QUIEREN A VARGAS LLOSA AL FRENTE DEL CERVANTES

Se trata de la mayor institución de difusión del idioma español y la cultura de Iberoamérica.

QUIZÁS, QUIZÁS, QUIZÁS. EL PERUANO NO RESPONDIÓ AUN A LA PROPUESTA DEL GOBIERNO DE ESPAÑA.

Por Madrid. Agencias Efe, Ap.

Nobel en octubre de 2010, Marqués unos meses después y ahora ¿embajador de la cultura iberoamericana? El último par de años no fueron avaros en reconocimientos, honores y propuestas al escritor peruano Mario Vargas Llosa. Para coronar, el gobierno español de Mario Rajoy (Partido Popular), acaba de proponerle la dirección del Instituto Cervantes. Y se ve que tienen tantas ganas de que acepte, que acaban de crear el cargo de presidente –y todo un nuevo organigrama institucional– especialmente para él, porque entienden que la agenda del Premio Nobel de Literatura 2010 no da para dedicarse exclusivamente al Cervantes.

Hasta ahora, esa institución no tenía presidente sino un director. Y hasta ahora ese cargo lo venía desempeñando, desde 2007, Carmen Caffarel. Las dos cosas parecen estar a punto de cambiar.

Si Vargas Llosa acepta, claro. Por el momento, sólo ha comunicado que lo está pensando. Si Don Mario da el sí, se convertiría en una especie de embajador de la cultura iberoamericana en el mundo, informó ayer un funcionario del ejecutivo a la agencia AP.

No es la primera vez que el Partido Popular lo tienta a Vargas Llosa con esta propuesta. Ya lo había hecho José María Aznar en 1996, pero se topó con la negativa del autor.

Y no vaya a creerse que es una cuestión de afinidad ideológica tan sencilla: en las últimas elecciones el peruano, que tiene la nacionalidad española desde 1993, llamó a votar por la centrista Unión, Progreso y Democracia (UPyD).

El autor de Conversación en la Catedral, La guerra del fin del mundo y Pantaleón y las visitadoras, entre muchos otros libros, estaría hoy en Londres. Y no se ha pronunciado públicamente sobre la impresión que le ha causado la propuesta del gobierno de España.

Sin embargo, en el “entorno del Cervantes se da por hecho su desembarco”, escribió el diario español El Mundo.

El ofrecimiento fue cursado a través del canciller, José María García Margallo. Según escribió El País, Mario Vargas Llosa no desarrollaría labores ejecutivas sino un rol de “representación”.

De acuerdo a algunas versiones, el último hispanohablante (y escribiente) en recibir el Premio Nobel de Literatura, podría dar su respuesta mañana.

Credenciales para representar a la cultura iberoamericana no le faltan al peruano. Veremos qué decide.

EL INSTITUTO CERVANTES

Fue creado en 1991. Tiene un presupuesto anual de más de 100 millones de euros. Y sostiene 77 centros en 44 países de los cinco continentes. En todos ellos se dan clases de español y se realizan numerosas actividades culturales. Vargas Llosa, de 75 años, ya forma parte desde hace veinte años del patronato del Cervantes, un órgano rector cuya presidencia de honor ocupa el rey Juan Carlos I.

Fuente: Clarín.com

145 ANIVERSARIO DEL POETA RUBÉN DARÍO

La tumba del poeta nicaragüense Rubén Darío en la catedral de La Asunción, en la localidad de León, a 90 kilómetros de la capital, Managua.

Por Elmer Martínez

Nicaragua inicia este miércoles las celebraciones por el 145º aniversario del natalicio de su poeta Rubén Darío (1867-1916), con una ceremonia oficial, ponencias sobre su legado y actos culturales que durarán una semana, informó el martes una fuente oficial.

Los festejos arrancarán con un acto solemne en el Congreso, en Managua, y la colocación de una ofrenda floral en su tumba, en la Catedral de la ciudad de León, por parte del obispo Bosco Vivas, anunció el Instituto Nicaragüense de Cultura (INC).

Los homenajes se centrarán en León, a 90 kilómetros al noroeste de la capital, donde destacados intelectuales nacionales y extranjeros expondrán sobre su legado y sus principales obras: 'Azul' (1888), 'Prosas Profanas' (1896), 'Cantos de Vida y Esperanza' (1905) y su ideario político y social.

La jornada dariana, el 18 de enero, incluirá recitales de poesía y una noche de canto y música en la plaza central, ubicada frente a la catedral de León.

Monumento ‘Canto a la Argentina’ de Rubén Darío,  Plaza Rubén Darío, Avenida del Libertador y Austria, Buenos Aires. Su autor fue el brillante escultor José Fioravanti, Escuela Argentina, 1896-1977.

Darío fue "el gran renovador de la lengua española", iniciador de "todo un movimiento de renovación de las letras y la literatura, que se denominó Modernismo" y cuyo "legado aún sigue vigente", afirmó a AFP el jurista, escritor y estudioso de sus obras Carlos Tunnermann.

Darío nació en 1867 en ciudad Darío (norte), vivió su niñez en León y a los 15 años se trasladó a Managua, donde pasaba horas leyendo las obras de clásicos franceses en la única biblioteca que había entonces en la capital.

Fue un hombre "con ideas progresistas, liberales" y un autodidacta que se firmó bajo la influencia de la literatura francesa, subrayó Tunnerman.

Defendió la unidad centroamericana en el poema 'Nicaragua y sus hermanas' y en varios de sus escritos expresó una profunda preocupación por su tierra natal.

Encabezó movimientos literarios en Chile y Argentina, así como en España y Nicaragua.

El poeta francés Paul Fort lo bautizó en 1912 como el "príncipe" de las letras castellanas, en reconocimiento a sus obras, mientras que el argentino Jorge Luis Borges lo llamó 'El Libertador', porque "libró al español de las ataduras de la poesía clásica", dijo Tunnermann.

Un hombre se dispone a colocar una corona de flores en el monumento a Rubén Darío el miércoles 18 de enero en Managua, con motivo del 145 aniversario del nacimiento del poeta nicaragüense.

Fuente: AFP

PEDRO FIGARI Y LOS ESCRITORES

 

A un siglo y medio de su nacimiento

PEDRO FIGARI

Hugo García Robles 

EL PERFIL MÚLTIPLE y renacentista del Dr. Pedro Figari (1861-1938) constituye por sí solo un cosmos donde caben la pintura, la jurisprudencia, la literatura, el periodismo y la actividad política. Al mismo tiempo, con una personalidad dueña de tantas aristas, se suele dejar fuera alguna cuando se intenta describir su rica y variada obra. Por ejemplo, su proyecto de desarrollar a nivel industrial conceptos artesanales, idea que cuaja en la Escuela de Artes y Oficios, previa históricamente a la propia Bauhaus.

En este año se cumplen ciento cincuenta de su nacimiento en Montevideo y no ha sido desarrollada, por la numerosa investigación crítica que ha asediado su figura, la relación que mantuvo con la literatura, los escritores en general y los poetas en especial.

Figari comenzó a pintar exclusivamente cuando alcanzó los sesenta años de edad. Puede decirse que pintó siempre, mientras su vida corría por los carriles de su condición de abogado, político y periodista. Cuando llega a la sexta década de edad la pasión pictórica se convierte en avasallante y exclusiva: se consagra sólo a pintar. Deja unas cuatro mil obras.

Antecedentes rioplatenses

Figari rescata con su pintura la vida del gaucho y sus danzas, con la misma capacidad documental con que abordó el mundo afro de los candombes y velorios, la vida social en general y el universo del tango.

Con referencia al gaucho, su visión se superpone a la de Leopoldo Lugones, cuyo libro El Payador publicado en 1916, a partir del examen del Martín Fierro de José Hernández, reivindica al gaucho como pieza clave en la vida social, económica y política del Río de la Plata. 
En El Payador, las citas que hace Lugones de la música de danzas folclóricas argentinas provienen del monumental trabajo de recolección realizado por don Andrés Chazarreta y que publica a partir de 1905.

La referencia más nítida de la relación de Figari con la literatura se encuentra en Jorge Luis Borges. En el libro Figari, publicado en Buenos Aires en 1930 por la Editorial Alfa, el escritor se extiende en jugoso texto a propósito del óleo titulado "El entierro del Borracho", que se encuentra en la capital argentina en una colección privada. Comienza esquivando la responsabilidad que le endosan los editores: "Consideré lo intruso de mi voz en materia pictórica, fui visitado de temores que creí razonables. Reflexioné después que la casi inmejorable ignorancia de la pintura que todos me conocen, versa íntegramente sobre la técnica, y eso me recordó la única técnica de que poseo algunas noticias, la literaria".

Después de otras excusas entra en materia: "He mirado con frecuente amor esas telas... Figari, pinta la memoria argentina. Digo argentina y esa designación no es un olvido anexionista del Uruguay, sino una irreprochable mención del Río de la Plata que, a diferencia del metafórico de la muerte, conoce dos orillas: tan argentinas la una como la otra, tan preferidas por mi esperanza las dos." 

PEDRO FIGARI, Escuela uruguaya, 1861-1938.

"Éxodo del pueblo uruguayo"

Óleo sobre tela. Mide 88 x 176 cm.
Certificado de autenticidad extendido por Angel Lires Giraldes de Galería Witcomb, con fecha 12 de julio de 1960. Según el citado certificado de autenticidad, es la tela más grande pintada por el artista.
Obra presentada bajo el nº 36 del catálogo de a Exposición de Pedro Figari organizada por la Comisión Nacional de Bellas Artes del Uruguay, en Montevideo, agosto - septiembre de 1945. Reproducida a toda página en dicho catálogo.
En el reverso lleva etiqueta del inventario sucesorio del Arq. Herrera Mac Lean (nº 48).
Ex-colección J. P. Guillermo Staudt y Martha Facio de Staudt, Estancia Benquerencia, San Miguel del Monte,  Prov. de Buenos Aires.

Vendido en 160.000 dólares estadounidenses en Buenos Aires, en agosto de 2011.
Colección privada, Buenos Aires.

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Borges vio con claridad lo que toda la crítica ha detectado en Figari: que sus cartones son el resultado de bucear en su memoria, que su pintura era hija del recuerdo. Insiste más adelante: "El criollo que formó la entera nación, ha preferido ser uno de muchos, ahora. Para que honras mayores sean en esta tierra, tienen que olvidar honras. Su recuerdo es casi un remordimiento, un reproche de cosas abandonadas sin la intercesión del adiós. Es recuerdo que se recata, pues el destino criollo así lo requiere, para la cortesía y perfección de su sacrificio. Figari es la tentación pura de ese recuerdo".

Y termina: "Esas inmemorialidades criollas -el mate compartido de la amistad, la caoba que en perenne hoguera de frescura parece arder, el ombú de triple devoción de dar sombra, de ser reconocido de lejos y de ser pastor de los pájaros, la delicada puerta cancel de hierro, el patio que es ocasión de serenidad, rosa para los días, el malón de aire del viento sur que deja una flor de cardo en el zaguán- son reliquias familiares ahora. Son cosas del recuerdo, aunque duren, y ya sabemos que la manera del recuerdo es la lírica. La obra de Figari es la lírica."

Girondo, Silva Valdés, AmorIm y Figari. En el sector de la obra de Oliverio Girondo no recogida en volumen se encuentra el "Figari pinta" que el gran poeta argentino consagra al pintor oriental y que vale la pena citar siquiera parcialmente porque además de su belleza acierta en el blanco de significados e intenciones del artista en el mismo sentido que lo hizo Borges. El poema de Girondo comienza así: "Pinta cielo tordillo,/ nube china,/ campo llano y callado y compañero,/ con blanco mazamorra,/ gris camino,/ ocre parva/ o celeste lejanía;/ en silla petizona/ -pelo bayo-/ el mate corazón- ¿nido de hornero?".

El poema termina de manera categórica: "ante tanta visión/ reflorecida/ -con perenne fervor y gesto macho-/ por la criolla paleta socarrona/ donde exprime su lírica memoria".

Como Borges, Girondo anota memoria y lirismo como esenciales en la pintura de Figari.

Era previsible que Fernán Silva Valdés, fiel a su nativismo, desembocara en Figari. El motivo coyuntural que lo origina es la muerte del pintor, ocurrida el mismo día que la del novelista Carlos Reyles. El poema se titula "Romance para la muerte de Carlos Reyles y Pedro Figari". Se detiene en una descripción de la obra del novelista, encuadrándola en su andalucismo de toreros y cante. Para Figari se apoya en la fase cromática y dice:

"Figari el de los colores/ con cielo y con sol compuestos;/ colores ¡ay, qué colores:/ como de pájaros hechos!/ Con ellos vistió los gauchos/ con ellos vistió los negros,/ y las chiruzas tristonas/ de lazo y moña en el pelo;/ y los patios dieron flores,/ y las parejas en celo/ rociaron sus corazones/ con el pincel de don Pedro.// Corazones de naranja,/ corazones de celeste,/ miradas color cachimba/ y amores de rayo verde./ Figari el de los candombes/ -tembladerales de negros-". 

PEDRO FIGARI, AUTORRETRATO

Enrique Amorim según Fernando Saavedra, descendiente de Figari, que lo sabe por tradición familiar, mantuvo una amistad muy íntima con el pintor. El tema de las quitanderas insertado en la novela La carreta tiene su eco plástico en Figari. Pero hay más, Amorim publica su "Romance a Don Pedro Figari", en el diario La Mañana de octubre 13 de 1938. La palabra "quitandera", de origen brasileño y aún de raíces portuguesas, alude al vendedor de dulces comestibles (quitandas), pero se extiende además hacia las mujeres que comerciaban con el sexo. Como las soldaderas de la Revolución Mexicana. El pintor, apoyado en Amorim, les da forma plástica. El "Romance a Don Pedro Figari" aludido nace el día que muere el pintor:

"Siga tranquilo, don Pedro/ al paso, por su leyenda/ de rosados caseríos/ con aljibes y con negras/ Siga tranquilo don Pedro,/ resucitando taperas,/ entre el polvo remolón/ de sus últimas carretas,/ que con ventaja de un día/ ya corre en la diligencia/ salpicada de lechuzas/.../ Don Pedro Figari ha entrado/ esta noche en su leyenda".

Resulta significativa la recurrencia del romance octosílabo, la misma medida de los versos del Martín Fierro. El tono coloquial que anima a esos textos demuestra que no lograron eludir la nítida naturalidad de los cartones de Figari y su rústico refinamiento. 

Fuente texto y foto P. Figari: elpais.com.uy

LA ACRÓPOLISY OTROS SITIOS ARQUEOLÓGICOS GRIEGOS"SE ALQUILAN" PARA PUBLICIDAD

Fuegos artificiales con motivo de la Nochevieja estallan sobre las ruinas del Partenón, el gran templo de la colina de la Acrópolis, en Atenas, el pasado 1ro. de enero de madrugada.

Por Aris Messinis

Grecia ha decidido permitir que la publicidad utilice sus famosas ruinas y sitios arqueológicos, empezando por la Acrópolis, iniciativa considerada durante décadas como un sacrilegio por los arqueólogos, indicó el martes una fuente del Ministerio de Cultura.

Esta decisión, tomada en momentos en que Grecia, hiperendeudada, intenta rellenar las vacías arcas públicas, forma parte de una serie de disposiciones destinadas a "facilitar" el acceso al patrimonio del país, y garantizar de este modo su promoción, afirmó.

Los fondos que se consiga, asignados a la Caja de Recursos Arqueológicos, serán entregados a los sitios para su vigilancia y mantenimiento. El uso con fines comerciales de los sitios y antigüedades griegas era hasta ahora competencia exclusiva del Consejo Central de Arqueología (KAS), muy quisquilloso en cuanto a la conservación del patrimonio.

Durante décadas, sólo unos pocos elegidos, entre ellos la cineasta greco-canadiense Nia Vardalos y el estadounidense Francis Ford Coppola, fueron capaces de filmar en la Acrópolis, al tiempo que las filmaciones y la fotografías publicitarias eran excluidas.

Una circular ministerial fechada a finales de diciembre establece ahora las nuevas reglas, que incluyen las condiciones para el arrendamiento de los sitios para eventos, por ejemplo un pago de 1.600 euros diarios para una filmación profesional de la Acrópolis.

El ministerio, sin embargo, subrayó que esta utilización quedaba sometida a una serie de condiciones, en un país muy meticuloso en cuanto al prestigio de su patrimonio, y que sospecha a los acreedores del país, a la UE y al FMI, de empujarlo a vender sus riquezas históricas y naturales. "Están alquilando el Partenón" tituló así, el martes, indignado, el diario popular de derecha Eleftheros Typos.

Fuente: AFP

LOS BUCÓLICOS PAISAJES DE DAVID HOCKNEY LLENAN DE COLOR LA ROYAL ACADEMY

El artista británico David Hockney posa para los fotógrafos con un cigarrillo al presentar 'David Hockney: A Bigger Picture', en la Royal Academy of Arts de Londres, el 7 de septiembre de 2011. La exposición arranca el 21 de enero hasta el 9 de abril de 2012.

Por Claudia Rahola

Movido por un insaciable deseo de innovar y una pasión por la tecnología, el artista británico David Hockney recrea los bucólicos paisajes de la campiña inglesa con su explosiva paleta de colores en una nueva muestra que se inaugura el sábado en la Royal Academy de Londres.

A sus 74 años, este precursor del 'Pop Art' británico ha dejado muy atrás las piscinas que le valieron reconocimiento internacional después de instalarse en Los Angeles en 1964 buscando la intensa luz de las películas de Hollywood, aunque sus obras conservan la luminosidad y los colores californianos.

La exposición 'A Bigger Picture' ('Una imagen más amplia'), cuyo título se refiere tanto al formato de varias de las obras presentadas como a una visión más general del mundo, es fruto de un productivo reencuentro de este artista que nunca ha cesado de evolucionar con su Yorkshire natal.

"Es un paisaje que conozco desde mi niñez, tiene significados. Pero nunca pensé en él como tema hasta hace 10 años", declaró el artista en septiembre, en una excepcional rueda de prensa de presentación.

Aunque generalmente regresaba a esta apartada región del norte de Inglaterra para la Navidad, Hockney la redescubrió realmente a partir de finales de los años '90, cuando pasó varios meses en su casa familiar de la pequeña localidad de Bridlington para poder estar cerca de un amigo con cáncer terminal.

"La primera vez que me quedé, me di cuenta de cuán bello era el invierno. No es blanco y negro, no es gris. En realidad a veces hay muchos más colores que en verano", explicó en la misma ocasión el artista que ha pasado largas horas observando el terreno.

En 2004, se estableció en Bridlington y se puso trabajar en lo que los comisarios de la muestra consideran como uno de los "períodos más prolíficos" de este artista que pinta "obsesivamente" en papel o en su inseparable iPad.

"Se ha reinventado como pintor de paisajes", explicó uno de los comisarios de la muestra, Marco Livingstone.

Aunque Hockney nunca planeó esta evolución, el género estaba ya presente en su obra, como ilustran dos perspectivas de Yorkshire pintadas cuando era sólo un estudiante de arte en 1956, una vista de las colinas de Los Angeles de 1980 bajo un cielo que es un plano de la ciudad, o su espectacular panorámica del Gran Cañón de finales de los 1990.

El resto de los cuadros seleccionados, a menudo monumentales pero siempre fragmentados en paneles para facilitar el trabajo y el transporte, fueron creados en los últimos años, algunos especialmente para la muestra, como el espectacular 'The arrival of spring in Woldgate, East Yorkshire' (2011) que preside la mayor sala.

Dominados por colores vivos como el violeta, el azul, el verde, el naranja o el amarillo, que les dan una apariencia casi fantástica, muchos de los paisajes contienen un camino o una carretera que "invita al visitante a adentrarse en el espacio y a experimentarlo", explicó Livingstone.

Otros reproducen la misma escena en diferentes momentos del año, para mostrar la transformación que ejerce el paso de las estaciones.

Están realizados al aire libre, con acuarela, óleo, carbón e incluso, como en el caso de medio centenar de las 150 obras expuestas, con la tableta electrónica iPad, el último invento tecnológico adoptado por Hockney, quien ya utilizó en el pasado la fotocopiadora, el fax o la Polaroid.

La muestra, en la que es palpable la influencia de artistas como Monet o Van Gogh, se completa con una película filmada por él con nueve cámaras acopladas a un vehículo en los paisajes de los cuadros, que se van transformando ante la mirada del público.

'David Hockney: A Bigger Picture', primer evento de la cuenta atrás para el Festival Londres 2012 que culminará la Olimpiada Cultural, permanecerá en la capital británica hasta el 9 de abril, antes de viajar a España, donde podrá verse del 14 de mayo al 30 de septiembre en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Fuente: AFP

DESCUBREN TUMBA DE CANTANTE EGIPCIAQUE VIVIÓ HACE CASI 3.000 AÑOS

Arqueólogos suizos descubrieron por casualidad en el Valle de los Reyes de Egipto la tumba de una cantante que vivió hace casi 3.000 años, anunció el ministro de las Antigüedades Mohamed Ibrahim.

Por Ben Curtis / AFP

Arqueólogos suizos descubrieron por casualidad en el Valle de los Reyes de Egipto la tumba de una cantante que vivió hace casi 3.000 años, anunció el ministro de las Antigüedades Mohamed Ibrahim.

El equipo de la universidad de Basilea, dirigido por Elena Pauline-Grothe y Susanne Bickel, la halló durante una limpieza en el sitio de Karnak, cerca de Luxor, dijo el ministro a la prensa.

La mujer, Nehmes Bastet, cantaba para el dios supremo Amón-Ra durante la 22ª dinastía (945-712 antes de Cristo), según una placa de madera hallada en la tumba. Su padre era el Sumo Sacerdote de Amón, puntualizó Ibrahim.

El descubrimiento "muestra que el Valle de los Reyes también se usaba para enterrar a individuos corrientes y sacerdotes de la 22ª dinastía", agregó.

Las tumbas halladas anteriormente en este valle histórico pertenecían a familias reales del Antiguo Egipto.

Fuente: AFP

POLÉMICA EN EL LOUVRE:DISCUTEN QUÉ LÍMITES DEBE TENER UNA RESTAURACIÓN

Dos restauradores dimitieron. Afirman que el relleno de algunos blancos del cuadro “no es ético”.

ANTES. EL CUADRO, CON EL ASPECTO QUE PRESENTABA ANTES DE LA LIMPIEZA.

DESPUÉS. SE QUITARON MANCHAS Y LLENARON BLANCOS DEL CIELO (DETALLE).

Por Guido Carelli Lynch

Muy pocos de los más de 8 millones de visitantes que pasan todos los años por el Museo del Louvre se detienen frente a La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana, uno de los cuatro cuadros de Leonardo Da Vinci que alberga este antiguo palacio real francés. Prefieren sortear codazos histéricos y hacer fila para ver de cerca a la Mona Lisa, que sonríe como Santa Ana, pero detrás de un vidrio blindado y climatizado.

La polémica restauración de este “ignorado” y también famosísimo óleo que Da Vinci pintó hacia 1503 funciona como una amarga campaña publicitaria de la obra en la que Sigmund Freud creyó encontrar un testimonio de la homosexualidad del genio renacentista. La renuncia de dos destacados miembros del comité científico que sigue la delicada restauración dio la vuelta al mundo y amenaza la reputación del museo parisino. El ex superintendente del departamento de Pinturas del Louvre Jean–Pierre Cuzin y la antigua directora del Instituto Francés de Restauración de Obras de Arte Segolene Bergeon Langle dieron un portazo, en desacuerdo con la restauración “agresiva” a la que el cuadro fue sometido. La polémica se insinuó en octubre pasado, en el Journal des Arts, una revista especializada, pero estalló tras las declaraciones de los antiguos investigadores. “Desde el principio tomé la posición de que me iría si se cruzaban ciertas líneas rojas”, declaró a The New York Times Bergeon Langle.

La gota que rebasó el vaso y motivó la renuncia de los dos especialistas fue la decisión del equipo de restauración de llenar algunos blancos de la obra. “Hay un componente ético. A pesar del gran progreso, debemos ser modestos. Llegarán materiales mejores y más fáciles de controlar. Debemos dejar algo de trabajo a las futuras generaciones”, agregó Bergeon Langle. Cuzin, en cambio, optó por el silencio.

“Podemos confirmar que ambos renunciaron aduciendo que faltaba diversidad en los debates del comité”, señaló en declaraciones a Clarín y vía mail, el director del Departamento de pinturas del Louvre, Vincent Pomarède. El también Conservador en Jefe del museo compara esta restauración con el fallido intento de optimizar la pintura en 1993, cuando el museo dio marcha atrás ante el temor de dañar para siempre la obra de 168 centímetros de alto por 130 de ancho. “El contexto es diferente. Ahora tenemos instrumentos científicos que no existían entonces, más eficientes y precisos, que permiten trabajar con serenidad en la pintura”, insiste antes de explicar que un barniz protege la pintura original de las nuevas. Para Pomarède la limpieza era absolutamente necesaria para la conservación de la pintura y por razones estéticas, ya que la última restauración fue en la década de 1950. “Hicimos los exámenes científicos más modernos de la actualidad, rayos UV, infrarrojos, rayos X, y utilizamos una nueva técnica de medición del espesor de barniz. Nuestra prioridad era disminuir los barnices y eliminar los excesos de pintura, como las manchas azules del cielo, además de estabilizar la tabla de madera que funciona como soporte de la obra”, insiste.

Pomarède es parco para referirse a las razones que motivaron la renuncia de los dos especialistas y también cuando se le pregunta por los descubrimientos que “arrojó” la recuperación del cuadro. “Nos ha dado algunas lecciones y una de las más importantes es que Leonardo utilizaba materiales muy clásicos para las técnicas de su tiempo, pero con una perfección muy excepcional. Cada uno de sus cuadros es único”, explica sin dar mayores precisiones.

Ninguna otra restauración había generado tanto nerviosismo en el museo más visitado del planeta como la de La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana.

Quizás un futuro retoque de la Mona Lisa pueda ser más polémico. “Por ahora, tenemos otras prioridades”, se desentiende Pomarède. Cuando el renunciante Cuzin ocupaba su puesto en 1998 fue más tajante: “Cambiar el aspecto de la Mona Lisa es atentar contra la historia del arte”, sentenció. Tarde o temprano le tocará y alguien más renunciará.

Fuente: clarín.com

SE SUBASTARÁN CUADROS DE LA COLECCIÓN DE ELIZABETH TAYLOR

La casa de subastas londinense Christie's ofrecerá el próximo mes, 38 obras de arte que pertenecieron a la colección de la fallecida estrella de Hollywood.
Entre ellas valiosos Van Gogh, Pissarro y Degas.

"Vue de l'Asile de la Chapelle de Saint-Remy" fue pintada por Vincent Van Gogh en 1889, un año antes de morir.

Entre los cuadros más importantes de la colección, parte de la cual se subastó en Nueva York el pasado diciembre, se encuentra "Vue de l'Asile de la Chapelle de Saint-Remy" de Vincent Van Gogh, con un precio estimado de hasta 13 millones de dólares.

La obra, que se expondrá antes de su subasta en la sede de Christie's, fue pintada por el genio holandés en 1889, un año antes de morir, y Taylor la adquirió en 1963.

También destaca "Pommiers d'Eragny", de Camille Pissarro, con un precio estimado de 1,8 millones de dólares, y un autorretrato de Edgar Degas que podría alcanzar unos 688.977 dólares.

Otra joya de la colección, en la que abundan las obras del galés Augustus John, es un óleo de Pierre-Auguste Renoir, valorado en 382.765 dólares.

Durante esas dos jornadas de pujas dedicadas al arte impresionista, moderno y surrealista se ofrecerán también piezas de otras colecciones, entre ellas una obra clave del cubismo de Juan Gris, "Le livre", cuyo precio se estima en hasta 33,6 millones de dólares.

"Elizabeth Taylor sentía tanta pasión por comprar obras de arte como joyas", declaró la directora de arte modernista y moderno de Christie's, Giovanna Bertazzoni.

La experta explicó que Taylor, nacida en Londres en 1932, estuvo influida por su padre, Francis Taylor, que era marchante de arte y tuvo una galería en la londinense Old Bond Street antes de que la familia se trasladara a vivir a California, en los Estados Unidos a principios de la segunda Guerra Mundial.

La actriz, fallecida en Los Ángeles el año pasado, compró su colección sobre todo en los años sesenta, adquiriendo especialmente obras de artistas en auge en ese momento.

Fuente. Revista Ñ Clarín

EL ARCHIVO DE ARTE MÁS GRANDE DEL MUNDOES LATINOAMERICANO

Estará online desde el jueves. Incluye obras y Artículos sobre el arte de la región en el siglo.

MEXICO. Superpoema Bolchevique, en Urbe.

Por Mercedes Pérez Bergliaffa, Especial para Clarín

Desde pasado mañana, el arte latinoamericano del siglo XX será el primero que tendrá su propio archivo de documentos disponible para todo el mundo a través de la web. Se hará realidad cuando se presente entonces en Texas, en los Estados Unidos, el resultado de un esfuerzo enorme: diez años de trabajo de más de cien científicos e investigadores de dieciséis países, unido con el de una treintena de especialistas digitales. Obras, por supuesto, infinidad de artículos periodísticos sobre arte, cartas privadas y catálogos, entre tantos documentos, estarán gratis y a disposición de todos en http://icaadocs.mfah.org, el sitio creado por el Museo de Bellas Artes de Houston –MFAH- y el Centro Internacional de Arte para las Américas (ICAA). Buena parte de ese material nunca fue publicado.
La puesta en marcha del archivo estará acompañado por el simposio internacional “Nuevas trayectorias para la investigación del arte latinoamericano y latino” y por la publicación de 13 volúmenes sobre el arte de la región. Semejante archivo instalará una nueva memoria del arte latinoamericano y posiciona al arte y la cultura de América Latina a la cabeza de las tendencias internacionales: ninguna otra región del mundo posee semejante recurso.
“Este es el primer archivo digital de este tipo en todo el mundo”, sentencia la curadora Mari Carmen Ramírez por teléfono y desde Houston, donde trabaja en el ICAA. Directora del proyecto y pionera en las investigaciones de arte latinoamericano, Ramírez es una de las responsables de la visibilidad que el arte de la región adquirió durante las últimas décadas, con presencia en los museos más importantes del mundo y en el mercado internacional. “Este proyecto establece un modelo para la recuperación de fuentes, que podrán seguir luego otras regiones”, agrega la curadora, cuando contesta las preguntas.
-¿Por qué piensa que es importante que exista un proyecto como éste?
-El archivo tiene que ver con los orígenes de la identidad. Es un instrumento político, un instrumento para la construcción de identidad. La razón por la que los archivos se han puesto de moda en los últimos 30 años es porque los movimientos sociales llamaron la atención sobre la necesidad de la construcción de identidades. Esto toca a los grupos que hasta la fecha han estado marginados de las grandes narrativas de la Historia, los grupos de minorías, como las mujeres, los gays, y también grupos culturales como los latinoamericanos o asiáticos.
-El proyecto posiciona el arte de la región al frente de una tendencia...
-Sí, porque permite ver a América Latina y a los latinos de los Estados Unidos como parte de una comunidad y de una identidad flexible, que no se limita necesariamente a las barreras geográficas o nacionales. Esto es algo que ha existido desde el descubrimiento de América: el anhelo de construir una identidad continental, no solamente nacional.
-¿Qué consecuencias traerá el archivo en la próxima década?
-Creo que puede incrementarse la profundidad del conocimiento sobre ciertos artistas o grupos, sobre los que pensábamos que ya lo sabíamos todo. Espero que otros documentos en el archivo arrojen luz sobre aspectos hasta ahora desconocidos. Otros seguramente permitirán establecer relaciones con movimientos de artistas de países latinoamericanos entre sí.

LOS ARCHIVOS ARGENTINOS

Es interesante señalar que la investigación del equipo local para el archivo, estuvo coordinada por Patricia Artundo y contó con la investigación de Cristina Rossi, entre otros especialistas. Entre los tesoros argentinos sobresale “la censura de las obras premiadas en el Salón Nacional de Artes de 1969.

Fuente: clarin.com

EL REBELDE ITALIANO QUE MIRA AL RÍO

En 1878, la estatua del político Giuseppe Mazzini, en Alem y Lavalle, generó polémica. Hoy está rodeada de modernas torres.

Por Eduardo Parise

Dentro de dos meses exactos, se cumplirán 134 años de su inauguración. Aquello ocurrió el 16 de marzo de 1878. El monumento es el mismo pero su entorno cambió mucho. Por lo pronto, ya no lo rodea aquella imagen bucólica de cielo abierto. El río quedó bastante lejos, cubierto por calles, modernos edificios y los viejos muelles de Puerto Madero, devenidos en paseo turístico para propios y extraños. Y las vías del ferrocarril, cuya estación central estaba ahí en el Bajo, a unos metros de la Casa Rosada, no sólo desaparecieron sino que cedieron su lugar para una de las avenidas más transitadas de la Ciudad.

El sitio, ahora lleno de árboles, ocupa la manzana de Leandro N. Alem, Tucumán, Bouchard y Lavalle y se denomina Plaza Roma, aunque alguna vez fue conocida como Plaza Mazzini, en homenaje a la estatua de Giuseppe Mazzini (1805-1872) colocada allí por iniciativa de residentes italianos. El sitio elegido no era una casualidad: querían que, cuando los nuevos inmigrantes procedentes de Italia llegaran a Buenos Aires, tuvieran una imagen cercana a su historia.

Pero no todo era fácil, porque en aquellos tiempos la imagen de Mazzini aún provocaba divisiones en la gente: para algunos ese homenaje era una ofensa porque esa persona había enfrentado a la autoridad del Papa Pío IX; otros, más liberales, creían que se hacía justicia. ¿Quién fue ese político italiano, al que algunos porteños denominan simplemente como “el hombre de la silla”? Giuseppe Mazzini había nacido en Génova y a los 23 años ya estaba integrado a los carbonarios, una especie de logia secreta que con un criterio nacionalista pugnaba por lograr una Italia unificada como república y libre de ingerencias extranjeras.

Según algunos historiadores, la acción violenta de los grupos que lideraba fue la que dio origen a la palabra mafia. Afirman que era el acróstico de la expresión “Mazzini Autorizza Furti, Incendi e Avelenamenti” (Mazzini Autoriza Robos, Incendios y Envenenamientos). Claro que no es la única pero es la que la relaciona a esa organización con este hombre cuyo lema de combate sostenía “Ni Rey, ni Papa; sólo Dios y el pueblo nos abrirán el camino hacia el futuro”. Aquella actitud rebelde no sólo le costó cárcel. En 1832 fue condenado a muerte y pudo huir primero a Marsella y luego a Londres. En 1848 participó en movimientos revolucionarios contra el Papa. Sin embargo, unos años después muchos nacionalistas optaron por el criterio más moderado del rey Víctor Manuel II y de su primer ministro, el conde Cavour, y la línea radical de Mazzini fue perdiendo fuerza. El murió en Pisa (Italia) en marzo de 1872, después de volver en forma clandestina de un exilio que le habían impuesto por un levantamiento en Sicilia.

La estatua que lo evoca en la Plaza Roma es obra del escultor italiano Giulio Monteverde (1837-1917), un hombre que, entre otras actividades, fue maestro de nuestra Lola Mora, la gran artista tucumana. Alguna vez hubo quejas por la ubicación y hasta se pensó en un traslado. Lo único que se modificó fue la orientación ya que, en un primer momento, la imagen de Mazzini miraba hacia la Casa Rosada. Y sigue en su lugar de origen, igual que esa otra estatua que se inauguraría en 1904 en la Plaza Italia, corazón del barrio de Palermo. Es la que evoca a otro Giuseppe: Garibaldi, un joven que alguna vez tuvo a Mazzini como referente. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

LOS PROFANADORES DE TUMBASARRASAN CON SIGLOS DE HISTORIA CHINA

 

Utilizan dinamita y tecnología avanzada para hacerse con botines milenarios.

TUMBAS DE 1700 AÑOS. EXCAVACIONES OFICIALES EN JIANGSU, UNA DE LAS PROVINCIAS MÁS AFECTADAS POR LOS ROBOS.

Por Tania Branigan, The Guardian y Clarín

Los ladrones usan dinamita y hasta grúas excavadoras para ingresar en las cámaras más profundas. Y tienen anteojos de visión nocturna y tanques de oxígeno para inspeccionarlas. Los objetos que se llevan suelen ser vendidos en cuestión de días a comerciantes internacionales.

Los extraordinarios tesoros históricos chinos se encuentran bajo la amenaza de profanadores de tumbas, cada vez más sofisticados y agresivos, que destruyen valiosas pruebas arqueológicas y roban reliquias irreemplazables.

La policía ya intensificó su tarea y el gobierno está asignando recursos adicionales para proteger los sitios históricos y perseguir a los delincuentes. Este año creó el centro nacional de información para manejar estos delitos. “Antes, China tenía una gran cantidad de tumbas antiguas valiosas y si bien era deprimente descubrir alguna profanada, se podía de todos modos encontrar otra similar en el futuro”, dijo el profesor Wei Zheng, arqueólogo en la Universidad de Pekín. “Actualmente, son demasiadas las que fueron destruidas. Una vez que se profana una, es muy difícil encontrar otra similar”, agrega. El profesor Lei Xingshan junto a su equipo de investigación encontraron más de 900 tumbas en los alrededores de Shanxi y casi todas habían sido profanadas.

Pasaron dos años excavando dos tumbas de gran calidad de los períodos de Zhou occidental y Zhou oriental (que abarcan, entre los dos, desde 1100 AC hasta 221 AC) y descubrieron que ambas habían sido vaciadas por ladrones. Según los expertos, el problema se agravó al abrirse la economía china, Los coleccionistas locales e internacionales, en tanto, crearon un enorme mercado para los ladrones.

Las autoridades chinas empiezan a tomar conciencia del problema. Según el ministerio de seguridad pública, la policía investigó 451 casos de profanación de tumbas en 2010 y otros 387 que involucran el robo de reliquias. En los seis primeros meses de ese año, desbarataron 71 bandas, detuvieron a 787 sospechosos y recuperaron 2.366 objetos. Los detenidos son pasibles de multas y prisión de tres a 10 años, o incluso perpetua en los casos más graves.

Los funcionarios dicen que los robos de tumbas se han ido profesionalizando cada vez más. Las bandas de las provincias más afectadas –Shanxi, Shaanxi y Henan tienen un legado arqueológico particularmente rico– han comenzado a exportar su experiencia y conocimientos a otras regiones. 100 mil personas ya participan en el tráfico de estas piezas a nivel nacional.

El investigador Wei Yongshun señaló en declaraciones a China Daily que los jefes de organizaciones criminales contratan a equipos experimentados de ladrones de tumbas y venden el botín a intermediarios lo más rápido que pueden. Otros funcionarios explicaban que los ladrones pagan a los granjeros para que les muestren las tumbas y los ayuden a ocultarse de la policía. Otros simplemente aceptan los sobornos.

Los profanadores suelen regresar a un sitio varias veces durante meses. En algunos casos llegaron a construir pequeñas “fábricas” junto a las tumbas para pasar inadvertidos. “Los objetos se sacan de contrabando a través de Hong Kong y Macao y luego son llevados a Taiwán, Estados Unidos o a países europeos para ser comercializados”, explica Wei.

En 2011, las autoridades chinas recuperaron un sarcófago de 27 toneladas que había sido robado de Xi’an y enviado a los Estados Unidos. Luego de 4 años de investigaciones, identificaron al coleccionista que había comprado la pieza de una tumba de la dinastía Tang por aproximadamente 1 millón de dólares.

“Si no tomamos medidas inmediatas y efectivas para proteger estos objetos, en 10 años no quedará ninguno”, dijo a China Daily Luo Xizhe, de la oficina de reliquias culturales provinciales de Shaanxi. Las autoridades piensan gastar más de 15 millones de dólares en equipos de vigilancia para las tumbas de Shaanxi en los próximos 5 años. El total del gasto en protección de reliquias culturales aumentó de US$ 120 millones en 2006 a 1500 millones en 2011.

El año pasado, en uno de los peores golpes, los profanadores se abrieron paso con una excavadora a través de 10 tumbas recientemente descubiertas en la provincia oriental de Jiangxi y, en pocos minutos, arrasaron con tesoros de 2 mil años.

Fuente: clarin.com

EL ARTE DE AMÉRICA LATINA A SÓLO UN CLIC

JORGE BERISTAYN, Escuela Argentina, 1894-1964, "Arroyo..."  Óleo sobre hardboard, 1942. Mide 50 X 62 cm. 

Por Mercedes Pérez Bergliaffa, Especial para Clarín

El arte latinoamericano estará de fiesta la semana próxima, cuando se presente en Houston –Estados Unidos–, el primer gran archivo digital de investigaciones sobre el arte latino y de América Latina del Siglo XX. El inmenso proyecto, de un costo de varios millones de dólares, es fruto de diez años de trabajo de más de cien investigadores de toda la región. ¿Sus responsables? El Museo de Bellas Artes de Houston –MFAH- y el Centro Internacional de Arte para las Américas –ICAA-, dos norteamericanas, que han logrado reposicionar el arte latinoamericano.

El lanzamiento del archivo, el próximo jueves –estará online al día siguiente– significará más de diez mil documentos y publicaciones e investigaciones de 16 ciudades, entre ellas Buenos Aires. Muchos de los documentos son inéditos y nunca antes habían sido accesibles al público.

La puesta en marcha del Archivo estará acompañado por el simposio internacional “Nuevas trayectorias para la investigación del arte latinoamericano y latino”.

La investigadora y curadora puertorriqueña Maricarmen Ramírez es la principal impulsora del proyecto. Poderosa curadora del mundo del arte latinoamericano, fue rankeada hace un par de años por la revista Time como una de las personas hispanas más influyentes de Norteamérica, junto a Salma Hayek y Gustavo Santaolalla, entre otros.

“Este proyecto es solamente el comienzo de un esfuerzo por recuperar la producción intelectual de artistas, curadores y críticos latinoamericanos del siglo XX”, comenta Ramírez. “Servirá, también, para incentivar futuras investigaciones de este arte en los Estados Unidos y en cualquier parte del mundo”, agrega sobre el enorme proyecto que permitirá revisar cientos de años de arte latinoamericano con sólo un clic.

Fuente texto: clarin.com

LOS TESOROS HISTÓRICOS DEL ARTE DE EEUUVUELVEN A BRILLAR EN NUEVA YORK

Varias personas cortan una cinta delante del cuadro 'Washington cruzando el río Delaware', de Emanuel Leutze, para inaugurar la renovada 'American Wing' del Museo Metropolitan de Nueva York, el jueves 12 de enero.
 

Por Mariano Andrade
 

El Museo Metropolitano de Nueva York reveló el jueves sus nuevas áreas dedicadas a la historia de la pintura y la escultura estadounidenses, donde se exhiben varias "joyas de la corona" del país, tras concluir un gran proyecto de renovación que costó unos 100 millones de dólares.

"Hoy celebramos diez años desde el inicio del proyecto de reimaginar, reinventar y reconstruir estas galerías. Este es un gran momento para el Museo Metropolitano", dijo el presidente del 'American Wing', Morrison Heckscher, al presentar a la prensa las nuevas instalaciones.

La renovación de la colección de historia del arte estadounidense, que va desde el siglo XVIII hasta principios del XX, fue encarada después de que Heckscher y su equipo llegaran a la conclusión de que la antigua disposición "no estaba haciendo justicia a las obras exhibidas".

Las 26 salas de estilo clásico que ocupan unos 2.800m2 representan una "reconfiguración total del espacio" a través de "galerías modernas con una atmósfera muy histórica" que presentan pintura, escultura y arte decorativo, agregó Heckscher.

Si se trata de elegir una obra que condense el espitiru de la 'American Wing', las miradas se vuelcan naturalmente al inmenso óleo 'Washington cruzando el río Delaware', del germano-estadounidense Emanuel Leutze, que retrata de manera épica un momento cumbre de la guerra de la independencia estadounidense.

Objeto de veneración, el cuadro fue pintado en Alemania en 1851 y muestra al héroe revolucionario y primer presidente estadounidense cruzando con sus tropas el río que separa Pensilvania de Nueva Jersey a bordo de un humilde bote de madera y en medio de bloques de hielo en la Navidad de 1776.

Otra pintura emblemática es 'Los últimos momentos de John Brown', pintado a finales del siglo XIX por el irlandés-estadounidense Thomas Hovenden, en el cual se ve al líder abolicionista besando a un bebé negro en su camino al patíbulo poco antes del estallido de la guerra civil en Estados Unidos.

Los espectaculares paisajes del Nuevo Mundo son uno de los temas recurrentes del arte estadounidense y encuentran su máxima expresión con la 'Escuela del Río Hudson', un movimiento influido por el romanticismo surgido en el siglo XIX al norte de Nueva York y liderado por Thomas Cole.

En su conjunto, las galerías ofrecen un recorrido por el imaginario estadounidense y sus corrientes artísticas, desde los retratos del periodo colonial (1730-1776), con John Singleton Copley a la cabeza, hasta el impresionismo estadounidense (1880-1920), importado de Europa por Childe Hassam.

"Lo que intentamos hacer es desarrollar líneas argumentativas unificadas sobre la evolución de la pintura y la escultura estadounidense. Al mismo tiempo, esas líneas argumentativas van en paralelo con la historia de Estados Unidos", señaló en ese sentido la curadora Elizabeth Mankin Kornhauser.

La primera parte de la renovación de la 'American Wing' había concluido en enero de 2007 con las galerías dedicadas a las artes clásicas en Estados Unidos y la segunda, en mayo de 2009, con la renovación del espacio centrado en los mobiliarios y decorados de interiores históricos.

En total, se exponen ahora unas 17.000 obras y objetos.

Fuente: AFP 

PROMEDIA UNA EXPOSICIÓN ITINERANTE

 

Detalle del cuadro de Jean-Léon Gérome, "El mercado de esclavos", una de las obras que se exhibe dentro de la exposición "Impresionistas. Maestros franceses", que incluye obras de Manet, Monet, Pisarro, Sisley, Degas y Renoir, que se podrá ver en el CaixaForum Barcelona hasta febrero de 2012, en la única parada española de la gira internacional que efectúa el Sterling and Francine Clark Art Institute.

Fuente: EFE/Archivo

DA VINCI, LOS MAYAS, MATISSE Y DALÍ PROTAGONIZARÁN EL 2012 EN PARÍS

Exterior del Museo del Louvre con la famosa pirámide de cristal a la entrada. Un año más, el Louvre será foco de atención de la cultura francesa en 2012.

 

Tejado con ondas del nuevo departamento de arte islámico del Museo del Louvre, en París. París presenta para 2012 una oferta cultural basada en esta ampliación del museo, la exposición de un Da Vinci restaurado y máscaras mayas, entre otras.

Por Ana María Echeverría / AFM

Un lienzo de Leonardo Da Vinci que ha desatado una encendida polémica en el Louvre, máscaras mayas en la Pinacoteca, plantas carnívoras de la portuguesa Joana Vasconcelos en Versalles, Dalí en el Pompidou: la oferta artística en París para el año 2012 es tan variada como la ciudad.

'La Virgen y el niño Jesús con Santa Ana', que será la estrella de una exposición consagrada a los últimos años del genio (29 de marzo al 26 de julio), ha desencadenado una inédita batalla en el Louvre, a raíz de la restauración de este lienzo, que el gran museo parisino considera como una de sus joyas, junto con 'La Gioconda'.

Dos de los grandes expertos del Louvre, Jean-Pierre Cuzin y Ségolène Bergeon Langle, presentaron sus renuncias al comité científico del museo por desacuerdos respecto a la manera como había sido retocado el hermoso óleo en madera, empezado por Da Vinci en Florencia en 1503.

Los expertos criticaron la forma agresiva, "brillante y susceptible de gustar al gran público" con la que se había restaurado el óleo. Pero la polémica, que trascendió a la prensa, aumentará el interés del público por ver esta obra, considerado clave en la trayectoria de Da Vinci.

El Museo del Louvre prepara además la apertura en el verano del 2012 de un nuevo departamento dedicado a las artes islámicas, que es la mayor operación arquitectónica del museo desde la pirámide de cristal, erigida hace 20 años.

Para exponer las miles de joyas de artes del Islam que mantiene en bodegas, por falta de espacio, el museo está construyendo un nuevo departamento en forma de enorme vidriera de cristal, sobre la cual ondula una especie de velo de acero.

Un 30% del coste total de la renovación, que se eleva a unos 98,5 millones de euros, ha sido financiado por el Estado francés y por el museo, y el resto por donativos, entre otros, de países árabes.

Pero aunque aún faltan unos 10 millones para completar el presupuesto, el Louvre se dice confiando de que hallará mecenas que abrirán sus bolsillos para cubrir el hueco faltante, y que el nuevo departamento estará listo para acoger al cada vez mayor número de visitantes desde septiembre próximo.

'Las máscaras de jade maya', que se abre en la Pinacoteca de París el 26 de enero, hasta el 20 de junio, será también otra de las grandes atracciones de este invierno parisino.

La muestra debió haber abierto sus puertas en marzo del año pasado, pero fue víctima del desacuerdo entre París y México por el caso de Florence Cassez, la francesa condenada a 60 años de cárcel por complicidad en secuestros.

Degas, sus bailarinas, sus desnudos y sus escenas de burdeles ocuparán del 13 de marzo al primero de julio el hermoso museo de Orsay, cuya aplaudida renovación, que se estrenó en septiembre, ha sido una de las atracciones del otoño parisino.

El Centro Pompidou, que es otro de los sitios preferidos por franceses y turistas, confrontará, desde el 7 de marzo hasta el 18 de junio, obras maestras de Matisse sobre el mismo tema. Esa muestra será seguida por una que consagrará al alemán German Richter, del 3 de junio al 24 de septiembre, y una de Salvador Dali (1904-1989), desde el 21 de noviembre.

Berthe Morisot ocupará el siempre hermoso museo Marmottan, que expondrá del 8 de marzo al primero de julio 150 obras de este artista impresionista, mientras que el museo Guimet ofrecerá piezas de China, grabadas con extraños símbolos de las fuerzas telúricos del universo.

El artista disidente chino Ai Weiwei será el invitado de honor del museo Jeu de Paume, del 21 de febrero al 29 de abril, y la Biblioteca Nacional de Francia propondrá miniaturas de la edad de Oro flamenco, del 6 de marzo al 10 de junio.

La pintora italiana Artemisia Gentileschi, nacida en Roma en 1593 y que falleció en Nápoles hacia 1654, es la invitada del museo Maillol (14 marzo al 15 julio), mientras que el Grand Palais consagrará exposiciones a la 'Belleza animal' (21 marzo al 16 de julio), al artista alemán Helmut Newton y al artista costumbrista estadounidense Edward Hopper, en octubre.

Y estas son solamente algunas de las propuestas que garantizan que París en el 2012 será rico, intenso y vibrante.

 

Fuente: AFP

LOS GRANDES MUSEOS DE ESPAÑADESAFÍAN A LA CRISIS CON RECORD DE VISITANTES

Personas esperando para entrar en el museo Reina Sofía de Madrid el 4 de enero. Este museo, igual que los otros dos del 'Paseo del Arte' madrileño, el Prado y el Thyssen-Bornemisza, recibió más visitantes en 2011 que en 2010 y espera un año 2012 con nuevo récord.

Fila de espera para entrar en el Museo del Prado el 4 de enero en Madrid. Tres grandes museos españoles como el Prado, el Reina Sofía y el Thyssen-Bornemisza han logrado un récord de visitantes en 2011, año de crisis para el resto del país.

Por Daniel Silva

Con una España enredada en la crisis y una tasa de desempleo en constante aumento en Madrid, los tres grandes museos, Prado, Reina Sofía y Thyssen-Bornemisza, acogieron en 2011 a un número récord de visitantes y esperan repetir hazaña en 2012.

En el corazón de la capital, las filas de espera son habituales ante estas pinacotecas durante todo el año, en el eje que forman las tres instituciones, en una especie de 'triángulo de oro del Arte' de Madrid.

¿El secreto? Cada vez más turistas y una cuidada programación cultural, explica el director general del Thyssen-Bornemisza, Miguel Ángel Recio.

Este museo privado, que alberga obras de multitud de pintores, desde el período del Greco hasta Picasso, ha visto su número de visitantes subir por tercer año consecutivo, un 30,4% más respecto a 2010.

Con 1,1 millón de visitantes, la mitad de ellos extranjeros (principalmente de Alemania, Francia y Gran Bretaña), ha marcado un récord desde su apertura en 1992.

"El museo se ha consolidado como local de visita en la ciudad", afirma Recio, explicando que el aumento del número de visitantes en año de crisis refleja la "buena calidad" de su oferta y el amplio horario de visitas.

Entre las siete exposiciones temporales organizadas en 2011, la del pintor realista español Antonio López ha batido todos los récords, con 320.000 visitantes.

A pocas calles de este museo, el Reina Sofía, dedicado al arte moderno y que alberga como una de sus joyas el 'Guernica' de Picasso, ha tenido también un buen año. Ha recibido 2,7 millones de visitantes en 2011, un 17% más que en 2010.

"Creo que se debe a una política de públicos que consiste en entender que el público es constituido por múltiples minorías, cada una con su propia visión del mundo", considera su director, Manuel Borja-Villel.

"Si el modelo funciona, la asistencia debe aumentar. La crisis afecta al modelo de crecimiento, no el interés en la cultura", asegura.

En cuanto al célebre Prado, con su rica colección de obras de Goya y Velázquez, sigue siendo el más popular con 2,9 millones de visitantes en 2011, subiendo un 6,6% sobre 2010.

La mayoría de los visitantes, un 59%, llegaron desde el extranjero, sobre todo de Italia, Estados Unidos y Francia.

Las exposiciones temporales han tenido además gran éxito, con 919.584 personas, de las que casi 220.000 han ido a admirar las obras prestadas por el museo ruso del Ermitage, que estarán hasta marzo de 2012.

Justamente esa exposición es la que ha llamado la atención de Andrea Bordoni, turista de 38 años procedente de Milán: "He oído hablar de ella en Italia, es una de las razones por las que he venido a Madrid. Es más fácil ir a España que a Rusia para ver el Ermitage y hace más calor aquí", comenta esperando paciente a la entrada del museo.

Para los grandes museos madrileños, 2012 se anuncia igual de prometedor que ha sido 2011.

El Thyssen-Bornemisza prevé cinco exposiciones temporales para celebrar su vigésimo aniversario, principalmente las del pintor realista americano Edward Hopper y una de Gauguin, pero también la primera retrospectiva en España del ruso Marc Chagall, que será del 14 de febrero al 20 de mayo.

Esta última contará con cerca de 150 obras prestadas por 20 museos, por colecciones privadas y por la propia familia del pintor.

El Museo Reina Sofía arrancará temporada con dos exposiciones, una dedicada al artista alemán Hans Haacke y otra al irlandés James Coleman.

Por último, el Prado, se entregará en junio a cuadros pintados por el genio del Renacimiento Rafael durante sus últimos años de vida, gracias a una colaboración con el Museo del Louvre, que será el que tome el testigo de esta exposición.

Fuente: AFP