LONDRES, 7 - 'El retrato de Juan López de Robredo', de Francisco de Goya, una de las estrellas de una subasta de Christie's celebrada el martes por la noche, se quedó sin comprador y sigue apareciendo en la web de la casa de subastas con un precio estimado que va desde los 6,2 hasta los 9,3 millones de libras (unos 7,2 y 10,8 millones de euros).
La puja de pinturas de grandes maestros, realizada en Londres, sumó finalmente 24 millones de libras, y una de las obras destacadas, 'Batalla del Carnaval contra la Cuaresma', de Pieter Brueghel II, se vendió por casi 6,9 millones de libras a un comprador anónimo, dijo Christie's en su web.
El precio de venta superó la estimación previa de 3,5-4,5 millones de libras y estableció el récord mundial para una obra de este artista, dijo Christie's.
La segunda obra más valorada de la noche fue la pintura de Willem van de Velde II, 'Dutch men-o'-war and other shipping in a calm', que fue adquirida por un coleccionista privado europeo por casi 6 millones de libras, también un récord para una obra del pintor.
Buena parte del interés de las subastas de obra clásica se lo ha llevado una obra original de Diego Velázquez valorada en un primer momento en 300 libras. El retrato de un caballero desconocido será subastado el miércoles y se espera que alcance los 3 millones de libras en Bonhams.
AGUILAR DE CAMPOO (PALENCIA), 9 - La Fundación Santa María La Real, en colaboración con la
Secretaría de Estado de Vivienda y Actuaciones Urbanas del Ministerio de
Fomento han colgado en la página www.romanicodigital.com cinco tomos de
la Enciclopedia del Románico disponible de forma íntegra y gratuita.
Según han informado a Europa Press fuentes de la Fundación, los
tomos, corresponden a las provincias castellanoleonesas de León, Zamora,
Salamanca y Palencia, así como a la Comunidad de Madrid. La información
puede consultarse de forma abierta y gratuita, a través de la sección
'Enciclopedia online' ó en la 'Base de datos del Románico'.
De este modo, con tan sólo un click, el internauta podrá acceder y
consultar el contenido de la Enciclopedia del Románico, ya que se ha
mantenido el mismo diseño y formato que en la edición impresa. Además,
la búsqueda de testimonios es inmediata, puesto que se encuentran
ordenados alfabéticamente y por localidades.
Actualmente esta nueva plataforma online cuenta con 60.000
fotografías digitalizadas, documentación histórica y mapas de
geolocalización de 4.000 edificios y testimonios románicos repartidos
por Castilla y León, Navarra, Asturias, Cantabria, La Rioja y Madrid.
Asimismo, en los próximos meses los técnicos del Centro de
Estudios del Románico incorporarán las fichas de edificios románicos y
testimonios de Cuenca y Guadalajara, para continuar el próximo año con
Zaragoza y el País Vasco.
La Fundación Santa María la Real estima que en un horizonte
temporal de cuatro años esta gran base documental contará con 270.000
imágenes más, correspondientes a los 5.000 edificios y testimonios
románicos de Galicia, Cataluña y Huesca.
Esto significa, según las mismas fuentes, que para 2015 la página
albergará más de 330.000 imágenes de los 9.000 testimonios románicos que
hay contabilizados en España. Por otro lado, en el futuro se
incorporarán también testimonios de Portugal y otros países europeos.
APLICACIONES
El usuario puede llevar a cabo diferentes tipos de búsqueda como
avanzadas o a través de palabras claves o descriptores que se han
reunido en la Base Tesauro, con más de 3.200 términos. De este modo,
puede localizar documentación sobre la historia o las características
arquitectónicas de un templo románico, así como un mapa de
geolocalización con las coordinadas exactas y una galería de imágenes.
A su vez, en www.romanicodigital.com, el internauta podrá acceder a
la tienda online para adquirir fotografías de alta resolución, conocer
rutas turísticas o participar en foros y redes sociales, al tiempo que
podrá consultar información de la Fundaciíon Santa María la Real, de sus
publicaciones y cursos de formación, de sus diferentes departamentos o
de los planes de intervención para la conservación del patrimonio.
La Fundación Santa María la Real es una entidad privada sin ánimo
de lucro fundada en 1994 y con sede en el Monasterio Santa María la Real
en la localidad palentina de Aguilar de Campoo. La Fundación tiene como
misión fundamental promover iniciativas de desarrollo sostenible,
basadas en la valorización del patrimonio, entendido en el sentido más
amplio de la palabra.
MADRID, 13 - El Instituto Cervantes y la Fundación Thyssen-Bornemisza han
firmado este martes un convenio que facilitará su colaboración para
organizar actividades relacionadas con la difusión de la cultura
española en el mundo.
Las dos instituciones llevarán a cabo cuantas actividades
consideren de interés mutuo y, "en especial, aquellas que contribuyan a
difundir la exposición pública, en su sede en España y en la red de
centros del Instituto Cervantes en el mundo, de la colección de obras de
arte que alberga el Museo Thyssen-Bornemisza, así como el resto de sus
actividades".
Durante la firma del convenio, Carmen Caffarel, directora del
Instituto Cervantes ha afirmado que la Fundación y el Museo
Thyssen-Bornemisza constituyen "una de las referencias fundamentales de
nuestra cultura", por lo que para el Instituto Cervantes son "aliados
naturales".
Por su parte, el director gerente de la Fundación Colección
Thyssen-Bornemisza, Miguel Ángel Recio destacó que a ambas instituciones
las une la proyección internacional: "Casi la mitad de los visitantes
del Museo Thyssen procede de fuera de España, y lo mismo sucede con
quienes se acercan a las colecciones y a los programas educativos por
medio de la Red".
Desde su inauguración, de la que se cumplirán veinte años en 2012,
el Museo Thyssen-Bornemisza ha estado presente en museos de todo el
mundo, gracias a los préstamos para exposiciones temporales de muchos de
sus cuadros. Colaborar con el Instituto Cervantes supone reforzar la
vocación internacional del Museo.
El Instituto Cervantes es la institución pública creada por España
en 1991 para la promoción y la enseñanza de la lengua española y para
la difusión de la cultura de España y de los países hispanohablantes. En
estos momentos dispone de 77 centros repartidos por 44 países. En el
año 2011 ha organizado 6.500 actos culturales.
Museu d'Etnologia de Valencia muestra el esplendor de la
'Ruta de la Seda' a través de 400 piezas únicas del XIX y XX.
VALENCIA, 14 - El Museu Valencià d'Etnologia de muestra el esplendor de la
histórica 'Ruta de la Seda' a través de más 400 piezas únicas que
descubren telares, tejidos, indumentaria de seda y diversos utensilios y
ornamentos utilizados por los pueblos de Asia Central y el Cáucaso a
finales del siglo XIX y principios del XX, cuando aún se conservaba la
tecnología tradicional cuyos orígenes se remontan a tiempos
inmemoriales.
La exposición, coproducida entre el Museu Valencià d'Etnologia y
el Museo de Etnografía de Rusia dentro de los actos del Año Dual
España-Rusia 2011, pertenecerá hasta el 13 de mayo de 2012 en tierras
valencianas, donde tendremos "la oportunidad de admirar unas colecciones
textiles únicas, que habitualmente se exhiben en uno de los mejores
museos de la imperial ciudad de San Petersburgo, el Museo de Etnografía
de Rusia, fundado en 1902, y que nunca antes habían salido de él".
Así lo ha destacado la delegada del área de Cultura de la
Diputación de Valencia, que este miércoles ha presentado la muestra
junto al director del Museu Valencià d'Etnologia, Joan Seguí; el
director del Museo de Etnografía de Rusia, Vladimir Grossmann, y el
comisario Vladimir Dimitriev.
Al respecto, Seguí ha señalado que la muestra tiene dos focos
principales, "los materiales mostrados, primordialmente telas y tejidos,
y el ámbito geográfico, referido a una parte central de una de las
principales rutas de la seda que afectó a la localización de diversos
pueblos de Asia central y el Cáucaso, como los uzbecos, azerbaiyanos,
kazajastanos, históricamente vinculados a las rutas comerciales entre
Oriente y Occidente".
Por su parte, Grossmann ha confesado estar "feliz y triste; feliz,
porque inauguramos una magnífica muestra, pero triste porque es uno de
los actos con que se cierra el Año Dual España-Rusia 2011, en cuya
inauguración tuve el honor de participar junto al rey de España y el
presidente Medvédev".
'La gran ruta de la seda' se detiene en los caminos que atraviesan
el Cáucaso y Asia Central, en territorios como los actuales Afganistán o
Uzbekistán de gran riqueza étnica y cultural.
El visitante podrá realizar su propio viaje a través del proceso
de producción de la seda, la fabricación de alfombras, la vida de los
nómades en las yurtas, la ritualidad de los derviches de Kalandar, las
bodas de los kubachi o las ropas vestidas por georgianos, uzbecos,
chechenos o turcomanes.
NUEVE ÁMBITOS EXPOSITIVOS
La exposición se organiza en nueve secciones. Primero se analiza
el papel de la ruta de la seda como red de rutas comerciales que unía
China con Europa occidental desde el siglo II a.C. hasta el siglo XVI.
Para la ocasión, se ha reconstruido una yurta, principal exponente
de la civilización nómada y se muestran tanto imágenes como productos
tejidos con diferentes técnicas, materiales y estampados.
La organización del transporte en estas sociedades era
fundamental, por lo que se aporta también información sobre todos los
elementos utilizados para la configuración de las carabanas.
Además, se recrean los mercados urbanos, centros de la vida
económica de toda la región y la casa azerí como vivienda de población
sedentaria, al tiempo que se informa de la configuración básica de una
casa de población sedentaria típica de Azerbaiyán.
Un despliegue de trajes típicos de los pueblos del Asia central
que dan una idea sobre los elementos comunes de la indumentaria de la
zona. Aparecen textiles del ritual de las bodas (sedas, bordados
especiales, piezas de orfebrería), textiles como símbolo de poder y
diferenciación social como el traje del noble del Cáucaso del Norte y
textiles relacionados con los objetos de culto del Islam.
En el último ámbito, la lana se muestra como uno de los primeros materiales utilizados para elaborar tejidos.
Palau i Fabre completa la biografía de Picasso con una cuarta obra póstuma
BARCELONA,15 - Ediciones Polígrafa, con la colaboración de la Fundación Palau de
Caldes d'Estrac, ha anunciado este jueves la publicación del cuarto
título de la biografía escrita por el difunto Josep Palau i Fabre sobre
el pintor Pablo Picasso.
'Picasso 1927-1939. Del Minotauro al Gernika' culmina así el
ingente trabajo de Palau i Fabre, y aborda mediante 456 páginas y más de
1.300 ilustraciones una época marcada por la relación que mantuvo el
pintor con Marie-Thérèse Walter y por la Guerra Civil española.
El biógrafo murió en 2008, y el escritor Julià Guillamon ha sido
el encargado de ultimar la edición, en colaboración con la responsable
del archivo y fondo documental de la Fundación Palau, Alícia Vacarizo.
Palau i Fabre publicó el primer volumen de su biografía sobre
Picasso en 1980, con 'Picasso viviente (1881-1907). Infancia y primera
juventud de un demiurgo', obra a la que siguió 'Picasso Cubismo
(1907-1917)' en 1990 y 'Picasso. De los ballets al drama (1917-1926)',
que vio la luz en 1999.
La editorial ha defendido el trabajo del biógrafo, inspirado por
la "sensibilidad plástica y la capacidad analítica", y ha señalado que
su trabajo es una referencia para los seguidores de Picasso.
La red de caminos Inca llamado
'Qhapaq Ñan', que se extiende por seis países andinos, solicitará ser declarada
Patrimonio Cultural Mundial ante la Organización de la Naciones Unidas para la
Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO), informó el miércoles el ministerio
de Cultura de Perú.
La
red de caminos Inca llamado 'Qhapaq Ñan', que se extiende por seis
países andinos, solicitará ser declarada Patrimonio Cultural Mundial
ante la Organización de la Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia
y la Cultura (UNESCO), informó el miércoles el ministerio de Cultura de
Perú.
La postulación de Qhapaq Ñan, también llamado 'El camino del Señor' o
'El camino andino principal', será presentada en enero próximo a la
UNESCO para su reconocimiento mundial, asi como para garantizar su
protección y conservación, señaló a la prensa limeña Paloma Carcedo,
directora de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura peruano.
Carcedo explicó que el documento técnico que será entregado a la
UNESCO reunirá expedientes presentados por Perú, Bolivia, Ecuador,
Colombia, Chile y Argentina, países todos ellos involucrados en la red
de caminos Inca.
"Nunca antes se habían juntado seis países para una sola candidatura,
y esto se da porque el camino Inca llegaba a todos estos países",
señaló.
El Qhapaq Ñan constituía la carretera principal norte-sur del Imperio
Inca, impulsada en el siglo XV, que posibilitaba el control económico y
político. En esa época tenía unos 6.000 kilómetros de longitud y
llegaba desde lo que hoy es el sur de Colombia hasta la región del Maule
(centro-sur de Chile).
El camino permitía al emperador Inca el acceso a los pueblos de todo
el imperio, además del intercambio de diversos productos, la transmisión
de valores culturales, el acceso a los diferentes santuarios incaicos y
el desarrollo del comercio.
La solicitud que será presentada a la UNESCO comprende siete tramos
que se conservan y que suman un total de unos 1.200 kilómetros.
La ruta se encuentra entre los 2.000 y 5.000 metros de altura con
tramos que llegan a un ancho de 20 metros, conectando áreas pobladas,
zonas agrícolas, mineras y santuarios.
Fotógrafos
tomando imágenes de una obra del artista italiano Sandro Botticelli llamado
'Retrato ideal de una dama (¿Simonetta Vespucci?)', en la exhibición previa a
la inauguración de la muestra renacentista en el Metropolitan de Nueva York.
Cerca
de 160 retratos del renacimiento italiano, de Donatello a Bellini, se
exhiben en el Metropolitan Museum of Art (Met, Museo Metropolitano de
Arte) de Nueva York a partir de este miércoles, para celebrar las obras
europeas del siglo XV. Fue en esta época cuando por primera vez desde la antigüedad, se
pintaron, dibujaron o esculpieron retratos, con el objetivo de celebrar a
un príncipe, guerrero, inmortalizar los rasgos de una persona para las
generaciones futuras de su familia o plasmar la belleza de una mujer. La exposición es un recuento de 80 años de este arte del retrato, que
va de 1425 a 1506, y que pasa por Florencia, Venecia y la corte
italiana. La exposición, que incluye sublimes lienzos de Botticelli, es una
muestra de esta época en la que, en Venecia, se pasó del tradicional
retrato de perfil al de tres cuartos de perfil. Entre los artistas expuestos figuran Donatello, Filippo Lippi,
Botticelli, Verrocchio, Ghirlandaio (cuya obra 'Viejo con su nieto' fue
prestado por el museo del Louvre), Pisanello, Mantegna, Giovanni
Bellini, y Antonello da Messina. La exposición dedica un espacio importante a bustos de mármol y
bronce, otra forma artística del retrato, que ubicados a la altura de
los ojos y lejos de los muros, permiten al espectador apreciar todos los
detalles de la obra. Entre estos bustos, se encuentra un relicario del mártir Saint
Rossore, jefe de obras de Donatello, prestado por el museo San Matteo de
Pisa, así como un busto femenino de Desiderio da Settignano, prestado
por la Gemäldegalerie de Berlín. La exposición durará hasta el 18 de marzo de 2012.
El compositor y director de orquesta francés Pierre Boulez
dirige la Orquesta de París durante un concierto gratuito dentro de la Pirámide
del Louvre de la capital francesa, el martes 20 de diciembre
Unas
2.500 personas asistieron el martes a un concierto en el Museo del
Louvre dirigido por el compositor y director francés Pierre Boulez, con
un programa en el que figuraban 'Noche transfigurada' del austríaco
Arnold Schoenberg y 'Concierto para orquesta' del húngaro Bela Bartok.
Pierre Boulez, de 86 años, dirigió la Orquesta de París para este
concierto gratuito en un lugar excepcional, la pirámide de cristal que
sirve de entrada al Museo del Louvre. Los organizadores tuvieron que
rechazar espectadores.
"He aquí dos obras, una de las cuales fue compuesta en 1899, es
decir, más que centenaria; pienso que si tengo algo que hacer es dar una
obra que no logra penetrar en el repertorio", declaró Boulez a la
emisora France Inter antes del concierto.
"He tratado de dar dos nombres que representan muy típicamente el
siglo XX musical", añadió al referirse a los dos compositores escogidos,
que forman parte de su repertorio predilecto como director de orquesta.
Pierre Boulez, que se impone desde hace 40 años como un director de
orquesta excepcional y exigente, solicitado en el mundo entero, había
obtenido ya un gran éxito al dirigir 'El pájaro de fuego' de Stravinsky
bajo la pirámide del Louvre en diciembre de 2008.
Unos turistas visitan las ruinas de Pompeya, en el sur de
Italia, el 27 de octubre de 2011. El derrumbe de un pilar de la célebre casa de
Loreio Tiburtinus multiplicó el jueves la alarma por ese conjunto único que
forma parte del Patrimonio Mundial de la Humanidad de la UNESCO
El
derrumbe de un pilar de la célebre casa de Loreio Tiburtinus en las
ruinas de Pompeya, cerca de Nápoles, multiplicó el jueves la alarma por
ese conjunto único que forma parte del Patrimonio Mundial de la
Humanidad de la UNESCO.
Un equipo de arqueólogos fue enviado al lugar para evaluar los daños,
pero el incidente no presenta ningún peligro para el público, según la
superintendencia para los bienes arqueológicos de Nápoles y Pompeya.
La casa atribuida a Loreio Tiburtino, pertenecía en realidad a
Octavius Quarto, una familia patricia y fue construida en el siglo II
antes de Cristo.
Lluvias y viento azotan en invierno las ruinas de Pompeya, entre los
parques arqueológicos más visitados en el mundo, el cual ha sufrido
graves daños en los últimos dos años debido al mal tiempo y a la falta
de un mantenimiento adecuado para un monumento tan delicado.
La residencia, una de las más bellas, con dormitorios decorados con
frescos, tiene un inmenso jardín e imitaba las villas urbanas de los
romanos.
El pilar que se derrumbó, de dos metros de altura y 40 centímetros de
ancho, se desprendió al parecer por el fuerte viento que azota desde
hace dos días esa región del sur de Italia.
Situada cerca de Nápoles, Pompeya fue sepultada por la violenta
erupción del Vesubio el 24 de agosto del año 79 y su descubrimiento en
1738 permitió tener un cuadro exacto de la vida romana durante el siglo
I. Desde 1997 está inscrita en la lista del Patrimonio Mundial de la
Humanidad de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación,
la Ciencia y la Cultura (UNESCO).
Cerca de 150 'domus' o casas están en peligro en Pompeya, según fuentes oficiales italianas.
Representa la hermandad de Suiza y Argentina en un monumento, donde dos mujeres se besan tomadas de la mano.
El curioso beso de Palermo
Por Eduardo Parise
Se inauguró el 7 de junio de 1914, en un día frío, junto al Tiro
Federal que, por entonces, estaba en Palermo. Y aunque la instalación
se vinculaba con el Primer Centenario de la Revolución de Mayo, el lugar
tenía que ver con una tradición suiza: el tiro al blanco. Por eso el
monumento estaba coronado con la “Esencia del tiro”, un símbolo
patriótico suizo. Pero eso no era lo más llamativo. Lo que convocaba más
miradas era la imagen que representaba el amor eterno de dos países,
algo que hoy hasta resulta natural, pero que, en ese entonces era una
verdadera osadía: dos mujeres desnudas, sentadas sobre un globo
terráqueo y unidas por un beso.
Se lo conoce bajo el título de
“Suiza y Argentina unidas sobre el mundo” y está en una plazoleta en
medio de la avenida Dorrego, entre Figueroa Alcorta y Lugones. Es una
gran mole de más de diez metros del altura, realizada en bronce y
granito por Paul Amlehn (1867-1931) pesa más de 50 toneladas y llegó a
Buenos Aires embalada en unas 70 cajas transportadas en el vapor
Rheinfeld. Había sido encargada por la Sociedad Filantrópica Suiza,
formada por residentes de ese lugar en la Argentina, para adherir a los
festejos del Primer Centenario.
Es que los inmigrantes suizos
conformaban una comunidad importante. Se estima que desde las primeras
décadas del siglo XIX, hasta mediados del XX, medio millón de suizos
vivían en la Argentina. Y la mayoría provenían de la zona del Ticino, de
habla italiana. Entre ellos, dos cuyos apellidos dejarían huella en
nuestra historia.
El primero era Carlos Enrique Pellegrini, padre
de aquel vicepresidente que, entre 1890 y 1892, completó el período de
gobierno del renunciante Miguel Juárez Celman. La otra era una nena de
un año que había nacido en la aldea Sala Capriasca, el 29 de mayo de
1892. Se llamaba Alfonsina Storni, una mujer que tras residir con su
familia en San Juan y en Rosario (en la ciudad santafesina, para marcar
su independencia, trabajó hasta como costurera a domicilio y obrera en
una fábrica textil) se convertiría en un símbolo del modernismo en las
letras argentinas.
Pero volvamos al monumento. Cuando la sede del
Tiro Federal se mudó hacia Núñez, fue desplazado unos cien metros hasta
el lugar en el que se encuentra ahora, cerca del Club Alemán de
Equitación. Bordeando el cantero que lleva hasta el pie de la obra están
las 26 banderas de la Confederación Helvética, el nombre oficial que
por razones históricas aún mantiene Suiza (estado federal desde 1848) en
recuerdo de los helvetas, una de las muchas tribus celtas que habitaron
su territorio antes de los romanos.
La unión de la madura Suiza
con la joven Argentina, fundida en ese beso y en esas manos tomadas con
amor, quedó como referencia de los homenajes que recibió nuestro país en
los tiempos del Primer Centenario. Pero no fue el único regalo
monumental que sirvió para engalanar a la Ciudad, conocida entonces como
“la París de América del Sur”. De ese momento también están las obras
obsequiadas por españoles, ingleses, estadounidenses, franceses,
italianos, colombianos y hasta sirio-libaneses. Y también el monumento
“La riqueza agropecuaria argentina”, un trabajo artístico del escultor
Gustav Adolf Bredow. Lo donó la comunidad alemana y desde 1918 engalana
la plaza que lleva el nombre de esa república, en Palermo. Pero esa es
otra historia.
El actor y cantante de opereta holandés fue una figura controvertida
por sus presuntos vínculos con el nazismo.Tenía 108 años.
El 16 de febrero de 2008 Johannes
Heesters, el cantante, actor y figura emblemática en la opereta alemana
Johannes Heesters, en Amersfoort, Holanda (Efe/ FREDRIK VON ERICHSEN).
El
cantante de opereta y actor de origen holandés Johannes Heesters,
considerado como el artista más viejo del mundo, según el Libro Guinness
de los records, murió hoy a los 108 años en Alemania. Figura
controvertida, por presuntos vínculos pasados con el nazismo, pero al
mismo tiempo admirado por su incombustible vitalidad, Heesters, pasó
los últimos años de su vida en su casa en el sur de Alemania, con su
esposa Simone, 45 años más joven que él. Una semana antes de llegar a
los 108 sufrió un desmayo y tuvo que ser ingresado en un hospital, lo
que precipitó un sinfín de informaciones en los medios alemanes
pronosticando un rápido final. El artista, que desarrolló la mayor
parte de su carrera en Alemania y que subió a escena alrededor de 9.000
veces, era conocido por su destacada participación en numerosas
operetas, entre ellas "La viuda alegre", del compositor austro-húngaro
Franz Lehár, donde interpretó uno de los roles principales. Nacido
el 5 de diciembre en 1903 en la ciudad holandesa de Amersfoort, debutó
sobre un escenario a los 17 años en Amsterdam. Se hizo un nombre y cobró
relevancia en la Alemania nazi, como intérprete de opereta y seductor.
Siguió en ese papel tras la Capitulación del Tercer Reich, como rostro y
cuerpo danzante habitual en musicales ligeros, tanto en teatro como en
televisión. Su carrera se desarrolló en Alemania, ya que en Holanda
se le boicoteó hasta hace apenas un par de años, por identificársele con
el nazismo. Un desliz, en 2005, calificando a Adolf Hitler de "gran
tipo" en un programa de la televisión alemana y un juicio contra un
historiador, que aseguraba que actuó en el campo de concentración de
Dachau en 1941 para los soldados nazis, reavivaron su polémica vida. "No canté en Dachau. Eso hubiera sido impensable. Intenté rebelarme, algo difícil con los nazis", dijo, años después.
La última aparición del artista fue en julio de 2010, con 106 años,
cuando se subió al escenario de la Berliner Ensemble, el teatro que
fundó Brecht.
En medio de una crisis financiera global, y
movilizado por la realidad nacional, el mercado del arte argentino
cerró la temporada 2011 con un nuevo récord de ventas.
Silenciados
ya los ecos del último golpe de martillo en las tarimas porteñas, es
posible suministrar algunas cifras que, con sólida elocuencia, ilustran
sobre la muy positiva performance protagonizada por el arte argentino en
la temporada de subastas de obras y objetos de arte.
A lo largo del año que concluye, las instituciones y
empresas que operan en este segmento del mercado realizaron unas 200
sesiones de subastas. En ellas se han vendido cerca de cinco mil obras
de autores argentinos por un valor equivalente a los 21,2 millones de
dólares.
Este volumen de ventas impacta si lo comparamos con los
17,6 millones logrados en las subastas de 2010. La diferencia entre
ambas cifras concreta un incremento del 20,5%, sin duda impensado en los
inicios de la temporada, y demuestra la capacidad del arte a la hora de
captar capitales carentes de demasiadas opciones de inversión válidas. A
no pensar en orígenes espurios de estos números. La aplicación que las
casas operadoras tuvieron que hacer de las normas dictadas en enero
pasado por la Unidad de Información Financiera convierte en leyenda
urbana la creencia de que el mercado estaba vinculado al lavado de
dinero.
A estos guarismos locales debemos adicionar los 4,5
millones de dólares registrados por la venta de 115 obras de artistas
argentinos en las subastas de arte latinoamericano que Christie's y
Sotheby's realizan en Manhattan.
El año mostró una demanda que se manifestó muy firme y
sostenida cuando la oferta puso en plaza obras de real valor y
trascendencia. Para éstas "no hubo techo". Pero, al mismo tiempo, esta
misma demanda se expresó con cierta reticencia y mucha selectividad
cuando las obras a la venta no poseían determinados niveles de
excelencia. La oferta, alentada por los buenos resultados del último
tramo del año 2010, abrió la presente temporada con propuestas acordes a
la firmeza evidenciada por el sector de compradores. La venta en los
remates porteños de nueve obras por valores superiores a los cien mil
dólares, cuando en el año anterior habían sido sólo dos, expresan esta
confianza a pesar de las cíclicas y reiteradas situaciones críticas que
agitan la vida nacional, signada además, en el año que cerramos, por los
avatares de un proceso electoral.
A la hora de elegir, los compradores, entre los que
figuran coleccionistas e inversores, así como quienes conjugan en
simultáneo ambos perfiles, evidenciaron un sano eclecticismo. Sus
compras abarcaron desde pinturas que podríamos denominar "clásicas",
como la austera imagen del Riachuelo creada por Víctor Cúnsolo que
encabeza el ranking de ventas del año o los paisajes de Fernando Fader,
hasta obras contemporáneas de artistas como Juan Melé, Nicolás García
Uriburu, Leandro Erlich, Nicola Costantino o Marcelo Pombo, que han
visto superar sus récords individuales en esta temporada.
Mucha cautela, poco glamour
Al comenzar la temporada 2011, los mayores operadores del
mercado habían dejado en el olvido el duro impacto y las prolongadas
consecuencias de la crisis iniciada en septiembre de 2008. Los guarismos
generales, así como los que miden los diversos rubros que componen el
mercado, iban acomodándose y dejando algunos saldos positivos que
permitían a los observadores ser optimistas. No obstante, la oferta
mantuvo cierta cautela, y la temporada careció de convocatorias teñidas
de ese glamour característico del ámbito internacional. Tal vez la
excepción haya sido la venta de alhajas y pertenencias de Elizabeth
Taylor.
El creciente protagonismo de China se ha consolidado en
el año, no sólo alistando a sus coleccionistas en la primera fila de las
salas del mundo, sino también proyectando sus empresas líderes hacia
más allá de sus fronteras. Tanto Poldy Group como Guardian, las dos
casas de subastas más importantes de Pekín, ya han abierto oficinas de
representación en Manhattan, y no descartan una operación más activa en
el futuro inmediato.
Con los resultados obtenidos entre enero y septiembre,
el Mei Moses Art Index ha elaborado una proyección de incremento general
para este año del 11,80%. Con su particular metodología de medición,
apoyada en el índice financiero Standard & Poor's, M&M advierte
en el rubro Impresionistas y Modernos un crecimiento del 17,3%; en los
Antiguos Maestros y siglo XIX, del 7,2%, y en el arte oriental, un
decisivo 24%. Para el arte contemporáneo, registra un reacomodamiento a
la baja del 4,7% y para el arte latinoamericano, una relativa paridad,
ya que establece un descenso de sólo un 1,1%.
Si bien la actual crisis de la eurozona puso un toque de
alerta en las operaciones, el rol del arte como espacio de refugio de
valor ha quedado, una vez más, plenamente validado.
21,2
millones de dólares
Fue lo recaudado este año en las subastas porteñas por la venta de cinco mil obras de artistas argentinos
20,5%
más que en 2010
Es el incremento registrado en 2011 en Buenos Aires, respecto de las subastas del año pasado
4,5
millones de dólares
Sumaron las ventas de 115 obras de artistas argentinos en las subastas de Christie's y Sotheby's en Manhattan.
El Gobierno de la Ciudad anunció que intentará reabrir la
tradicional Confitería del Molino, de Rivadavia y Callao, lo que
reclaman desde diversos sectores que impulsan la protección del
patrimonio arquitectónico porteño. Está cerrada desde 1997.
El
anuncio del Ministerio de Desarrollo Urbano se hizo un día antes de la
manifestación que convocaron para hoy al mediodía un grupo de ONGS,
frente a la confitería. Será para reclamar que no se deje caer la ley
porteña que protege a los edificios construidos antes de 1941, que el
bloque del PRO no trató en la Legislatura por decisión del Ejecutivo.
Esa ley, que vence el 31 de diciembre, obliga a pedir autorización antes
de demoler edificios de más de 70 años de antigüedad.
Según
explicó a este diario el ministro de Desarrollo Urbano, Daniel Chain, el
Ejecutivo enviará a la Legislatura un proyecto para que se utilice la
figura del “privado expropiante”, previsto en la ley 238. Así, se haría
un concurso público, en el que se presentarían proyectos para recuperar y
reabrir la confitería. Una vez que se sepa quién es el ganador, la
Legislatura deberían declarar al lugar “de utilidad pública” y autorizar
a ese privado a actuar como “expropiante”, en reemplazo del Estado. Es
decir que los dueños del local no podrían objetar la operación.
En
la Legislatura porteña ya hubo en los últimos años varios proyectos de
diputados de la oposición para que la Ciudad expropie la confitería,
pero ninguno prosperó. Incluso en el Congreso Nacional se presentaron
iniciativas para la recuperación de la confitería, que tampoco se
concretaron.
Lo que durante muchos años trabó la reapertura de la
confitería es que la propiedad estaba en complicado proceso de sucesión.
Ahora, ante la consulta de este diario, Chain dijo que en el Gobierno
no tienen información sobre quiénes son los dueños y cuál es la
situación de la propiedad, pero afirmó que “la expropiación le pasa por
arriba a los temas sucesorios”.
PROTEGIDA. UN OBRERO TRABAJA EN EL RECICLAJE DE UNA VIEJA VIVIENDA.
Varias ONGs dedicadas a la protección del patrimonio
arquitectónico anunciaron que irán a la Justicia para intentar que se
estiren los efectos de la ley que protege a los edificios porteños anteriores a 1941 . Además, convocaron para hoy a las 12 a una manifestación frente a la cerrada Confitería del Molino , que es un símbolo del deterioro del patrimonio urbano de la Ciudad. Una
ley que vence el próximo 31 de diciembre establece que todo el que
pretenda demoler una construcción anterior a 1941 debe solicitar
autorización al Consejo Asesor de Asuntos Patrimoniales (CAAP). Este
organismo evalúa si el inmueble en cuestión tiene valor desde el punto
de vista arquitectónico o histórico y en consecuencia decide si da o no
la autorización. Distintos bloques de la oposición en la
Legislatura intentaron que la ley se prorrogara por otro año, pero el
bloque del PRO, que es la primera minoría, rechazó que el tema fuera
tratado en el recinto. Ayer, ante la consulta de Clarín , en el ministerio de Desarrollo Urbano no quisieron opinar sobre el tema. “Impulsamos que la Justicia actúe, frente a la negativa del Ejecutivo a cumplir con su obligación constitucional de preservar el patrimonio de la Ciudad
. Y decimos el Ejecutivo porque la orden a los legisladores macristas
de no tratar la ley vino del Gobierno”, dijo Santiago Pusso, de Basta de
Demoler, una de las organizaciones que presentarán la acción de amparo
junto a Fundación Ciudad, Proteger Barracas, Salvar Floresta y SOS
Caballito, entre otras. También la Comisión Nacional de Monumentos
y Lugares Históricos advirtió que los bienes arquitectónicos pueden
“quedar librados a su destrucción por operaciones especulativas,
produciéndose así un daño irreparable al rico patrimonio de nuestra
Ciudad”.
La policía sospechaba de él y lo detuvo. Llegó a negar su amistad con el poeta Apollinaire.
DE PELÍCULA. EN EL RODAJE DE “LA BANDA DE PICASSO”:
FERNANDO COLOMO, IGNACIO MATEOS (PICASSO), A SU LADO, EL COACH DE
FRANCÉS, RAPHAËLLE AGOGUÉ (FERNANDE OLIVIER) Y PIERRE BÉNÉZIT (GUILLAUME
APOLLINAIRE).
Por Guido Carelli Lynch
Cuando Pablo Picasso tuvo que elegir entre su futuro de gloria o
un gran amigo, no dudó: se quedó con la primera opción. La segunda
posibilidad tenía –es cierto– algunas consecuencias indeseables, como la
cárcel o la mismísima expulsión de Francia, que bien podría haber
significado el final de su prometedora carrera. La policía francesa
sospechaba que el creador del cubismo formaba parte de una banda
internacional de traficantes de arte; no de cualquiera; sino de la que
se quedó durante un buen tiempo con la obra más famosa y deseada de
todas; la Mona Lisa, de Leonardo Da Vinci.
Las sospechas
incluyeron la detención del poeta Guillaume Apollinaire en septiembre de
1911, un mes después de que la Gioconda desapareciera del Louvre y
hasta un interrogatorio al futuro autor del Guernica. También
existió un dramático careo entre los dos amigos en el que Picasso negó
conocerlo. El pintor, que apenas había pasado los 30, vio a su amigo
esposado y asustado, pasó dos días preso, pero no titubeó cuando los
enfrentaron y le preguntaron si lo conocía. “Jamás lo he visto”, dijo.
Las
conjeturas de la policía no eran del todo infundadas. Cuatro años
antes, en 1907, el genio español y Apollinaire sí estuvieron implicados
en otro golpe al museo. El belga Joseph Géry Pieret, amigo del poeta,
robó dos antiguas estatuillas ibéricas que terminaron en la casa de
Picasso, por el irrisorio precio de 50 francos. En 1911, Pieret robó una
tercera pieza que luego devolvió a través del Jornal del París. Picasso
utilizó las dos primeras piezas para plasmar Las señoritas de Avignon, que marcó tal vez un punto de inflexión en la historia de la pintura universal.
La
verdadera trama de este embrollo pasó desapercibida hasta que Fernande
Olivier, la modelo y por aquellos años amante de Picasso, publicó mucho
años después, en 1933, el trasfondo de esta historia en su libro de
memorias Picasso y sus amigos, prácticamente inhallable en la
Argentina. “Fue ella quien contó que quisieron deshacerse de las obras y
que Picasso era partidario de tirarlas al Sena, cosa que intentaron,
pero al final no se atrevieron porque creyeron que los perseguían.
Finalmente Apollinaire las vendió en forma anónima a través del Paris
Jornal y entonces los pillaron”, explica el director de cine español
Fernando Colomo, que se pasó buena parte de los últimos siete años
investigando el naufragio de esa amistad. Lo dice, por teléfono, en
Budapest, durante un alto en el rodaje de La banda Picasso, que
se estrenará a mediados de 2012. “Se creyó que era una banda
internacional porque era Gery Pieret era belga, Apollinaire tenía un
pasaporte ruso (aunque había nacido en Italia) y Picasso era español.
Cuando desapareció la Mona Lisa, los diarios de la época sugirieron que la policía estaba tras los
pasos de una banda que había llegado a la capital francesa para robar
grandes obras de arte. “A Apollinaire le cambió la vida, porque para
conseguir la nacionalidad francesa, tuvo que incorporarse como
voluntario en la primera Guerra Mundial, en la que resultó herido. Como
consecuencia de esas lesiones moriría dos años después, víctima de la
gripe española. No es una simple anécdota”, dramatiza Colomo, que eligió
hacer una película de ficción, “la única forma de llegar al fondo de la
historia”.
Para el director, esta tragicomedia irónica y la
trama policial son una excusa para hablar de una manera muy personal y
libre del nacimiento del cubismo y del arte moderno en general. Aparecen
personajes como Braque, como Matisse. “Quería hablar sobre Apollinaire y
Picasso, sobre la traición, pero también quería hablar de los grupos de
artistas, las amistades, los egos y sus rencillas”, insiste el
realizador español.
El protagonista Picasso es antes que un
héroe, un personaje lleno de contradicciones. “No queda muy bien porque
es un personaje que –entre la amistad y el arte– elige ser el jefe del
arte moderno. Ese episodio podría haber acabado con su carrera, porque
Picasso y Apollinarie temían en realidad que los expulsaran de Francia”.
Recién sobre el final de su vida Picasso se animó a hablar de
aquel incidente: “¿Se acuerdan del asunto en el que me vi envuelto
cuando Apollinaire robó unas figuras del Louvre? Bien, ¡si miran las
orejas de Las señoritas de Avignon reconocerán las orejas de
estas piezas escultóricas”. Quienes también miren la película de Colomo
verán además una amistad fracasada.
Fuente: clarín.com
Giotto di Bondone (1267-1337), Basilique Assise, Legend of St Francis,
El escritor soñaba encontrar Buenos Aires tal como la pintó su admirado autor.
UNA VISITA A LA TIERRA DE LOS CUENTOS. PAMUK AYER,
ANTES DE LA CONFERENCIA, EN EL MALBA. ALLÍ, UNA FOTO DE BORGES TOMADA
POR ANNEMARIE HEINRICH.
Por Guido Carelli Lynch
El auditorio y el hall principal del Malba colmados no
afectaron, ayer, la sinceridad del Premio Nobel turco Orhan Pamuk. “Debo
confesar que yo pensé tanto en visitar esta ciudad y al final, ésta ha
sido una visita nostálgica y desilusionante en un punto”, sentenció el autor, que hoy volaba de regreso a Nueva York, donde vive un semestre al año.Pamuk
se va del país desilusionado y no importan las señoras que se peleaban
para ganarse un lugar en la sala. Pero la culpa, en buena medida, la
tiene el escritor, que vino a buscar la Buenos Aires de Borges. “Quería
conocer la Buenos Aires de Borges y toda la gente a la que le expresé
ese deseo me dijo que esa ciudad había desaparecido hace 50 años”. Mala
suerte para el Nobel. “Buenos Aires me hizo acordar a una ciudad
europea, pero también pude captar lo local, que tiene su aspecto pobre e
internacional a la vez”, reflexionó. Prolijo, de pantalones
azules, remera y saco negro; el Nobel escuchó la introducción y las
preguntas de la escritora y periodista de Matilde Sánchez
sin levantar la mirada. Durante un rato se entretuvo con la lapicera, se
desabrochó el reloj y lo apoyó sobre la mesa. A la hora de contestar,
miraba a Sánchez; casi nunca al público. “Pamuk escribe a partir
de un anhelo de clasicismo y de universalidad. Escribe con caligrafías
de mosquito y tiene buen sentido del humor”, lo presentó la periodista.Algo de sentido del humor mostró cuando se refirió a La vida nueva, su novela más compleja. “Es un libro muy difícil y abstracto, si no
quieren torturarse no hay que comprarlo”. También, cuando a una de las
preguntas del público, sobre el final, contestó que la crítica literaria
que prefiere es aquella que celebra sus libros. Para no
romper el hechizo prohibió que le hicieran preguntas sobre política.
Sin embargo, no evitó referirse a la dicotomía entre Oriente y Occidente
que atraviesa a su país. “El orientalismo es la dominación occidental,
la invención de un oriente mítico. La tensión sobre si Turquía debe ser
más occidental u oriental afecta las formas de nuestra ciudad”.Pero realmente se lo notó entusiasmado cuando tuvo que explicar su relación con la literatura, una cuestión que aborda en El novelista ingenuo y el sentimental, el libro de ensayos que lo trajo al país y también a Chile y Uruguay.
“Quiero ser un novelista ingenuo, porque se puede ser juguetón e
infantil en forma calculada. Hay que dejarse llevar por la fuerza de la
historia, sentir que es buena. Hay que entregarse con una creencia
mística en los poderes de la escritura: eso es la inocencia y la
ingenuidad y todos deberían probarlas”, sentenció. Pamuk aconsejó
no preocuparse demasiado por el poder de las palabras. “Sólo hay que
estar seguro de ellas y eso redunda en la verdad. Hay algo trascendente,
algo oscuro, escondido, secreto. ¿Cuál es el significado de la vida?
Eso es lo que uno se pregunta cuando lee Anna Karenina. Eso es la profundidad de lo que se narra”, largó sin pausas antes de que lo envolviera un aplauso, tímido al principio.
AUTOR BAJO CUSTODIA
Quizás la vida Pamuk no hubiese cambiado tanto si un año antes de
recibir el Nobel, en 2005, no hubiera reconocido públicamente la
existencia del genocidio armenio y kurdo a manos de los turcos en 1915.
“30 mil kurdos y un millón de armenios han sido asesinados en Turquía.
Nadie se atreve a mencionarlo. Por eso yo lo digo”, señaló el escritor
durante una entrevista con una revista suiza. Por esas expresiones fue
demandado y después absuelto, acusado del delito de “insulto contra la
identidad turca”. En 2009, la Corte Suprema turca hizo lugar al pedido
de seis nacionalistas, que reclamaban al autor una compensación de 16
mil euros. Finalmente Pamuk fue obligado a pagar 3 mil. Ahora, en su
país, siempre está custodiado por guardaespaldas.
Proyecto Turbinegeneration / Acuerdo entre la Fundación Proa y la Tate Gallery.
Compartieron actividades creativas y educativas online a través de una plataforma virtual.
Una
treintena de chicos de Villa Soldati se transformaron por unas horas en
pequeños artistas contemporáneos y compartieron sus creaciones con
chicos ingleses. Fue posible gracias a un programa de la Tate Gallery de
Londres, que tras un acuerdo con la Fundación Proa desembarcó en estas
tierras con una primera experiencia de la mano del artista español
Albert Potrony.
Los chicos realizaron una actividad vinculada al arte
digital y el video en simultaneidad con alumnos de Inglaterra, con los
que intercambiarán online sus archivos y sus experiencias.
La Fundación Proa, autora de la iniciativa, es la primera
institución argentina en ser invitada a sumarse al programa educativo
denominado Turbinegeneration, desarrollado por la Tate Gallery de
Londres, una de las instituciones de arte contemporáneo más destacadas
del mundo.
El programa apunta a promover el acercamiento de los
estudiantes al arte contemporáneo, período poco frecuente en la
educación artística, que suele estar más focalizada en la enseñanza -y
la práctica- de lo clásico, lo antiguo y lo moderno. Busca además
intercambiar experiencias con actores e instituciones culturales de todo
el mundo, al tiempo que los chicos aprenden a manejar los lenguajes de
la producción creativa.
Turbinegeneration conecta escuelas, galerías,
instituciones culturales y artistas a través de una plataforma virtual.
Es una red social "privada", a la que hay que suscribirse. El portal fue
lanzado en octubre del año pasado y es patrocinado por la Unesco. Ya
cuenta con más de 85.000 usuarios registrados en 143 países. Luego de su
incorporación al programa, el departamento de Educación de Proa está
formando la red local de Turbinegeneration. Se invitará a artistas
jóvenes, instituciones culturales y a escuelas públicas, en especial de
la zona sur de la ciudad.
"Queremos que sea un proyecto de todos. Para nosotros y
para los chicos es una oportunidad única", dijo la directora del
Departamento de Educación de Proa, Paulina Guarnieri, que destacó la
posibilidad de un intercambio internacional con instituciones de primer
nivel, para poder "reflexionar sobre nuestras realidades a partir del
arte y conocer otras".
CONEXIÓN
El artista español Albert Potrony viajó especialmente a
Buenos Aires para dar el puntapié de este lanzamiento y coordinar el
taller con alumnos de la escuela primaria William Morris, en Villa
Soldati.
"Lo más importante es que los chicos empiecen a tener una
conexión con el arte contemporáneo a partir de la propia creación
-explicó a LA NACION-. El segundo objetivo es la red de colaboración que
nos permite crear y explorar juntos a partir de la plataforma web. Este
proyecto se basa en el diálogo y la participación."
De la actividad participaron 32 chicos de quinto grado,
además de sus docentes de plástica, inglés y computación. Como se trata
de una propuesta multidisciplinaria, en la que los chicos además de
hacer sus creaciones deben compartirlas con pares de Inglaterra, se
requieren conocimientos en esas áreas.
El eje central de la propuesta de ayer fue "Mi espacio y
mi tiempo". Los chicos realizaron acciones artísticas materializadas con
objetos y dibujos que les permitieron pensar cómo es un día en sus
vidas, qué sonidos escuchan, qué imágenes son más cotidianas y cuáles
menos.
Potrony calificó de "fantástica" la experiencia en Villa
Soldati. "Respondieron al reto de manera alucinante. Me voy muy
contento", confesó. El artista español participó de la presentación
formal del programa, a la que fueron invitados supervisores, directivos,
docentes, así como artistas jóvenes e instituciones relacionadas con el
arte para que se suman a la red. Estuvieron representantes del Malba,
de Telefónica, miembros de los ministerios de Educación de la ciudad, la
provincia y la Nación, además de artistas contemporáneos, como Fernanda
Laguna y Leandro Tartaglia, directivos y docentes.
