Hoy los pibes matan por un celular. No hay más códigos", decía. Él había tenido los mejores maestros. Personajes emblemáticos del crimen argentino, como Jorge Eduardo Villarino, el Lacho Pardo o los hermanos Prieto le enseñaron que no hacía falta lastimar a nadie para conseguir buenas joyas, que no era de hombre maltratar a las víctimas ni de profesional salir a robar bebido o drogado. Nunca había que matar, nunca había que delatar a los compañeros a pesar de que le quemaran el cuerpo a fuerza de colillas y picana.
Durante toda su carrera de escruchante, Frattini respetó estas reglas. Las únicas veces que tuvo que usar la violencia, fue para protegerse o proteger a sus amigos dentro de la cárcel. Mientras cumplía una de sus condenas, descubrió que se le daba bien el dibujo. Pintaba a lápiz los retratos de los famosos que salían en las revistas. Pronto, los presos y los celadores comenzaron a encargarle dibujos de sus propios familiares, que Frattini pintaba a cambio de yerba, fideos o bien un trato diferente al que debían soportar los otros presos. Aunque los hubiera pintado gratis con tal de matar el tiempo que debía estar confinado al encierro. Es curioso, pero cada vez que terminaba de cumplir una condena, se olvidaba del dibujo. Las calles le resultaban más placenteras que los trazos de su lápiz.
Frattini parecía haber estado en todas partes. El día que se escapó de la colimba, se dirigió al Centro y acabó sirviendo mate cocido a los millones de argentinos que se acercaron al velorio de Evita. En 1955, tras robar un edificio del Centro, corrió por Plaza de Mayo escapando de las bombas que la Armada tiraba para derrocar a Perón. Desvalijaba departamentos sin importarle que afuera los militares dispararan vestidos de Azules y Colorados. En 1973, cuando Cámpora firmó la amnistía que liberaba a los presos políticos, desde la ventana de su celda pudo ver a los jóvenes que se escapaban de Devoto cantando la marcha peronista. Todavía hoy se queda sin palabras al recordar la matanza que el Servicio Penitenciario hizo en 1979, en el Pabellón 7º de Devoto. Estaba unos pisos más abajo, y desde allí podía sentir los disparos cobardes de los celadores y el olor de los cuerpos quemados. Un olor que aún hoy parece entristecerle la mirada.
Condena a condena, Frattini iba mejorando su estilo. Tanto era así que una vez expuso sus cuadros en Devoto, y al ver el retrato que había hecho de Borges, Raúl Soldi le pidió que lo visitara cuando saliera en libertad. Para entonces se había casado y tenía dos hijos. Durante varios meses dibujó retratos que, gracias a Soldi, se expusieron en galerías y en programas de TV, a los que fue invitado. Más que fama, Frattini buscaba la oportunidad de cambiar de vida. Por eso le pidió al maestro que le consiguiera un trabajo. "Usted es un artista, Frattini, no tiene que trabajar", le dijo Soldi. Meses más tarde, sin dinero, olvidado por la prensa, Frattini no pudo hacer otra cosa más que aceptar su destino de llaves y puertas cerradas.
Al año lo había perdido todo: su carrera de dibujante, su libertad, su mujer, sus hijos. Esos hijos a los que no vio durante más de veinte años y a los que aún hoy no sabe cómo pedirles perdón por los errores que cometió. Porque los personajes extraordinarios como Frattini tienen esas cosas: pueden haber ganado millones, pueden haber pintado el mejor retrato de Pichuco, pueden haber vivido cosas que alcanzarían para llenar cientos de enciclopedias. Pero lo único que les importa es el final de la historia. Una historia de puertas cerradas, joyas, motines, torturas y una luz breve, idílica, que surge al final del camino.

Fuente: ADN Cultura La Nación